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의 작업 Muybridge,Marey,그리고 Le Prince 기초 미래 발달을 위한 동의의 사진을 카메라,영사기 및 투명한 셀룰로이드 필름의 개발로 이어질 영화로 우리가 알고 있습니다. 미국 발명가 조지 Eastman 던 첫 번째 제조 photographic dry plates1878 년에 만들어 진전에는 안정적인 유형의 셀룰로이드 영화에서 1888.
영화 예술은”침묵의 시대”(영화의 1894–영화의 1929)에서 완전한 성숙으로 성장했습니다. 의 높이는 침묵의 시대(초기부터 1910 년대에 영화를 1920 년대 후반)는 특히 유익한 시간,예술은 혁신입니다. 영화의 움직임을 고전적인 할리우드뿐만 아니라 프랑스 인상파,독일 표현주의,그리고 소련의 몽타주에서 시작했습니다. 침묵하는 영화 제작자였 예술 형식을 정도는 거의 모든 스타와 장르의 영화 만들기-20 세기와 21 세기에는 그것의 예술적 뿌리는 침묵의 시대입니다. 침묵의 시대는 또한 기술적 인 관점에서 선구적인 것이 었습니다. 세점 조명 close-up,오 촬영,이동 및 연속성 편집 모두 유행이되었하기 전에 긴 침묵하는 영화에 의해 대체되었다 말하는”사진”또는”발성”1920 년대 후반. 일부 학자들이 주장하는 예술품질의 영화 감소를 위해 몇 년 동안,1930 년대 초까지,영화 감독,배우,그리고 직원의 생산에 적응 완전히 새로운”발성”주 1930 년대 중반.
visual 품질의 자동화—특히 생산에서 1920 종종 높은,그러나 남아 있는 널리 통용한 오해는 이 영화는 원시적이었으며,또한 거의 선생으로 현대적인 기준입니다. 이 오해는 일반 대중이 매체에 익숙하지 않은 것뿐만 아니라 업계의 일부분에 대한 부주의로 인한 것입니다. 가장 조용한 영화는 가난하게 보존 된 선도하고,자신의 저하,그리고 잘 보존 된 필름은 종종으로 재생이 잘못된 속도로 또는에서 고통 받는 검열로 인하하고 누락된 프레임과 장면의 모양을주고,가난한 편집합니다. 많은 자동 영화에만 존재하는 두 번째나 세 번째 세대 사본,자주에서 만든 이미 손상되고 소홀히 영화다. 널리 알려진 또 다른 오해는 무성 영화가 색이 부족하다는 것입니다. 사실,색상은 사운드 영화의 처음 몇 십 년 동안보다 무성 영화에서 훨씬 더 널리 퍼졌습니다. 에 의해 1920 년대 초반의 80 퍼센트 영화에서 볼 수 일종의 컬러,양식에서 일반적으로 필름의 색을 칠하거나 조율 또는 손으로 색칠하지만,또한 상당히 자연의 두 가지 컬러와 같은 프로세스 Kinemacolor 과 테크. 전통적인 채색 공정은 사운드 온 필름 기술의 채택으로 중단되었습니다. 전통적인 영화 채색,모두의 참여 사용의 염료이 어떤 형태로,방해 고해상도 데 필요한 내장된 사운드를 기록했고,따라서 포기했다. 의 혁신적인 스트립 천연색 프로세스에 소개되는 30 대 중반이었고 비용이 많이 드는 고민한 제한,그리고 색깔이 없는 것 같은 유행 영화에서 그랬던 것처럼에서 무성한 거의 열었다고 평가받는다.
IntertitlesEdit
으로 동작진이 점차 증가에서 실행 시간,교체 필요한에서 통역사들을 설명한 부품의 필름하다. 기 때문에 자동화가 없었 동기화된 소리에 대한 대화면 intertitles 사용되었을 서술하는 이야기는 포인트 존재하는 키를 대화하고 때로는 주석 작업에 대한 관객이다. 타이틀 작가는 무성 영화의 핵심 전문가가되었으며 종종 이야기를 만든 시나리오 작가와 분리되었습니다. Intertitles(또는 타이틀로 그들은 일반적으로 호출 시간)”종종 있었다 그래픽 요소들 특징으로,그림 또는 추상적이 장식에는 주석 작업에”.
