El surrealismo fue un movimiento artístico y literario de vanguardia que surgió a principios del siglo XX. Se centró en la expresión emocional profunda a través de la creación artística y la libre asociación. Se basó en gran medida en el psicoanálisis, que profundizó en la mente inconsciente para identificar impulsos o traumas reprimidos. El surrealismo representó un punto de inflexión en el modernismo y la función del arte en la sociedad, ya que se apartó de la estética tradicional en favor del autoanálisis. A continuación se muestran 10 pinturas famosas del movimiento y sus artistas.
Dadá y el Arte del Surrealismo temprano
El surrealismo fue fuertemente influenciado por el movimiento de vanguardia llamado Dadaísmo. Al igual que el surrealismo, el dadaísmo fomentó estilos artísticos no tradicionales, ironía e imágenes erróneas. André Breton, el fundador del surrealismo, también fue un miembro clave del movimiento Dadá y creó el método automático de libre asociación, que sería una influencia importante en el arte y la literatura surrealistas.
Celebes (1921) de Max Ernst
Max Ernst fue un artista, escultor y poeta alemán que fue un miembro clave en los movimientos Dadá y surrealismo. Su trabajo es conocido por su experimentación con la ilusión y lo irracional y se convirtió en un miembro líder en el uso del Automatismo. También fue pionero en un método llamado ‘frottage’, que consistía en colocar papel en superficies irregulares y luego frotar un lápiz sobre él para crear la silueta de la superficie.
Celebes representa un contenedor de maíz sudanés que se ha transformado en un monstruo mecánico parecido a un elefante. Al igual que muchas pinturas surrealistas, la pieza está ambientada en un vasto y desolado paisaje. Al frente de la pieza hay una figura femenina sin cabeza. Hay numerosos elementos de iconografía inconexa que incluyen peces voladores, latas de aceite y un poste como si fueran imágenes de un sueño. Estos elementos aparentemente aleatorios son productos del automatismo surrealista y de la libre asociación de la mente inconsciente.
Carnaval de Arlequín (1924-25) de Joan Miró
Joan Miró fue un artista español y un miembro prominente del siglo 20 avant-garde. Su trabajo se caracterizó por el uso de colores brillantes, formas geométricas y cambios de perspectiva. Utilizó estos elementos para crear piezas abstractas simplistas pero evocadoras. Hay dos museos dedicados a su obra, uno en Barcelona titulado Fundació Joan Miró y el otro en Mallorca llamado Fundació Pilar I Joan Miró.
El Carnaval de Arlequín se centra en un arlequín fragmentado en una escena de carnaval. La paleta de colores presenta colores primarios sobre un fondo gris. Ejemplifica el simbolismo y la libre asociación del surrealismo con elementos desconectados que se unen para formar una pieza cohesiva. La ventana de fondo tiene un sol y una montaña geométricos y abstractos. Muchas de las figuras de la pintura son antropomorfizadas y parecen estar bailando, resaltando la naturaleza absurda de la escena.
El arte surrealista y la Exploración del Inconsciente
Influenciados por la teoría psicoanalítica, los surrealistas utilizaron el arte para ahondar en la mente inconsciente. Este fue un método de autoanálisis, desbloqueando actitudes, deseos o traumas subyacentes y transponiéndolos al arte con simbolismo. El uso del psicoanálisis resultó en imágenes altamente emocionales, viscerales y a menudo impactantes.
El Gran Masturbador (1929) de Salvador Dalí
Salvador Dalí fue un artista español y uno de los principales miembros del Surrealismo movimiento. Su trabajo era conocido por sus paisajes oníricos y sus imágenes extrañas. Fue muy influenciado por el psicoanálisis freudiano y utilizó el arte para ahondar en la mente inconsciente a través del simbolismo. Si bien expandió su carrera a otros movimientos artísticos, incluido el cubismo, y utilizó medios como la escultura, el grabado y la escritura, fue conocido principalmente por su arte visual surrealista.
El Gran Masturbador representa una gran figura amorfa basada en una formación rocosa catalana. Un perfil que se asemeja a la esposa de Dalí, Gala, sobresale de la parte superior de la figura y está rodeado de otras formas corporales grotescas. Pequeñas figuras se encuentran debajo de la gran formación del paisaje catalán característico de Dalí. Al igual que muchas pinturas surrealistas, su combinación de elementos individuales sugiere una asociación libre, que en conjunto representan la fascinación conjunta y el disgusto de Dalí hacia las relaciones sexuales.
La Columna Rota (1944), de Frida Kahlo
Frida Kahlo fue una pintora Mexicana y un destacado colaborador del Surrealismo movimiento. Era conocida principalmente por sus autorretratos altamente autobiográficos. Estos retratos a menudo resaltaban su lucha de toda la vida con la enfermedad y la discapacidad, con imágenes profundamente personales y a veces perturbadoras. Su trabajo también se inspiró significativamente en la cultura mexicana y a menudo incluía iconografía o ropa tradicional mexicana, colores brillantes y flores.
La Columna Rota representa las limitaciones de la discapacidad en la vida de Kahlo. A los 6 años, contrajo polio, lo que la dejó con una cojera permanente. Más tarde se vio involucrada en un accidente de autobús, durante el cual un poste de metal le empaló la pelvis y la dejó discapacitada por el resto de su vida. Aparece un corsé para la espalda en la pintura, que se le obligó a usar después de su accidente. Su columna vertebral está simbolizada por una antigua columna griega que está fragmentada dentro de su cuerpo para representar su fragilidad física después de su accidente. También es penetrada por muchas uñas, lo que representa su constante dolor y vulnerabilidad.
