Dada und frühe Surrealismuskunst
Der Surrealismus wurde stark von der avantgardistischen Bewegung Dadaismus beeinflusst. Wie der Surrealismus förderte der Dadaismus nichttraditionelle künstlerische Stile, Ironie und fehlerhafte Bilder. André Breton, der Begründer des Surrealismus, war auch ein wichtiges Mitglied der Dada-Bewegung und schuf die automatische Methode der freien Assoziation, die einen wichtigen Einfluss auf die surrealistische Kunst und Literatur haben sollte.
Celebes (1921) von Max Ernst
Max Ernst war ein deutscher Künstler, Bildhauer und Dichter, der sowohl in der Dada- als auch in der Surrealismusbewegung eine Schlüsselrolle spielte. Seine Arbeit ist bekannt für seine Experimente mit Illusion und dem Irrationalen und er wurde ein führendes Mitglied in der Verwendung von Automatismus. Er war auch Pionier einer Methode namens Frottage, Die darin bestand, Papier auf unebene Oberflächen zu legen und dann einen Bleistift darüber zu reiben, um die Silhouette der Oberfläche zu erzeugen. Celebes zeigt einen sudanesischen Maisbehälter, der in ein mechanisches elefantenähnliches Monster verwandelt wurde. Wie viele surrealistische Gemälde spielt das Stück in einer weiten, trostlosen Landschaft. Im Vordergrund des Stückes steht eine kopflose Frauenfigur. Es gibt zahlreiche Elemente unzusammenhängender Ikonographie, darunter fliegende Fische, Öldosen und eine Stange, als wären sie Bilder aus einem Traum. Diese scheinbar zufälligen Elemente sind Produkte des surrealistischen Automatismus und der freien Assoziation des Unbewussten.
Karneval von Harlekin (1924-25) von Joan Miró
Joan Miró war ein spanischer Künstler und ein prominentes Mitglied der Avantgarde des 20. Seine Arbeit zeichnete sich durch helle Farben, geometrische Formen und Perspektivwechsel aus. Er verwendete diese Elemente, um simple, aber eindrucksvolle abstrakte Stücke zu schaffen. Es gibt zwei Museen, die seiner Arbeit gewidmet sind, eines in Barcelona mit dem Titel Fundació Joan Miró und das andere auf Mallorca mit dem Namen Fundació Pilar I Joan Miró.
Der Karneval des Harlekins konzentriert sich auf einen fragmentierten Harlekin in einer Karnevalsszene. Die Farbpalette enthält Primärfarben vor einem grauen Hintergrund. Es veranschaulicht die Symbolik und freie Assoziation des Surrealismus mit getrennten Elementen, die sich zu einem zusammenhängenden Stück zusammenfügen. Das Hintergrundfenster hat eine geometrische, abstrahierte Sonne und einen Berg. Viele der Figuren auf dem Gemälde sind anthropomorphisiert und scheinen zu tanzen, was die unsinnige Natur der Szene hervorhebt.
Surrealismus Kunst und die Erforschung des Unbewussten
Beeinflusst von der psychoanalytischen Theorie nutzten Surrealisten Kunst, um in das Unbewusste einzutauchen. Dies war eine Methode der Selbstanalyse, die zugrunde liegende Einstellungen, Wünsche oder Traumata aufdeckte und mit Symbolik in die Kunst übertrug. Der Einsatz der Psychoanalyse führte zu hochemotionalen, viszeralen und oft schockierenden Bildern.
Der Große Masturbator (1929) von Salvador Dalí
Salvador Dalí war ein spanischer Künstler und ein führendes Mitglied der Surrealismus-Bewegung. Seine Arbeit war bekannt für seine traumhaften Landschaften und bizarren Bilder. Er war stark von der Freudschen Psychoanalyse beeinflusst und nutzte die Kunst, um durch Symbolik in das Unbewusste einzutauchen. Während er seine Karriere auf andere Kunstrichtungen wie den Kubismus ausdehnte und Medien wie Skulptur, Druckgrafik und Schrift verwendete, war er vor allem für seine surrealistische bildende Kunst bekannt.
