suprarealismul a fost o mișcare artistică și literară de avangardă care a apărut la începutul secolului 20. S-a concentrat pe exprimarea emoțională profundă prin creație artistică și asociere liberă. S-a bazat foarte mult pe psihanaliză, care s-a adâncit în mintea inconștientă pentru a identifica impulsuri sau traume reprimate. Suprarealismul a reprezentat un punct de cotitură în modernism și funcția artei în societate, deoarece s-a abătut de la estetica tradițională în favoarea autoanalizei. Mai jos sunt 10 picturi celebre ale mișcării și ale artiștilor lor.
Dada și arta suprarealismului Timpuriu
suprarealismul a fost puternic influențat de mișcarea avangardistă numită Dadaism. La fel ca suprarealismul, dadaismul a încurajat stilurile artistice netradiționale, ironia și imaginile eronate. Andrix Breton, fondatorul suprarealismului, a fost, de asemenea, un membru cheie al mișcării Dada și a creat metoda automată de asociere liberă, care ar fi o influență importantă asupra artei și literaturii suprarealiste.
Celebes (1921) de Max Ernst
Max Ernst a fost un artist german, sculptor și poet, care a fost un membru cheie în ambele dada și suprarealism mișcări. Opera sa este cunoscută pentru experimentarea sa cu iluzia și iraționalul și a devenit un membru de frunte în utilizarea automatismului. De asemenea, el a fost pionierul unei metode numite frottage, care consta în plasarea hârtiei pe suprafețe neuniforme, apoi frecarea unui creion peste ea pentru a crea silueta suprafeței. Celebes descrie un coș de porumb Sudanez care a fost transformat într-un monstru mecanic asemănător unui elefant. La fel ca multe picturi suprarealiste, piesa este amplasată într-un peisaj vast, pustiu. În fruntea piesei se află o figură feminină fără cap. Există numeroase elemente ale iconografiei disjuncte, inclusiv pește zburător, cutii de ulei și un stâlp ca și cum ar fi imagini din interiorul unui vis. Aceste elemente aparent aleatorii sunt produse ale automatismului suprarealist și ale asocierii libere a minții inconștiente.
Carnavalul de Arlechin (1924-25) de Joan mirificul
Carnavalul de Arlechin al lui Joan Mirc7, 1924-25, Galeria de artă Albright-Knox
Joan Mir a fost un artist spaniol și un membru proeminent al avangardei secolului 20. Opera sa s-a caracterizat prin utilizarea culorilor strălucitoare, forme geometrice și schimbări de perspectivă. El a folosit aceste elemente pentru a crea piese abstracte simpliste, dar evocatoare. Există două muzee dedicate lui de lucru, unul în Barcelona dreptul Fundació Joan Miró și celălalt în Mallorca numit Fundació Pilar am Joan Miró.
Carnavalul Arlequinului se concentrează pe un Arlequin fragmentat la o scenă de carnaval. Paleta de culori prezintă culori primare pe un fundal gri. Exemplifică simbolismul și asocierea liberă a suprarealismului cu elemente deconectate care se reunesc pentru a forma o piesă coezivă. Fereastra de fundal are un soare geometric, abstractizat și Munte. Multe dintre figurile din tablou sunt antropomorfizate și par să danseze, evidențiind natura lipsită de sens a scenei.
suprarealismul Arta și explorarea inconștientului
influențați de teoria psihanalitică, suprarealiștii au folosit arta pentru a pătrunde în mintea inconștientă. Aceasta a fost o metodă de autoanaliză, deblocarea atitudinilor, dorințelor sau traumelor subiacente și transpunerea lor în artă cu simbolism. Utilizarea psihanalizei a dus la imagini extrem de emoționale, viscerale și adesea șocante.
