o Surrealismo foi uma vanguarda artística e literária, movimento que surgiu no início do século 20. Focava-se na expressão emocional profunda através da criação artística e da livre associação. Ele se baseou fortemente na psicanálise, que mergulhou na mente inconsciente para identificar impulsos reprimidos ou traumas. O surrealismo representava um ponto de viragem no modernismo e na função da arte na sociedade, uma vez que divergia da estética tradicional em favor da auto-análise. Abaixo estão 10 pinturas famosas do movimento e seus artistas.
Dada and Early Surrealism Art
Surrealism was strongly influenced by the avant-garde movement called Dadaism. Tal como o surrealismo, o Dadaism encorajou estilos artísticos não tradicionais, ironia e imagens errôneas. André Breton, o fundador do Surrealismo, também foi um membro chave do movimento Dada e criou o método automático de livre associação, que seria uma importante influência na arte surrealista e na literatura.
Celebes (1921) por Max Ernst
Max Ernst foi um artista alemão, escultor e poeta, que era um membro-chave, tanto o Dadaísmo e o Surrealismo movimentos. Seu trabalho é conhecido por sua experimentação com a ilusão e o irracional e ele se tornou um membro líder no uso do automatismo. Ele também foi pioneiro em um método chamado “frottage”, que consistia em colocar papel em superfícies irregulares, então esfregando um lápis sobre ele para criar a silhueta da superfície. Celebes retrata um BIN de milho Sudanês que foi transformado em um monstro mecânico parecido com um elefante. Como muitas pinturas surrealistas, a peça é colocada em uma vasta e desolada paisagem. Na vanguarda da peça está uma figura feminina sem cabeça. Há inúmeros elementos de iconografia desarticulada, incluindo peixes voadores, latas de óleo e um poste como se imagens de dentro de um sonho. Estes elementos aparentemente aleatórios são produtos do automatismo surrealista e da livre associação da mente inconsciente.
o Carnaval de Arlequim (1924-25) por Joan Miró
Joan Miró foi um artista espanhol e um membro proeminente do século 20 avant-garde. Seu trabalho foi caracterizado pelo uso de cores brilhantes, formas geométricas e mudanças de perspectiva. He used these elements to create simplistic yet evocative abstract pieces. Há dois museus dedicados ao seu trabalho, um em Barcelona intitulado Fundació Joan Miró e o outro em Maiorca chamado Fundació Pilar i Joan Miró.
O Carnaval de Arlequim se concentra em um Arlequim fragmentado em uma cena de carnaval. A paleta de cores apresenta cores primárias contra um fundo cinzento. Exemplifica o simbolismo e a livre associação do surrealismo com elementos desconectados que se juntam para formar uma peça coesa. A janela de fundo tem um sol geométrico, abstrato e Montanha. Muitas das figuras da pintura são antropomorfizadas e parecem estar dançando, destacando a natureza absurda da cena.
Surrealismo Arte e a exploração do inconsciente
influenciado pela teoria psicanalítica, surrealistas usaram a arte para mergulhar na mente inconsciente. Este foi um método de auto-análise, desbloqueando atitudes subjacentes, desejos ou traumas e transpondo-os para a arte com simbolismo. O uso da psicanálise resultou em imagens altamente emocionais, viscerais e muitas vezes chocantes.
O Grande Masturbador (1929) por Salvador Dalí
Salvador Dalí foi um artista espanhol e um dos principais membros do Surrealismo, movimento. Seu trabalho era conhecido por suas paisagens de sonho e imagens bizarras. Ele foi altamente influenciado pela psicanálise freudiana e usou a arte para mergulhar na mente inconsciente através do simbolismo. Enquanto expandiu sua carreira em outros movimentos artísticos, incluindo Cubismo e usou médiuns como escultura, impressão e escrita, ele era principalmente conhecido por sua arte visual surrealista.
O Grande Masturbador retrata uma grande figura amorfa baseada numa formação rochosa Catalónica. Um perfil semelhante à esposa de Dalí, Gala protrudes do topo da figura e é cercado por outras formas corpóreas grotescas. Pequenas figuras estão abaixo da grande formação na assinatura da paisagem catalã de Dalí. Como muitas pinturas surrealistas, a combinação de elementos individuais sugere associação livre, que todos juntos representam o fascínio conjunto de Dalí e o desgosto com relação sexual.
A Coluna Quebrada (1944) por Frida Kahlo
Frida Kahlo foi um pintor Mexicano e um contribuinte importante para o Surrealismo, movimento. Ela era conhecida principalmente por seus auto-retratos altamente autobiográficos. Estes retratos muitas vezes destacaram sua luta ao longo da vida com a doença e deficiência, apresentando imagens profundamente pessoais e às vezes perturbadoras. Seu trabalho também atraiu inspiração significativa da cultura mexicana e muitas vezes incluiu iconografia tradicional mexicana ou roupas, cores brilhantes e flores.
A coluna quebrada representa as limitações da deficiência na vida da Kahlo. Aos 6 anos, contraiu poliomielite, o que a deixou coxo permanente. Mais tarde, ela foi envolvida em um acidente de ônibus, durante o qual um poste de metal empalou sua pélvis e deixou-a incapacitada para o resto de sua vida. Ela desperta um aparelho nas costas do quadro, que ela foi obrigada a usar depois de seu acidente. Sua coluna é simbolizada por uma antiga coluna grega que está fragmentada dentro de seu corpo para representar sua fragilidade física após seu acidente. Ela também é penetrada por muitos pregos, representando sua constante dor e vulnerabilidade.
