Surrealizm był awangardowym ruchem artystycznym i literackim, który pojawił się na początku XX wieku. Skupiała się na głębokiej ekspresji emocjonalnej poprzez kreację artystyczną i swobodne kojarzenie. W dużej mierze czerpał z psychoanalizy, która zagłębiała się w nieświadomy umysł, aby zidentyfikować stłumione popędy lub traumy. Surrealizm stanowił punkt zwrotny w modernizmie i funkcji sztuki w społeczeństwie, ponieważ odbiegał od tradycyjnej estetyki na rzecz autoanalizy. Poniżej znajduje się 10 słynnych obrazów ruchu i ich artystów.
Dada i wczesna Sztuka surrealizmu
Surrealizm był pod silnym wpływem awangardowego ruchu zwanego dadaizmem. Podobnie jak Surrealizm, Dadaizm propagował nietradycyjne style artystyczne, ironię i błędne wyobrażenia. André Breton, twórca surrealizmu, był również kluczowym członkiem ruchu Dada i stworzył automatyczną metodę wolnego Stowarzyszenia, która miała mieć istotny wpływ na surrealistyczną sztukę i literaturę.
Celebes (1921) by Max Ernst
p
Max Ernst był niemieckim artystą, rzeźbiarzem i poetą, który był kluczowym członkiem zarówno ruchu Dada, jak i surrealizmu. Jego twórczość jest znana z eksperymentowania z iluzją i irracjonalnością, a on stał się czołowym członkiem w stosowaniu automatyzmu. Był również pionierem metody zwanej „frottage”, która polegała na umieszczeniu papieru na nierównych powierzchniach, a następnie pocieraniu ołówkiem, aby stworzyć sylwetkę powierzchni.
Celebes przedstawia sudański pojemnik na kukurydzę, który został przekształcony w mechanicznego potwora przypominającego słonia. Podobnie jak wiele surrealistycznych obrazów, dzieło osadzone jest w rozległym, opustoszałym krajobrazie. Na czele utworu stoi bezgłowa postać kobieca. W ikonografii znajdują się liczne elementy chaotycznej ikonografii, m.in. latające ryby, puszki po oleju i słup, jakby obrazy z wnętrza snu. Te pozornie przypadkowe elementy są wytworem surrealistycznego automatyzmu i swobodnego kojarzenia nieświadomego umysłu.
Carnival Of Harlequin (1924-25) by Joan Miró
Joan Miró był hiszpańskim artystą i wybitnym członkiem awangardy XX wieku. Jego prace charakteryzowały się jasną kolorystyką, geometrycznymi kształtami i przesunięciami perspektywy. Wykorzystywał te elementy do tworzenia uproszczonych, ale sugestywnych abstrakcyjnych prac. Istnieją dwa muzea poświęcone jego twórczości, jedno w Barcelonie pod nazwą Fundació Joan Miró i drugie na Majorce pod nazwą Fundació Pilar i Joan Miró.
Karnawał Arlekinów skupia się na rozdrobnionym arlekinie na scenie karnawałowej. Paleta kolorów zawiera kolory podstawowe na szarym tle. Jest przykładem symboliki i swobodnego skojarzenia surrealizmu z odłączonymi elementami, które łączą się, tworząc spójny utwór. Okno tła ma geometryczne, abstrakcyjne słońce i górę. Wiele postaci na obrazie jest antropomorfizowanych i wydaje się tańczyć, podkreślając bezsensowny charakter sceny.
Sztuka surrealizmu i eksploracja nieświadomości
pod wpływem teorii psychoanalitycznej surrealiści wykorzystywali sztukę do zagłębienia się w nieświadomy umysł. Była to metoda autoanalizy, uwolnienia leżących u podstaw postaw, pragnień czy traum i przeniesienia ich do sztuki za pomocą symboliki. Zastosowanie psychoanalizy zaowocowało bardzo emocjonalnym, trzewnym i często szokującym obrazem.
