Le surréalisme était un mouvement artistique et littéraire d’avant-garde qui a émergé au début du XXe siècle. Il s’est concentré sur l’expression émotionnelle profonde à travers la création artistique et la libre association. Il s’est fortement inspiré de la psychanalyse, qui s’est penchée sur l’inconscient pour identifier les pulsions refoulées ou les traumatismes. Le surréalisme a représenté un tournant dans le modernisme et la fonction de l’art dans la société en divergeant de l’esthétique traditionnelle au profit de l’auto-analyse. Voici 10 peintures célèbres du mouvement et de leurs artistes.
Dada et l’art du surréalisme précoce
Le surréalisme a été fortement influencé par le mouvement d’avant-garde appelé Dadaïsme. Comme le surréalisme, le dadaïsme encourageait les styles artistiques non traditionnels, l’ironie et l’imagerie erronée. André Breton, le fondateur du surréalisme, a également été un membre clé du mouvement Dada et a créé la méthode automatique de la libre association, qui aura une influence importante sur l’art et la littérature surréalistes.
Célébrités (1921) de Max Ernst
Max Ernst était un artiste, sculpteur et poète allemand qui fut un membre clé du mouvement Dada et du surréalisme. Son travail est connu pour son expérimentation de l’illusion et de l’irrationnel et il est devenu un membre de premier plan dans l’utilisation de l’automatisme. Il a également été le pionnier d’une méthode appelée « frottage », qui consistait à placer du papier sur des surfaces inégales puis à frotter un crayon dessus pour créer la silhouette de la surface.
Celebes représente un bac à maïs soudanais qui a été transformé en un monstre mécanique ressemblant à un éléphant. Comme beaucoup de peintures surréalistes, la pièce se déroule dans un vaste paysage désolé. Au premier plan de la pièce se trouve une figure féminine sans tête. Il y a de nombreux éléments d’iconographie décousue, y compris des poissons volants, des bidons d’huile et un poteau comme si des images de l’intérieur d’un rêve. Ces éléments apparemment aléatoires sont des produits de l’automatisme surréaliste et de la libre association de l’inconscient.
Carnaval d’Arlequin (1924-25) de Joan Miró
Joan Miró était un artiste espagnol et un membre éminent de l’avant-garde du XXe siècle. Son travail était caractérisé par l’utilisation de couleurs vives, des formes géométriques et des changements de perspective. Il a utilisé ces éléments pour créer des pièces abstraites simplistes mais évocatrices. Il y a deux musées dédiés à son travail, l’un à Barcelone intitulé Fundació Joan Miró et l’autre à Majorque appelé Fundació Pilar I Joan Miró.
Le Carnaval de l’Arlequin se concentre sur un arlequin fragmenté lors d’une scène de carnaval. La palette de couleurs présente des couleurs primaires sur un fond gris. Il illustre le symbolisme et la libre association du surréalisme avec des éléments déconnectés qui se réunissent pour former une pièce cohérente. La fenêtre d’arrière-plan a un soleil et une montagne géométriques et abstraits. De nombreuses figures de la peinture sont anthropomorphisées et semblent danser, soulignant le caractère absurde de la scène.
L’art surréaliste et l’Exploration de l’Inconscient
Influencés par la théorie psychanalytique, les surréalistes ont utilisé l’art pour plonger dans l’inconscient. Il s’agissait d’une méthode d’auto-analyse, libérant les attitudes, les désirs ou les traumatismes sous-jacents et les transposant dans l’art avec le symbolisme. L’utilisation de la psychanalyse a donné lieu à des images hautement émotionnelles, viscérales et souvent choquantes.
Le Grand Masturbateur (1929) de Salvador Dalí
Salvador Dalí était un artiste espagnol et l’un des principaux membres du mouvement du surréalisme. Son travail était connu pour ses paysages oniriques et ses images bizarres. Il a été fortement influencé par la psychanalyse freudienne et il a utilisé l’art pour plonger dans l’inconscient à travers le symbolisme. Tout en élargissant sa carrière à d’autres mouvements artistiques, notamment le cubisme, et en utilisant des médiums tels que la sculpture, la gravure et l’écriture, il était principalement connu pour son art visuel surréaliste.
Le Grand Masturbateur représente une grande figure amorphe basée sur une formation rocheuse catalane. Un profil ressemblant à Gala, la femme de Dalí, dépasse du haut de la figure et est entouré d’autres formes corporelles grotesques. De petites figures se dressent sous la grande formation sur le paysage catalan caractéristique de Dalí. Comme beaucoup de peintures surréalistes, sa combinaison d’éléments individuels suggère une association libre, qui représentent tous ensemble la fascination et le dégoût communs de Dalí pour les rapports sexuels.
La Colonne brisée (1944) par Frida Kahlo
Frida Kahlo était une peintre mexicaine et une contributrice de premier plan au mouvement du surréalisme. Elle était principalement connue pour ses autoportraits hautement autobiographiques. Ces portraits ont souvent mis en lumière sa lutte de toute sa vie contre la maladie et le handicap, avec des images profondément personnelles et parfois dérangeantes. Son travail s’inspire également de la culture mexicaine et comprend souvent une iconographie ou des vêtements traditionnels mexicains, des couleurs vives et des fleurs.
La Colonne brisée représente les contraintes du handicap sur la vie de Kahlo. À l’âge de 6 ans, elle a contracté la poliomyélite, ce qui l’a laissée avec une boiterie permanente. Elle a ensuite été impliquée dans un accident de bus, au cours duquel un poteau métallique a empalé son bassin et l’a laissée handicapée pour le reste de sa vie. Elle apparaît une attelle dorsale dans le tableau, qu’elle devait porter après son accident. Sa colonne vertébrale est symbolisée par une colonne grecque antique qui est fragmentée dans son corps pour représenter sa fragilité physique après son accident. Elle est également pénétrée par de nombreux ongles, représentant sa douleur et sa vulnérabilité constantes.