라이브 음악과 다른 소리 accompanimentEdit
전시 침묵의 영화가 거의 항상처에는 라이브 음악,시작하는 기타리스트에서 첫 번째 공용 영사의 영화로 뤼미에르 형제에서 월 28,1895,공합니다. 이것은 1896 년 뉴욕시의 Koster 와 Bial’s Music Hall 에서 미국 최초의 영화 전시회에 의해 발전되었습니다. 이 행사에서 에디슨은 모든 전시회가 오케스트라와 함께해야한다는 선례를 세웠습니다. 처음부터 음악은 필수적인 것으로 인식되어 분위기를 공헌하고 청중에게 중요한 정서적 단서를 제공했습니다. (음악가들은 비슷한 이유로 촬영하는 동안 영화 세트에서 연주하기도했습니다.)그러나 전시장 규모에 따라 음악 반주는 규모가 크게 바뀔 수 있습니다. 작은 마을과 이웃 영화관에는 보통 피아니스트가있었습니다. 1910 년대 중반부터 대도시 극장에는 음악가의 오르간 연주자 또는 앙상블이있는 경향이있었습니다. 대규모 극장은 기관을 설계되었 틈을 채우기 위해 간단한 피아노 솔로이스트와 큰 오케스트라,넓은 범위의 특수 효과. 연극과 같은 기관의 유명한”강력한 리처”수 있는 시뮬레이션 몇 가지 오케스트라 사운드의 번호와 함께 타악기와 같은 효과는 베이스 드럼,심벌즈,과 사운드 효과에 이르기까지”기차와 배를 휘파람 자동차 뿔과 새 휘파람;… 어떤 수도 시뮬레이션 권총 샷을 울리는 전화,사운드 서핑,말의 발굽,스매싱 도자기,천둥과 비”.
초기 무성 영화의 악보는 즉흥 연주되거나 클래식 또는 연극 레퍼토리 음악으로 집계되었습니다. 한번은 전체 기능이 일반화되었다,그러나,음악에서 컴파일된 photoplay 음악으로 피아니스트,오르간 연주자,오케스트라 또는 지휘자 영화 스튜디오에는 포함되는 큐시트와 필름입니다. 이 시트는 종종 길고 효과 및 기분에 대한 자세한 메모가 있습니다. 조셉 칼 Breil D.W. 에 의해 구성 대부분 원래 점수로 시작. 그리피스의 획기적인,하지만 인종 파괴적인 서사시 국가의 탄생(1915),되었에서 일반적으로 가장 큰예산 영화에 도착하기 전시장의 원본은,특별히 구성됩니다. 그러나,처음에는 지정한 본격적인 점수에 있었다는 사실로 구성되어에 1908 년에 의하여,카미유 생상을 위해 암살 공작의 모습,그리고 의 미하일 Ippolitov-Ivanov 에 대한 Stenka Razin.
경우 organists 에 또는 피아니스트를 사용되는 음악,그들은 여전히 추가 할 수 있습 즉흥적인 번영을 높이기 드라마에서는 화면입니다. 경우에도 특별한 효과가 표시되지 않은 점수는 경우,오르간 연주 극장 등 기관이 할 수있는 이상한 소리 같은 효과를”질주하는 말”,을 사용하는 것 중의 장면을 극적인 승마한 느낌이 들 것입니다.
의 높이에서 침묵의 시대에,영화들의 가장 큰 단일 원본의 고용에 대한 기악 음악가,적어도 미국에서. 그러나 대공황의 대략 동시 발병과 함께 토키의 도입은 많은 음악가들에게 파괴적이었습니다.
여러 국가에서 무성 영화에 사운드를 가져 오는 다른 방법을 고안했습니다. 초기 극장,브라질,예를 들면,추천 fitas 칸(노래 영화),촬영된 오페레타와 함께 가수들이 수행하는 화면 뒤에. 일본에서도,영화했을 뿐만 아니라 라이브 음악 또한 benshi,라이브 해설자가 제공하는 해설과 캐릭터는 목소리가 있습니다. 벤시는 외국(주로 미국)영화에 대한 번역을 제공 할뿐만 아니라 일본 영화의 중심 요소가되었습니다. 벤시의 인기는 무성 영화가 1930 년대 일본에서 잘 지속 된 이유 중 하나였습니다.
점수 복원 1980 년부터 presentEdit
몇 가지 필름 점수를 그대로 살아에서 침묵하는 기간,그리고 음악 학자들은 여전히에 의해 직면 질문을 시도할 때 정확하게 재구성에 그는 남아 있습니다. 점수에 사용되는 현재의 재발행 또는 검사의 침묵하는 영화를 완료 될 수 있습니의 복원 작곡,새롭게 구성한 경우,조립에서 기존의 음악 라이브러리 또는 즉흥적으로 자리에서의 방식으로 침묵의 시대 극장에 음악가입니다.
