il Surrealismo è un’avanguardia artistica e letteraria di un movimento che è emerso nei primi anni del 20 ° secolo. Si è concentrato sulla profonda espressione emotiva attraverso la creazione artistica e la libera associazione. Ha attinto pesantemente alla psicoanalisi, che ha approfondito la mente inconscia per identificare impulsi o traumi repressi. Il surrealismo rappresentava un punto di svolta nel modernismo e nella funzione dell’arte nella società in quanto divergeva dall’estetica tradizionale a favore dell’autoanalisi. Di seguito sono riportati 10 famosi dipinti del movimento e dei loro artisti.
Dada e l’arte del surrealismo precoce
Il surrealismo è stato fortemente influenzato dal movimento d’avanguardia chiamato Dadaismo. Come il surrealismo, il dadaismo incoraggiava stili artistici non tradizionali, ironia e immagini errate. André Breton, il fondatore del surrealismo, è stato anche un membro chiave del movimento Dada e ha creato il metodo automatico di libera associazione, che sarebbe un un’influenza importante sull’arte surrealista e letteratura.
Celebes (1921) di Max Ernst
Max Ernst è stato un artista tedesco, scultore e poeta, che era un membro chiave sia il Dada e il Surrealismo movimenti. Il suo lavoro è noto per la sua sperimentazione con l’illusione e l’irrazionale e divenne un membro leader nell’uso dell’automatismo. Ha anche sperimentato un metodo chiamato ‘frottage,’ che consisteva di mettere la carta su superfici irregolari poi strofinando una matita su di esso per creare la silhouette della superficie.
Celebes raffigura un bidone di mais sudanese che è stato trasformato in un mostro meccanico simile ad un elefante. Come molti dipinti surrealisti, l’opera è ambientata in un vasto paesaggio desolato. In prima linea del pezzo c’è una figura femminile senza testa. Ci sono numerosi elementi di iconografia disgiunta tra cui pesci volanti, lattine di olio, e un palo come se le immagini da dentro un sogno. Questi elementi apparentemente casuali sono prodotti dell’automatismo surrealista e della libera associazione della mente inconscia.
il Carnevale di Arlecchino (1924-25) di Joan Miró
Joan Miró è un artista spagnolo e un membro di spicco del 20 ° secolo, avant-garde. Il suo lavoro è stato caratterizzato da un uso brillante dei colori, forme geometriche e cambiamenti prospettici. Ha usato questi elementi per creare pezzi astratti semplicistici ma evocativi. Ci sono due musei dedicati al suo lavoro, uno a Barcellona intitolato Fundació Joan Miró e l’altro a Maiorca chiamato Fundació Pilar I Joan Miró.
Il Carnevale di Arlecchino si concentra su un arlecchino frammentato in una scena di carnevale. La tavolozza dei colori presenta colori primari su uno sfondo grigio. Esemplifica il simbolismo e la libera associazione del Surrealismo con elementi disconnessi che si uniscono per formare un pezzo coeso. La finestra di sfondo ha un sole geometrico e astratto e una montagna. Molte delle figure nel dipinto sono antropomorfizzate e sembrano danzare, evidenziando la natura senza senso della scena.
Arte surrealista e esplorazione dell’inconscio
Influenzato dalla teoria psicoanalitica, i surrealisti usarono l’arte per approfondire la mente inconscia. Questo era un metodo di autoanalisi, che sbloccava atteggiamenti, desideri o traumi sottostanti e li trasponeva nell’arte con il simbolismo. L’uso della psicoanalisi ha portato a immagini altamente emotive, viscerali e spesso scioccanti.
Il Grande Masturbatore (1929) di Salvador Dalí
Salvador Dalí è un artista spagnolo e membro di spicco del Surrealismo, movimento. Il suo lavoro era noto per i suoi paesaggi onirici e immagini bizzarre. È stato fortemente influenzato dalla psicoanalisi freudiana e ha usato l’arte per approfondire la mente inconscia attraverso il simbolismo. Mentre espanse la sua carriera in altri movimenti artistici, tra cui il cubismo e mezzi utilizzati come scultura, incisione e scrittura, era principalmente conosciuto per la sua arte visiva surrealista.
Il Grande Masturbatore raffigura una grande figura amorfa basata su una formazione rocciosa catalana. Un profilo simile alla moglie di Dalí Gala sporge dalla parte superiore della figura ed è circondato da altre forme corporee grottesche. Piccole figure si ergono sotto la grande formazione sul caratteristico paesaggio catalano di Dalí. Come molti dipinti surrealisti, la combinazione di elementi individuali suggerisce la libera associazione, che tutti insieme rappresentano il fascino e il disgusto comune di Dalí nei confronti dei rapporti sessuali.
La Colonna Rotta (1944) di Frida Kahlo
Frida Kahlo è stata una pittrice Messicana e un importante collaboratore del Surrealismo, movimento. Era conosciuta principalmente per i suoi autoritratti altamente autobiografici. Questi ritratti spesso evidenziavano la sua lotta per tutta la vita con la malattia e la disabilità, con immagini profondamente personali e talvolta inquietanti. Il suo lavoro ha anche tratto ispirazione significativa dalla cultura messicana e spesso comprendeva iconografia tradizionale messicana o abbigliamento, colori vivaci e fiori.
La Colonna rotta rappresenta i vincoli della disabilità sulla vita di Kahlo. All’età di 6 anni, contrasse la poliomielite, che la lasciò con una zoppia permanente. In seguito fu coinvolta in un incidente d’autobus, durante il quale un palo di metallo impalò il bacino e la lasciò disabile per il resto della sua vita. Lei albeggia un tutore posteriore nel dipinto, che è stato richiesto di indossare dopo il suo incidente. La sua spina dorsale è simboleggiata da un’antica colonna greca che è frammentata all’interno del suo corpo per rappresentare la sua fragilità fisica dopo il suo incidente. È anche penetrata da molte unghie, rappresentando il suo costante dolore e vulnerabilità.