Objet en fourrure (1936) de Meret Oppenheim
Meret Oppenheim était une artiste suisse-allemande et une contributrice importante du mouvement surréaliste. Son travail est centré sur le féminisme et l’assujettissement des femmes dans la société à travers la fragmentation des corps féminins. Elle était étroitement liée à d’autres artistes d’avant-garde, posant pour Man Ray et collaborant avec Pablo Picasso. Elle était également connue pour expérimenter des matériaux non traditionnels dans l’art.
L’objet en fourrure est une sculpture de tasse à thé et de cuillère recouverte de fourrure animale. Il a été inspiré par une conversation entre Oppenheim, Picasso et Dora Maar dans un café à Paris, au cours de laquelle les artistes ont convenu que la fourrure pouvait couvrir n’importe quel objet, peu importe sa banalité. Il illustre le type de sculpture Dada et surréaliste « objet trouvé », qui utilisait et combinait des objets non traditionnels ou ordinaires comme sculptures artistiques. L’objet en fourrure a été réputé pour sa combinaison de domesticité et d’érotisme, restant l’une des œuvres d’art les plus influentes du 20ème siècle.
Hôpital Henry Ford (1932) par Frida Kahlo
L’hôpital Henry Ford dépeint Kahlo allongé dans un lit d’hôpital après une fausse couche. Elle est au centre de la peinture, hémorragique et entourée d’images de fertilité, de santé et d’accouchement. Derrière elle se cachent des images d’industrialisme urbain. Un accident d’autobus pendant sa jeunesse lui avait écrasé le bassin et la colonne vertébrale, l’invalidant à vie et la laissant stérile. La pièce représente donc ses sentiments durables de vulnérabilité, d’impuissance et de douleur causés par son accident et sa lutte contre la féminité et l’infertilité.
Motifs célèbres de l’art surréaliste
L’exploration de l’esprit surréaliste a produit des images abstraites et oniriques avec un sujet et un symbolisme paradoxaux. Pour relier ces scènes absurdes, les surréalistes ont utilisé des motifs répétés comme s’ils faisaient partie d’un rêve récurrent. Ces motifs sont devenus des symboles reconnaissables et même emblématiques de l’art surréaliste.
La Lampe du Philosophe (1936) de René Magritte
René Magritte était un artiste belge et un membre prolifique du mouvement surréaliste. Il a créé de nombreux chefs-d’œuvre surréalistes et est resté un contributeur durable à cette période tout au long de sa carrière. Son art était connu pour ses éléments d’illusionnisme, d’ironie et d’esprit. Il a également introduit plusieurs motifs emblématiques dans le mouvement, le plus célèbre étant une pipe à tabac. Il a été influencé par ses collègues artistes Max Ernst et Giorgio de Chirico.
La Lampe du Philosophe présente l’utilisation par Magritte du motif de la pipe. Il s’agit d’un autoportrait, représentant le profil de Magritte avec une table en arrière-plan. Le nez de Magritte s’étend, presque comme une trompe d’éléphant, dans la pipe comme pour parodier l’intelligence du philosophe. La table derrière lui tient une bougie qui s’étend comme un serpent, un ver ou un cordon d’une lampe électrique. La pièce est pleine d’ironie humoristique et d’éléments irréalistes, illustrant la nature satirique du surréalisme.
La Persistance de la Mémoire (1931) par Salvador Dalí
La Persistance de la mémoire est l’un des chefs-d’œuvre surréalistes les plus connus, introduisant le motif de l’horloge fondante de Dalí dans le modernisme du 20e siècle. La pièce se déroule le long d’une côte catalane avec la mer en arrière-plan. Au centre de la peinture se trouve une forme molle ressemblant à un profil facial, entourée d’horloges fondantes et d’un chronomètre. Il attire l’attention entre les notions de temps et de réalité, faisant allusion à la métamorphose infinie du monde dans lequel nous vivons.
Gradiva (1939) par André Masson
André Masson était un artiste français lié au surréalisme, bien qu’il ne se soit jamais formellement identifié comme faisant partie du mouvement. Son œuvre était connue pour son iconographie gréco-romaine antique et sa représentation d’images grotesques violentes et érotiques. Il a également été un pionnier de l’automatisme et reste l’une de ses influences les plus importantes.
Gradiva représente un personnage du roman » Gradiva » de Wilhelm Jensen publié en 1902, centré sur un jeune archéologue qui éprouve des illusions sur une statue ancienne. Gradiva, objet de l’obsession de l’archéologue, a ensuite été adopté par Freud et les surréalistes comme symbole du désir. La peinture représente une scène du roman à Pompéi, dans laquelle Gradiva se transforme en pierre. Il présente des images métamorphiques, violentes et érotiques et représente un moment d’achèvement sexuel. Bien que Gradiva soit l’exemple le plus célèbre de l’imagerie gréco-romaine en peinture de Masson, il a répété le thème tout au long de son œuvre.
Le Fils de l’Homme (1964) par René Magritte
Le Fils de l’Homme est un autoportrait représentant Magritte devant la mer vêtu d’un costume et d’un chapeau melon. Son visage est obscurci par une pomme verte, mais le spectateur peut voir ses yeux dépasser de son bord. Le thème du visage obscurci se retrouve dans deux autres peintures de Magritte réalisées à la même période, La Grande Guerre (1964) et Le Goût de l’Invisible (1964). C’est l’une des peintures les plus reconnues de Magritte et a été continuellement réitérée dans la culture pop moderne.