Der Große Masturbator zeigt eine große, amorphe Figur, die auf einer katalanischen Felsformation basiert. Ein Profil, das Dalís Frau Gala ähnelt, ragt aus der Oberseite der Figur heraus und ist von anderen grotesken Körperformen umgeben. Kleine Figuren stehen unter der großen Formation auf Dalís charakteristischer katalanischer Landschaft. Wie viele surrealistische Gemälde suggeriert die Kombination einzelner Elemente eine freie Assoziation, die alle zusammen Dalís gemeinsame Faszination und Ekel gegenüber dem Geschlechtsverkehr darstellen.
Die zerbrochene Säule (1944) von Frida Kahlo
Frida Kahlo war eine mexikanische Malerin und ein prominenter Beitrag zur Surrealismus-Bewegung. Sie war vor allem für ihre autobiografischen Selbstporträts bekannt. Diese Porträts zeigten oft ihren lebenslangen Kampf mit Krankheit und Behinderung, mit zutiefst persönlichen und manchmal beunruhigenden Bildern. Ihre Arbeit wurde auch maßgeblich von der mexikanischen Kultur inspiriert und beinhaltete oft traditionelle mexikanische Ikonographie oder Kleidung, leuchtende Farben und Blumen.
Die unterbrochene Spalte stellt die Einschränkungen der Behinderung für Kahlos Leben dar. Im Alter von 6 Jahren erkrankte sie an Polio, was sie dauerhaft hinkte. Sie war später in einen Busunfall verwickelt, bei dem eine Metallstange ihr Becken aufspießte und sie für den Rest ihres Lebens behindert ließ. Sie dämmert eine Rückenstütze in der Malerei, die sie nach ihrem Unfall tragen musste. Ihre Wirbelsäule wird durch eine antike griechische Säule symbolisiert, die in ihrem Körper fragmentiert ist, um ihre körperliche Zerbrechlichkeit nach ihrem Unfall darzustellen. Sie wird auch von vielen Nägeln durchdrungen, was ihren ständigen Schmerz und ihre Verletzlichkeit darstellt.
Objekt im Pelz (1936) von Meret Oppenheim
Meret Oppenheim war eine schweizerisch-deutsche Künstlerin und eine herausragende Mitarbeiterin der Surrealismus-Bewegung. Ihre Arbeit drehte sich um Feminismus und die Unterwerfung von Frauen in der Gesellschaft durch die Fragmentierung weiblicher Körper. Sie war eng mit anderen Avantgarde-Künstlern verbunden, posierte für Man Ray und arbeitete mit Pablo Picasso zusammen. Sie war auch dafür bekannt, mit nicht traditionellen Materialien in der Kunst zu experimentieren.
Object in Fur ist eine Teetassen- und Löffelskulptur, die mit Tierfell bedeckt ist. Es wurde inspiriert von einem Gespräch zwischen Oppenheim, Picasso und Dora Maar in einem Café in Paris, in dem sich die Künstler einig waren, dass Pelz jedes Objekt bedecken könne, unabhängig von seiner Weltlichkeit. Es veranschaulicht den dadaistischen und surrealistischen Skulpturentyp ‚Found Object‘, der nichttraditionelle oder gewöhnliche Objekte als künstlerische Skulpturen verwendete und kombinierte. Object in Fur ist bekannt für seine Kombination aus Häuslichkeit und Erotik und bleibt eines der einflussreichsten Kunstwerke des 20.
Henry Ford Krankenhaus (1932) von Frida Kahlo
Henry Ford Hospital porträtiert Kahlo, die nach einer Fehlgeburt in einem Krankenhausbett liegt. Sie steht im Mittelpunkt des Gemäldes, blutend und umgeben von Bildern von Fruchtbarkeit, Gesundheit und Geburt. Hinter ihr stehen Bilder des urbanen Industrialismus. Ein Busunfall in ihrer Jugend hatte ihr Becken und ihre Wirbelsäule zerquetscht, sie lebenslang behindert und unfruchtbar gemacht. Das Stück repräsentiert daher ihre anhaltenden Gefühle der Verletzlichkeit, Hilflosigkeit und des Schmerzes, die durch ihren Unfall und ihren Kampf mit Weiblichkeit und Unfruchtbarkeit verursacht wurden.