Marele Masturbator (1929) de Salvador Dal_3>
Salvador Dal a fost un artist spaniol și un membru de frunte al mișcării suprarealismului. Opera sa era cunoscută pentru peisajele sale de vis și imaginile bizare. El a fost puternic influențat de Psihanaliza freudiană și a folosit arta pentru a pătrunde în mintea inconștientă prin simbolism. În timp ce și-a extins cariera în alte mișcări de artă, inclusiv cubismul și a folosit medii precum sculptura, tipografia și scrierea, el a fost cunoscut în primul rând pentru arta sa vizuală suprarealistă.
Marele Masturbator descrie o figură mare, amorfă, bazată pe o formațiune de rocă Catalană. Un profil care seamănă cu Gala soției lui Dalivest iese din vârful figurii și este înconjurat de alte forme corporale grotești. Figuri mici se află sub formațiunea mare de pe peisajul Catalan semnat de Dal XV. La fel ca multe picturi suprarealiste, combinația de elemente individuale sugerează asocierea liberă, care împreună reprezintă fascinația comună și dezgustul față de actul sexual al lui Dalivedo.
coloana ruptă (1944) de Frida Kahlo
Frida Kahlo a fost un pictor mexican și un contribuitor proeminent la mișcarea suprarealismului. Era cunoscută în primul rând pentru autoportretele sale extrem de autobiografice. Aceste portrete au evidențiat adesea lupta ei de-a lungul vieții cu boala și dizabilitatea, prezentând imagini profund personale și uneori deranjante. Opera sa s-a inspirat semnificativ din cultura mexicană și a inclus adesea iconografie sau îmbrăcăminte tradițională mexicană, culori strălucitoare și flori.
coloana ruptă reprezintă constrângerile dizabilității asupra vieții lui Kahlo. La vârsta de 6 ani, a contractat poliomielita, ceea ce a lăsat-o cu o șchiopătare permanentă. Ulterior a fost implicată într-un accident de autobuz, în timpul căruia un stâlp metalic i-a tras în pelvis și a lăsat-o cu dizabilități pentru tot restul vieții. Ea dă naștere unei bretele din spate în tablou, pe care trebuia să o poarte după accident. Coloana vertebrală este simbolizată de o coloană greacă veche care este fragmentată în corpul ei pentru a reprezenta fragilitatea fizică după accident. De asemenea, este pătrunsă de multe unghii, reprezentând durerea și vulnerabilitatea ei constantă.
obiect în blană (1936) de Meret Oppenheim
Meret Oppenheim a fost un artist elvețian-german și un contribuitor proeminent la mișcarea suprarealismului. Munca ei s-a concentrat în jurul feminismului și subjugării femeilor în societate prin fragmentarea corpurilor feminine. A fost strâns legată de alți artiști de avangardă, pozând pentru Man Ray și colaborând cu Pablo Picasso. Ea a fost, de asemenea, cunoscută pentru experimentarea cu materiale netradiționale în artă.
obiectul în blană este o sculptură de ceașcă de ceai și lingură acoperită cu blană de animale. A fost inspirat de o conversație între Oppenheim, Picasso și Dora Maar la un CAFA din Paris, în timpul căreia artiștii au fost de acord că blana poate acoperi orice obiect, indiferent de banalitatea sa. Exemplifică tipul de sculptură Dada și suprarealist ‘obiect găsit’, care folosea și combina obiecte netradiționale sau obișnuite ca sculpturi artistice. Obiect în blană a fost renumit pentru combinația sa de domesticitate și erotism, rămânând una dintre cele mai influente opere de artă ale secolului 20.