Objeto na Pele (1936) por Meret Oppenheim
Meret Oppenheim foi um Suíço-alemão artista e um contribuinte importante para o Surrealismo, movimento. O seu trabalho centrou-se no feminismo e na subjugação das mulheres na sociedade através da fragmentação dos corpos femininos. Ela estava intimamente ligada com outros artistas de vanguarda, posando para Man Ray e colaborando com Pablo Picasso. Ela também era conhecida por experimentar materiais não tradicionais na arte.o objeto em pele é uma escultura de xícara de chá e colher coberta de peles de animais. Foi inspirado por uma conversa entre Oppenheim, Picasso e Dora Maar em um café em Paris, durante a qual os artistas concordaram que a pele poderia cobrir qualquer objeto, não importa a sua mundanidade. Exemplifica o tipo de escultura “objecto encontrado” Dada e surrealista, que utilizava e combinava objectos não tradicionais ou comuns como esculturas artísticas. Object in Fur tem sido famosa por sua combinação de domesticidade e erotismo, permanecendo uma das obras de arte mais influentes do século XX.
Henry Ford Hospital (1932) por Frida Kahlo
Henry Ford Hospital retrata Kahlo deitado em uma cama de hospital depois de sofrer um aborto espontâneo. Ela é central para a pintura, hemorragia e cercada por imagens de fertilidade, saúde e parto. Por trás dela estão imagens do industrialismo urbano. Um acidente de autocarro durante a sua juventude esmagou-lhe a pélvis e a coluna vertebral, incapacitando-a para toda a vida e deixando-a estéril. A peça, portanto, representa seus sentimentos duradouros de vulnerabilidade, desamparo e dor que foram causados por seu acidente e sua luta com a feminilidade e infertilidade.
motivos famosos do Surrealismo Arte
a exploração da mente surrealista rendeu imagens abstratas, dreamscape com assuntos paradoxais e simbolismo. Para conectar essas cenas sem sentido, surrealistas usaram motivos repetidos como se uma parte de um sonho recorrente. Estes motivos tornaram-se símbolos reconhecíveis e até icónicos da arte surrealista.
O Filósofo da Lâmpada (1936) de René Magritte
René Magritte foi um artista Belga e um prolífico membro do Surrealismo, movimento. Ele criou inúmeras obras-primas surrealistas e permaneceu um contribuinte duradouro para o período ao longo de sua carreira. Sua arte era conhecida por seus elementos de ilusionismo, ironia e sagacidade. Ele também introduziu vários motivos icônicos no movimento, sendo o mais famoso um cachimbo de tabaco. Foi influenciado por Max Ernst e Giorgio De Chirico.
A lâmpada do filósofo apresenta o uso de Magritte do motivo do tubo. É um auto-retrato, representando o perfil de Magritte com uma tabela ao fundo. O nariz de Magritte se estende, quase como um tronco de elefante, para o tubo como se parodiasse a inteligência do filósofo. A mesa atrás dele segura uma vela estendendo-se como uma cobra, um verme ou um cordão de uma lâmpada elétrica. A peça está cheia de ironia humorística e elementos irrealistas, exemplificando a natureza satírica do Surrealismo.
A Persistência da Memória (1931) de Salvador Dalí
A Persistência da Memória é uma das mais conhecidas obras surrealistas, a introdução de Dalí de fusão do relógio motivo para o século 20, o modernismo. A peça está situada ao longo de uma costa catalã, com o mar ao fundo. Central para a pintura é uma forma manca que se assemelha a um perfil facial, rodeado por Relógios de fusão e um cronómetro. Chama a atenção entre noções de tempo e realidade, aludindo à metamorfose infinita do mundo em que vivemos.
Gradiva (1939) de André Masson
André Masson foi um artista francês que estava ligado com o Surrealismo, embora ele nunca tenha sido formalmente identificado como parte do movimento. Seu trabalho era conhecido por sua antiga iconografia Greco-Romana e sua representação de imagens grotescamente violentas e eróticas. Ele também foi um pioneiro do automatismo e continua sendo uma de suas influências mais importantes.Gradiva representa um personagem do romance de Wilhelm Jensen, “Gradiva”, de 1902, centrado em torno de um jovem arqueólogo que experimenta delírios de uma estátua antiga. Gradiva, o objeto da obsessão do arqueólogo, foi posteriormente adotado por Freud e os surrealistas como um símbolo de desejo. A pintura retrata uma cena do romance em Pompeia, na qual Gradiva se transforma em pedra. Apresenta imagens metamórficas, violentas e eróticas e representa um momento de conclusão sexual. Embora Gradiva seja o exemplo mais famoso de Masson de imagens Greco-romanas na pintura, ele repetiu o tema ao longo de sua obra.
O Filho do Homem (1964) por René Magritte
O Filho do Homem é um auto-retrato, retratando Magritte em frente ao mar, vestindo um terno e um chapéu de coco. Seu rosto é obscurecido por uma maçã verde, mas o espectador pode ver seus olhos salientes sobre sua borda. O tema do rosto obscuro ocorre em duas outras pinturas de Magritte feitas durante o mesmo período, A Grande Guerra (1964) e o gosto do invisível (1964). É uma das pinturas mais reconhecidas de Magritte e tem sido continuamente reiterada na cultura pop moderna.