Wielki Masturbator (1929) Salvadora Dalí
Salvador Dalí był hiszpańskim artystą i czołowym członkiem ruchu surrealizmu. Jego twórczość była znana ze swoich sennych krajobrazów i dziwacznych obrazów. Był pod silnym wpływem freudowskiej psychoanalizy i wykorzystywał sztukę do zagłębiania się w nieświadomy umysł poprzez symbolikę. Podczas gdy rozszerzył swoją karierę na inne ruchy artystyczne, w tym kubizm i używał mediów takich jak rzeźba, grafika i pisanie, był znany przede wszystkim z surrealistycznej sztuki wizualnej.
Wielki Masturbator przedstawia dużą, amorficzną postać wzorowaną na Katalońskiej formacji skalnej. Profil przypominający żonę Dalí, galę, wystaje z wierzchu postaci i jest otoczony przez inne groteskowe kształty ciała. Małe postacie stoją poniżej dużej formacji na podpis Dalí katalońskiego krajobrazu. Podobnie jak wiele surrealistycznych obrazów, połączenie poszczególnych elementów sugeruje swobodne skojarzenie, które razem reprezentują wspólną fascynację i obrzydzenie Daliego wobec współżycia seksualnego.
the Broken Column (1944) by Frida Kahlo
Frida Kahlo była meksykańską malarką i wybitnym współtwórcą ruchu surrealizmu. Znana była przede wszystkim z silnie autobiograficznych autoportretów. Portrety te często podkreślały jej trwającą całe życie walkę z chorobą i niepełnosprawnością, przedstawiając głęboko osobiste, a czasem niepokojące obrazy. Jej prace czerpały również znaczące inspiracje z kultury meksykańskiej i często zawierały tradycyjną meksykańską ikonografię lub ubiór, jaskrawe kolory i kwiaty.
łamana kolumna przedstawia ograniczenia niepełnosprawności w życiu Kahlo. W wieku 6 lat zachorowała na polio, przez co stała się utykająca. Później brała udział w wypadku autobusowym, podczas którego metalowy słup wbił jej miednicę i zostawił ją niepełnosprawną do końca życia. Na obrazie pojawiła się klamra na plecy, którą musiała nosić po wypadku. Jej kręgosłup jest symbolizowany przez starożytną grecką kolumnę, która jest fragmentowana w jej ciele, aby reprezentować jej fizyczną kruchość po wypadku. Jest również penetrowana przez wiele paznokci, reprezentujących jej ciągły ból i podatność.
obiekt w futrze (1936) by Meret Oppenheim
Meret Oppenheim był szwajcarsko-niemieckim artystą i wybitnym współtwórcą ruchu surrealizmu. Jej prace koncentrowały się wokół feminizmu i zniewolenia kobiet w społeczeństwie poprzez fragmentację kobiecych ciał. Była blisko związana z innymi artystami awangardowymi, pozowała dla Man Raya i współpracowała z Pablem Picassem. Znana była również z eksperymentowania z nietradycyjnymi materiałami w sztuce.
obiekt w futrze to filiżanka i łyżka pokryta zwierzęcym futrem. Inspiracją była rozmowa Oppenheima, Picassa i Dory Maar w paryskiej kawiarni, podczas której artyści zgodzili się, że futro może pokryć każdy przedmiot, bez względu na jego przyziemność. Jest przykładem rzeźby Dada i surrealistycznego typu „found object”, które wykorzystywały i łączyły nietradycyjne lub zwykłe przedmioty jako rzeźby artystyczne. Obiekt w futrze słynie z połączenia domowości i erotyzmu, pozostając jednym z najbardziej wpływowych dzieł sztuki XX wieku.