Spitalul Henry Ford (1932) de Frida Kahlo
Spitalul Henry Ford portretizeaza Kahlo de stabilire într-un pat de spital, după ce a suferit un avort spontan. Ea este esențială pentru pictura, hemoragică și înconjurată de imagini de fertilitate, sănătate și naștere. În spatele ei sunt imagini ale industrialismului urban. Un accident de autobuz în tinerețe i-a zdrobit pelvisul și coloana vertebrală, dezactivând-o pe viață și lăsând-o infertilă. Piesa, prin urmare, reprezintă sentimentele ei durabile de vulnerabilitate, neputință și durere care au fost cauzate de accidentul ei și de lupta ei cu femeia și infertilitatea.
motive celebre ale artei suprarealiste
explorarea minții suprarealiste a dat imagini abstracte, de vis, cu subiect paradoxal și simbolism. Pentru a conecta aceste scene fără sens, suprarealiștii au folosit motive repetate ca și cum ar fi o parte a unui vis recurent. Aceste motive au devenit simboluri recunoscute și chiar iconice ale artei suprarealiste.
lampa filosofului (1936) de ren inkt Magritte
renulkt Magritte a fost un artist belgian și un membru prolific al mișcării suprarealiste. A creat numeroase capodopere suprarealiste și a rămas un contribuitor de durată la perioada de-a lungul carierei sale. Arta sa era cunoscută pentru elementele sale de iluzionism, ironie și spirit. El a introdus, de asemenea, mai multe motive iconice în mișcare, cel mai faimos fiind o țeavă de tutun. A fost influențat de colegii artiști Max Ernst și Giorgio De Chirico.
lampa filosofului prezintă utilizarea de către Magritte a motivului țevii. Este un autoportret, reprezentând profilul lui Magritte cu o masă în fundal. Nasul lui Magritte se extinde, aproape ca un trunchi de elefant, în țeavă ca și cum ar parodia inteligența filosofului. Masa din spatele lui ține o lumânare care se întinde ca un șarpe, un vierme sau un cablu al unei lămpi electrice. Piesa este plină de ironie plină de umor și elemente nerealiste, exemplificând natura satirică a suprarealismului.
persistența memoriei (1931) de Salvador Dal_3
persistența memoriei este una dintre cele mai cunoscute capodopere suprarealiste, introducând motivul ceasului de topire al lui dalqus în modernismul secolului 20. Piesa este așezată de-a lungul unei linii de coastă catalane, cu marea în fundal. În centrul picturii este o formă șchiopătată asemănătoare unui profil facial, înconjurată de ceasuri de topire și un cronometru. Atrage atenția între noțiunile de timp și realitate, făcând aluzie la metamorfoza infinită a lumii în care trăim.
Gradiva (1939) de Andriqc Masson
andrux Masson a fost un artist francez care a fost legat de suprarealism, deși nu s-a identificat niciodată oficial ca parte a mișcării. Opera sa a fost cunoscută pentru iconografia sa Greco-romană antică și pentru reprezentarea imaginilor grotesc violente și erotice. El a fost, de asemenea, un pionier al automatismului și rămâne una dintre cele mai importante influențe ale acestuia.Gradiva reprezintă un personaj din romanul lui Wilhelm Jensen din 1902 ‘Gradiva’, care s-a centrat în jurul unui tânăr arheolog care experimentează iluzii ale unei statui antice. Gradiva, obiectul obsesiei arheologului, a fost ulterior adoptat de Freud și suprarealiști ca simbol al dorinței. Pictura descrie o scenă din romanul din Pompei, în care Gradiva se transformă în piatră. Prezintă imagini metamorfice, violente și erotice și reprezintă un moment de finalizare sexuală. Deși Gradiva este cel mai faimos exemplu al lui Masson de imagini Greco-romane în pictură, el a repetat tema de-a lungul operei sale.
Fiul Omului (1964) De Ren * * * Magritte
Fiul omului este un autoportret care îl înfățișează pe Magritte în fața mării purtând un costum și o pălărie de melon. Fața lui este ascunsă de un măr verde, dar privitorul își poate vedea ochii proeminenți peste marginea sa. Tema feței ascunse apare în două dintre celelalte picturi ale lui Magritte realizate în aceeași perioadă, Marele Război (1964) și gustul invizibilului (1964). Este una dintre cele mai recunoscute picturi ale lui Magritte și a fost reiterată continuu în cultura pop modernă.