에 관심이 점수의 영화가 하락의 패션 1960 년대와 1970 년대. 믿음이 있었다 많은 대학 영화 프로그램 및 레퍼토리 극는 관객 경험해야 silent film 으로 순수한 시각 매체,undistracted 에 의해 음악이다. 이 신념은 당시의 많은 무성 영화 재발행에서 발견 된 음악 트랙의 품질이 좋지 않아 격려되었을 수 있습니다. 이후변 1980,가 되었습의 부흥에 관심을 제시 침묵하는 영화와 품질의 음악적 점수(중 reworkings 의 기간 점수 또는 큐시트 또는 구성의 적절한 원래의 점수). 초기 노력의 이런 종류의 케빈의 브라운 로우 1980 년의 복원 아벨 Gance 의 나폴레옹(1927),특징으로 점수 Carl Davis. 약간 다시 편집하고 가속화 버전의 브라운 로우 복원이었다 나중에 미국에서 배포하여랜드 코폴라,라이브 오케스트라 점수에 의해 구성된 그의 아버지 카민 코폴라.
1984 년,메트로폴리스의 편집 복원(1927)은 프로듀서 작곡가 조르지오 모로더(Giorgio Moroder)의 새로운 록 음악 점수로 발표되었습니다. 지만 현대적 점수를 포함 하는 팝 곡으로 프레디 Mercury,팻 Benatar,앤더슨과 존의 예,논란,문이 열려 있었을 위한 새로운 접근 방식은 프리젠테이션의 고전적인 침묵하는 영화입니다.
오늘날,많은 수의 솔로이스츠,음악 앙상블,및 오케스트라를 수행은 전통적이고 현대적인 점수를 위한 침묵하는 영화 국제적으로 합니다. 전설적인 극장 오르간 연주자 Gaylord Carter 는 2000 년 사망 직전까지 원래의 무성 영화 점수를 계속 수행하고 기록했습니다. 전통적인 접근 방식의 다른 purveyors 에는 Dennis James 와 같은 오르간 연주자와 Neil Brand,Günter Buchwald,Philip C.Carli,Ben Model 및 William P.Perry 와 같은 피아니스트가 포함됩니다. 다른 현대적인 피아니스트 등의 스티븐 혼와 가브리엘 Thibaudeau,가 종종 더 현대적인 접근하는 점수가 있습니다.
오케스트라과 같은 지휘자 칼비트 이스라엘이 작성하고 컴파일에 대한 점수는 수많은 자동 영화,많은 이들의 등장에서 상영에서 터너는 고전 영화 또는 발표되었습니다. Davis 는 The Big Parade(1925)와 Flesh and The Devil(1927)과 같은 고전적인 침묵 드라마에 대한 새로운 점수를 작곡했습니다. 이스라엘은 주로 무성 코미디에서 일했으며 해롤드 로이드,버스터 키튼,찰리 체이스 등의 영화를 득점했습니다. Timothy Brock 은 새로운 점수를 구성하는 것 외에도 Charlie Chaplin 의 많은 점수를 복원했습니다.
현대 음악 앙상블을 돕고 있을 소개하는 고전적인 침묵하는 영화를 넓은 관객들을 통해 광범위한 뮤지컬 스타일에 접근한다. 일부 공연을 새로 생성을 조성하여 전통적인 악기는 반면,다른 추가렉트로닉 사운드,현대화,리듬을 즉흥과 사운드 디자인 요소를 강화한 시각적 경험을 선사합니다. 이 카테고리의 현대 앙상블 중에는 Un Drame Musical Instantané,Alloy Orchestra,Club Foot Orchestra,Silent Orchestra,Mont Alto Motion Picture Orchestra,Minima 및 Caspervek Trio,RPM Orchestra 가 있습니다. 도널드 Sosin 과 그의 아내나 시턴에서 전문을 추가하 보컬을 자동 영화,특히 어디가 화면을 노래하는 장점에서 듣는 실제적인 노래이 수행됩니다. 이 카테고리의 영화에는 Lupe Vélez 가있는 Griffith 의 Lady of The Pavements,Dolores del Río 가있는 Edwin Carewe 의 Evangeline,Mary Philbin 과 Virginia Pearson 이있는 Rupert Julian 의 The Phantom of The Opera 가 있습니다.