Berühmte Motive der surrealistischen Kunst
Die Erforschung des surrealistischen Geistes führte zu abstrakten Traumlandschaftsbildern mit paradoxer Thematik und Symbolik. Um diese unsinnigen Szenen zu verbinden, verwendeten Surrealisten wiederholte Motive wie einen Teil eines wiederkehrenden Traums. Diese Motive wurden zu erkennbaren und sogar ikonischen Symbolen der surrealistischen Kunst.
Die Lampe der Philosophen (1936) von René Magritte
René Magritte war ein belgischer Künstler und ein produktives Mitglied der Surrealismus-Bewegung. Er hat zahlreiche surrealistische Meisterwerke geschaffen und während seiner gesamten Karriere einen dauerhaften Beitrag zu dieser Zeit geleistet. Seine Kunst war bekannt für seine Elemente Illusionismus, Ironie und Witz. Er führte auch mehrere ikonische Motive in die Bewegung ein, von denen das berühmteste eine Tabakpfeife war. Er wurde von seinen Künstlerkollegen Max Ernst und Giorgio de Chirico beeinflusst.
Die Lampe des Philosophen zeigt Magrittes Verwendung des Pfeifenmotivs. Es ist ein Selbstporträt, das Magrittes Profil mit einem Tisch im Hintergrund darstellt. Magrittes Nase ragt fast wie ein Elefantenrüssel in die Pfeife, als wolle sie die Intelligenz des Philosophen parodieren. Der Tisch hinter ihm hält eine Kerze, die sich wie eine Schlange, ein Wurm oder eine Schnur einer elektrischen Lampe erstreckt. Das Stück ist voller humorvoller Ironie und unrealistischer Elemente und veranschaulicht die satirische Natur des Surrealismus.
Die Beständigkeit der Erinnerung (1931) von Salvador Dalí
Die Beständigkeit der Erinnerung ist eines der bekanntesten surrealistischen Meisterwerke, das Dalís schmelzendes Uhrmotiv in die Moderne des 20. Das Stück spielt an einer katalanischen Küste mit dem Meer im Hintergrund. Im Mittelpunkt des Gemäldes steht eine schlaffe Form, die einem Gesichtsprofil ähnelt, umgeben von schmelzenden Uhren und einer Stoppuhr. Es lenkt die Aufmerksamkeit zwischen Vorstellungen von Zeit und Realität und spielt auf die unendliche Metamorphose der Welt an, in der wir leben.
Gradiva (1939) von André Masson
André Masson war ein französischer Künstler, der mit dem Surrealismus verbunden war, obwohl er sich nie offiziell als Teil der Bewegung identifizierte. Sein Werk war bekannt für seine altgriechisch-römische Ikonographie und seine Darstellung grotesk gewalttätiger und erotischer Bilder. Er war auch ein Pionier des Automatismus und bleibt einer seiner wichtigsten Einflüsse.Gradiva repräsentiert eine Figur aus Wilhelm Jensens Roman ‚Gradiva‘ von 1902, der sich um einen jungen Archäologen dreht, der Wahnvorstellungen einer alten Statue erlebt. Gradiva, das Objekt der Obsession des Archäologen, wurde später von Freud und den Surrealisten als Symbol des Begehrens angenommen. Das Gemälde zeigt eine Szene aus dem Roman in Pompeji, in der Gradiva zu Stein wird. Es zeigt metamorphe, gewalttätige und erotische Bilder und stellt einen Moment der sexuellen Vollendung dar. Obwohl Gradiva Massons berühmtestes Beispiel für griechisch-römische Bilder in der Malerei ist, wiederholte er das Thema in seinem gesamten Werk.
Der Menschensohn (1964) von René Magritte
Der Menschensohn ist ein Selbstporträt, das Magritte in Anzug und Melone vor dem Meer zeigt. Sein Gesicht wird von einem grünen Apfel verdeckt, aber der Betrachter kann sehen, wie seine Augen über den Rand ragen. Das Thema des verdeckten Gesichts kommt in zwei von Magrittes anderen Gemälden vor, die im selben Zeitraum entstanden sind, Der Große Krieg (1964) und Der Geschmack des Unsichtbaren (1964). Es ist eines von Magrittes bekanntesten Gemälden und wurde in der modernen Popkultur kontinuierlich wiederholt.