Henry Ford Hospital (1932) by Frida Kahlo
Henry Ford Hospital przedstawia Kahlo leżącego w szpitalnym łóżku po poronieniu. Jest centralną postacią malarstwa, otoczoną obrazami płodności, zdrowia i porodu. Za nią stoją obrazy miejskiego industrializmu. Wypadek autobusu w młodości zmiażdżył jej miednicę i kręgosłup, unieruchomił ją na całe życie i pozostawił bezpłodną. Praca przedstawia zatem jej trwałe uczucia wrażliwości, bezradności i bólu, które zostały spowodowane przez jej wypadek i walkę z kobiecością i niepłodnością.
słynne motywy sztuki surrealizmu
eksploracja umysłu surrealistycznego zaowocowała abstrakcyjnymi, sennymi obrazami o paradoksalnej tematyce i symbolice. Aby połączyć te bezsensowne sceny, surrealiści wykorzystywali powtarzające się motywy, jakby część powtarzającego się snu. Motywy te stały się rozpoznawalnymi, a nawet ikonicznymi symbolami sztuki surrealistycznej.
Lampa filozofa René Magritte ’ a (1936)
René Magritte był belgijskim artystą i płodnym członkiem ruchu surrealizmu. Stworzył wiele surrealistycznych arcydzieł i pozostał trwałym współtwórcą tego okresu przez całą swoją karierę. Jego sztuka znana była z elementów iluzjonizmu, ironii i dowcipu. Wprowadził też do ruchu kilka ikonicznych motywów, z których najbardziej znaną jest fajka tytoniowa. Był pod wpływem artystów Maxa Ernsta i Giorgio De Chirico.
w lampie filozofa wykorzystano motyw fajki Magritte ’ a. Jest to autoportret, przedstawiający profil Magritte ’ a ze stołem w tle. Nos Magritte ’ a rozciąga się, prawie jak pnia słonia, w rurę, jakby parodiował inteligencję filozofa. Stół za nim trzyma świecę rozciągającą się jak wąż, robak lub przewód lampy elektrycznej. Utwór jest pełen humorystycznej ironii i elementów nierealistycznych, ukazujących satyryczny charakter surrealizmu.
Trwałość pamięci (1931) Salvadora Dalí
Trwałość pamięci jest jednym z najbardziej znanych arcydzieł surrealistycznych, wprowadzającym motyw zegara daliego do XX-wiecznego modernizmu. Akcja utworu rozgrywa się wzdłuż katalońskiego wybrzeża z morzem w tle. Centralnym elementem obrazu jest wiotka forma przypominająca profil twarzy, otoczona stopionymi zegarami i stoperem. Zwraca uwagę między pojęciami czasu i rzeczywistości, nawiązując do nieskończonej metamorfozy świata, w którym żyjemy.
Gradiva (1939) André Massona
André Masson był francuskim artystą, który był związany z surrealizmem, chociaż nigdy formalnie nie utożsamiał się z tym ruchem. Jego dzieło było znane ze starożytnej grecko-rzymskiej ikonografii i przedstawiania groteskowo brutalnych i erotycznych obrazów. Był również pionierem automatyzmu i pozostaje jednym z jego najważniejszych wpływów.
Gradiva reprezentuje postać z powieści Wilhelma Jensena z 1902 roku „Gradiva”, która skupia się wokół młodego archeologa doświadczającego złudzeń starożytnego posągu. Gradiva, obiekt obsesji archeologa, został następnie przyjęty przez Freuda i surrealistów jako symbol pożądania. Obraz przedstawia scenę z powieści w Pompejach, w której Gradiva zamienia się w kamień. Charakteryzuje się metamorficznym, gwałtownym i erotycznym obrazem i reprezentuje moment seksualnego dopełnienia. Mimo że Gradiva jest najbardziej znanym przykładem grecko-rzymskiej wyobraźni w malarstwie, powtarzał ten temat w całym swoim dorobku.
Syn Człowieczy (1964) René Magritte
Syn człowieczy to autoportret przedstawiający Magritte ’ a przed morzem w garniturze i meloniku. Jego twarz zasłania zielone jabłko, ale widz widzi jego oczy wystające ponad jego krawędź. Motyw zasłoniętej twarzy pojawia się w dwóch innych obrazach Magritte ’ a wykonanych w tym samym okresie, Wielkiej Wojnie (1964) i smaku niewidzialnego (1964). Jest to jeden z najbardziej rozpoznawalnych obrazów Magritte ’ a i jest stale powtarzany we współczesnej popkulturze.