Objeto en la Piel (1936) por Meret Oppenheim
Meret Oppenheim fue un artista Suizo-alemán y un destacado colaborador del Surrealismo movimiento. Su trabajo se centró en el feminismo y la subyugación de las mujeres en la sociedad a través de la fragmentación de los cuerpos femeninos. Estuvo estrechamente vinculada con otros artistas de vanguardia, posando para Man Ray y colaborando con Pablo Picasso. También era conocida por experimentar con materiales no tradicionales en el arte.
Objeto en piel es una escultura de taza de té y cuchara cubierta de piel de animal. Se inspiró en una conversación entre Oppenheim, Picasso y Dora Maar en un café de París, durante la cual los artistas acordaron que la piel podía cubrir cualquier objeto, sin importar su mundanidad. Ejemplifica el tipo de escultura Dadá y surrealista de «objeto encontrado», que utiliza y combina objetos no tradicionales u ordinarios como esculturas artísticas. Object in Fur ha sido reconocida por su combinación de domesticidad y erotismo, siendo una de las obras de arte más influyentes del siglo XX.
Hospital Henry Ford (1932) de Frida Kahlo
El Hospital Henry Ford retrata a Kahlo acostado en una cama de hospital después de sufrir un aborto espontáneo. Ella es el centro de la pintura, sangrando y rodeada de imágenes de fertilidad, salud y parto. Detrás de ella hay imágenes del industrialismo urbano. Un accidente de autobús durante su juventud le había aplastado la pelvis y la columna vertebral, incapacitándola de por vida y dejándola infértil. La pieza, por lo tanto, representa sus sentimientos duraderos de vulnerabilidad, impotencia y dolor que fueron causados por su accidente y su lucha con la feminidad y la infertilidad.
Motivos famosos del Arte Surrealista
La exploración de la mente surrealista produjo imágenes abstractas de paisajes oníricos con temas paradójicos y simbolismo. Para conectar estas escenas sin sentido, los surrealistas usaron motivos repetidos como si fueran parte de un sueño recurrente. Estos motivos se convirtieron en símbolos reconocibles e incluso icónicos del arte surrealista.
La lámpara del Filósofo (1936) de René Magritte
René Magritte fue un artista belga y un miembro prolífico del movimiento surrealista. Ha creado numerosas obras maestras surrealistas y ha sido un colaborador permanente de este período a lo largo de su carrera. Su arte era conocido por sus elementos de ilusionismo, ironía e ingenio. También introdujo varios motivos icónicos en el movimiento, siendo el más famoso una pipa de tabaco. Fue influenciado por sus compañeros artistas Max Ernst y Giorgio de Chirico.
La lámpara del Filósofo presenta el uso de Magritte del motivo de la pipa. Es un autorretrato, que representa el perfil de Magritte con una mesa en el fondo. La nariz de Magritte se extiende, casi como una trompa de elefante, en la pipa como para parodiar la inteligencia del filósofo. La mesa detrás de él sostiene una vela que se extiende hacia arriba como una serpiente, un gusano o un cordón de una lámpara eléctrica. La pieza está llena de ironía humorística y elementos poco realistas, ejemplificando la naturaleza satírica del surrealismo.
La persistencia de la Memoria (1931) de Salvador Dalí
La persistencia de la memoria es una de las obras maestras surrealistas más conocidas, introduciendo el motivo del reloj de fusión de Dalí en el modernismo del siglo XX. La pieza se encuentra a lo largo de una costa catalana con el mar de fondo. El centro de la pintura es una forma flácida que se asemeja a un perfil facial, rodeada de relojes que se derriten y un cronómetro. Llama la atención entre las nociones de tiempo y realidad, aludiendo a la metamorfosis infinita del mundo en el que vivimos.
Gradiva (1939) de André Masson
André Masson fue un artista francés vinculado al surrealismo, aunque nunca se identificó formalmente como parte del movimiento. Su obra era conocida por su antigua iconografía grecorromana y su representación de imágenes grotescamente violentas y eróticas. También fue pionero del automatismo y sigue siendo una de sus influencias más importantes.
Gradiva representa un personaje de la novela de Wilhelm Jensen de 1902 ‘Gradiva’, que se centra en un joven arqueólogo que experimenta delirios de una estatua antigua. Gradiva, el objeto de la obsesión del arqueólogo, fue adoptado posteriormente por Freud y los surrealistas como símbolo del deseo. La pintura representa una escena de la novela en Pompeya, en la que Gradiva se convierte en piedra. Presenta imágenes metamórficas, violentas y eróticas y representa un momento de culminación sexual. Aunque Gradiva es el ejemplo más famoso de imágenes grecorromanas en pintura de Masson, repitió el tema a lo largo de su obra.
El Hijo del Hombre (1964) de René Magritte
El Hijo del Hombre es un auto-retrato que representa a Magritte en frente del mar que llevaba un traje y bombín. Su cara está oscurecida por una manzana verde, pero el espectador puede ver sus ojos sobresaliendo sobre su borde. El tema de la cara oculta aparece en dos de las otras pinturas de Magritte realizadas durante el mismo período, La Gran Guerra (1964) y El sabor de lo Invisible (1964). Es una de las pinturas más reconocidas de Magritte y ha sido reiterada continuamente en la cultura pop moderna.