Oggetto in Pelliccia (1936) di Meret Oppenheim
Meret Oppenheim è stato Svizzero-tedesca artista e un importante collaboratore del Surrealismo, movimento. Il suo lavoro è incentrato sul femminismo e sulla sottomissione delle donne nella società attraverso la frammentazione dei corpi femminili. È stata strettamente legata ad altri artisti d’avanguardia, posando per Man Ray e collaborando con Pablo Picasso. Era anche nota per aver sperimentato materiali non tradizionali nell’arte.
Object in Fur è una scultura di tazza da tè e cucchiaio ricoperta di pelliccia animale. È stato ispirato da una conversazione tra Oppenheim, Picasso e Dora Maar in un caffè di Parigi, durante la quale gli artisti hanno convenuto che la pelliccia potrebbe coprire qualsiasi oggetto, non importa la sua mondanità. Esemplifica il tipo di scultura Dada e surrealista “oggetto trovato”, che usava e combinava oggetti non tradizionali o ordinari come sculture artistiche. Oggetto in pelliccia è stato rinomato per la sua combinazione di domesticità ed erotismo, rimanendo una delle opere d’arte più influenti del 20 ° secolo.
Henry Ford Hospital (1932) di Frida Kahlo
Henry Ford Hospital ritrae Kahlo posa in un letto di ospedale dopo aver subito un aborto spontaneo. Lei è centrale per la pittura, emorragia e circondato da immagini di fertilità, la salute e il parto. Dietro di lei ci sono immagini dell’industrialismo urbano. Un incidente d’autobus durante la sua giovinezza le aveva schiacciato il bacino e la colonna vertebrale, invalidandola a vita e lasciandola sterile. Il pezzo, quindi, rappresenta i suoi sentimenti duraturi di vulnerabilità, impotenza e dolore causati dal suo incidente e dalla sua lotta con la femminilità e l’infertilità.
Motivi famosi dell’arte surrealista
L’esplorazione della mente surrealista ha prodotto immagini astratte e oniriche con soggetto paradossale e simbolismo. Per collegare queste scene senza senso, i surrealisti hanno usato motivi ripetuti come se fossero parte di un sogno ricorrente. Questi motivi sono diventati simboli riconoscibili e persino iconici dell’arte surrealista.
Il Filosofo della Lampada (1936) di René Magritte
René Magritte è un artista Belga e un prolifico membro del Surrealismo, movimento. Ha creato numerosi capolavori surrealisti ed è rimasto un collaboratore duraturo per il periodo durante la sua carriera. La sua arte era nota per i suoi elementi di illusionismo, ironia e arguzia. Ha anche introdotto diversi motivi iconici nel movimento, il più famoso è un tubo di tabacco. Fu influenzato dai colleghi artisti Max Ernst e Giorgio de Chirico.
La Lampada del Filosofo presenta l’uso del motivo del tubo da parte di Magritte. Si tratta di un autoritratto, raffigurante il profilo di Magritte con un tavolo sullo sfondo. Il naso di Magritte si estende, quasi come un tronco di elefante, nella pipa come per parodiare l’intelligenza del filosofo. Il tavolo dietro di lui tiene una candela che si estende come un serpente, un verme o un cavo di una lampada elettrica. Il pezzo è pieno di ironia umoristica ed elementi irrealistici, esemplificando la natura satirica del surrealismo.
La Persistenza della Memoria (1931) di Salvador Dalí
La Persistenza della Memoria è uno dei più noti capolavori surrealisti, l’introduzione di Dalí melting clock motivo nel 20 ° secolo, il modernismo. Il pezzo è ambientato lungo una costa catalana con il mare sullo sfondo. Centrale al dipinto è una forma molle simile a un profilo facciale, circondato da fusione orologi e un cronometro. Richiama l’attenzione tra nozioni di tempo e realtà, alludendo all’infinita metamorfosi del mondo in cui viviamo.
Gradiva (1939) di André Masson
André Masson è un artista francese che è stato collegato con il Surrealismo, anche se non ha mai formalmente identificato come parte del movimento. Il suo lavoro era noto per la sua antica iconografia greco-romana e la sua rappresentazione di immagini grottescamente violente ed erotiche. Fu anche un pioniere dell’automatismo e rimane una delle sue influenze più importanti.
Gradiva rappresenta un personaggio del romanzo “Gradiva” di Wilhelm Jensen del 1902, incentrato su un giovane archeologo che sperimenta le delusioni di un’antica statua. Gradiva, oggetto dell’ossessione dell’archeologo, fu successivamente adottato da Freud e dai surrealisti come simbolo del desiderio. Il dipinto raffigura una scena del romanzo a Pompei, in cui Gradiva si trasforma in pietra. È caratterizzato da immagini metamorfiche, violente ed erotiche e rappresenta un momento di completamento sessuale. Anche se Gradiva è il più famoso esempio di Masson di immagini greco-romane in pittura, ha ripetuto il tema in tutta la sua opera.
Il Figlio dell’Uomo (1964) di René Magritte
Il Figlio dell’Uomo è un auto-ritratto raffigurante Magritte, davanti al mare, con indosso una tuta e una bombetta. Il suo volto è oscurato da una mela verde, ma lo spettatore può vedere i suoi occhi sporgenti sul suo bordo. Il tema del volto oscurato ricorre in due altri dipinti di Magritte realizzati nello stesso periodo, La Grande Guerra (1964) e Il gusto dell’invisibile (1964). È uno dei dipinti più riconosciuti di Magritte ed è stato continuamente ribadito nella cultura pop moderna.