자동화하는 소리와 음악 아카이브 디지털화 음악과 큐 시트 작성을 위한 자동화에 사용할 수 있도록 만드는 일을 사용하여 실연자,학자,고 있습니다.
행동 techniquesEdit
Silent-film 배우 강조된 몸짓과 표정도록 관객 수를 더 잘 이해하게 배우는 느낌과를 묘사합니다. 많은 무성 영화 연기는 현대 관객을 단순하거나 캄캄한 것으로 공격하기 쉽습니다. 멜로 드라마틱 한 연기 스타일은 어떤 경우에는 이전 무대 경험에서 옮겨진 습관 배우였습니다. 보드빌은 많은 미국 무성 영화 배우들에게 특히 인기있는 기원이었습니다. Pervading 의 존재 단계에서 배우 영화의 원인이 폭발에서 감독 Marshall Neilan1917:”빨리 단계 사람들을 올림으로 나가고,더 나은에 대한 그림이다.”다른 경우에는 John Griffith Wray 와 같은 감독이 배우에게 강조를 위해 인생보다 큰 표현을 제공하도록 요구했습니다. 1914 년 초 미국 시청자들은 화면에서 더 큰 자연 스러움에 대한 선호도를 알리기 시작했습니다.
무성 영화는 1910 년대 중반에 무대와 스크린의 차이가 분명 해짐에 따라 덜 vaudevillian 이되었습니다. 때문에 작업의 이사회는 등 D.W. 그리피스,촬영되었다 적은 단계처럼,그리고 발달의 닫기를 위해 허용하는 고전적이고 현실적인 행동입니다. Lillian Gish 되었습라는 영화의”먼저 진정한 배우”그녀의 작품에 대한 기간에,그녀는 개척한 새로운 영화를 수행하는 기술을 인식하고,중요한 차이점이 무대 스크린 행동입니다. Albert Capellani 와 Maurice Tourneur 와 같은 감독은 영화에서 자연주의를 주장하기 시작했습니다. 에 의해 1920 년대 중반 많은 미국 자동 영화 채택했다 더 많은 자연주의적 연기 스타일하지 않지만,모든 배우와 감독을 받아들여 자연주의,낮은 키 행동을 바로 늦으로 1927,영화를 특징으로 표현주의 행동 하는 스타일과 같은 대도시,여전히 있었어 출시되고 있습니다. 1926 년 데뷔를 한 그레타 가르보(Greta Garbo)는 그녀의 자연주의 연기로 유명해질 것입니다.
에 따르면 안톤 Kaes,자동 영화학자로부터 캘리포니아 버클리 대학,미국 자동 시네마을 참조하기 시작했 변화에 행동하는 기술을 사 1913 년과 1921 년에 의해 영향을 받는 기술에서 발견한 독일 자동화. 이것은 주로의 유입을 이민자에서 바다에,”을 포함한 영화 감독이,프로듀서,카메라맨,조명 및 단계의 기술자,뿐 아니라 배우”.
투사 speedEdit
까지의 표준화 프로젝션의 속도는 초당 24 프레임(fps)소리를 위한 영화들이 1926 년고 1930 년,자동 영화 촬영한 것 가변 속도(또는”프레임 속도”)어느 곳에서 12~40fps 에 따라 해 및 스튜디오. “Standard silent film speed”는 Lumière brothers 의 Cinématographe 의 결과로 16fps 라고 종종 말하지만 업계 관행은 상당히 다양했으며 실제 표준은 없었습니다. 에디슨 직원 인 윌리엄 케네디 로리 딕슨(William Kennedy Laurie Dickson)은 놀랍도록 빠른 초당 40 프레임에 정착했습니다. 또한,카메라맨의 시대를 주장하는 그들의 본격 기술은 정확히 16fps 지만,현대적인 검사의 영화를 보여주는 이야에 오류가는 그들은 종종 마약 빠릅니다. 의도 한 속도로 조심스럽게 보여주지 않는 한 무성 영화는 부 자연스럽게 빠르거나 느리게 나타날 수 있습니다. 그러나 일부 장면은 특히 코미디와 액션 영화의 경우 액션을 가속화하기 위해 촬영 중에 의도적으로 언더 랭크되었습니다.
느린 투사의 질산셀룰로오스 필름을 실시 화재의 위험으로,각 프레임에 노출되었을 위한 시간이 오래의 강렬한 열로젝션 램프;그러나 다른 이유가 있었을 프로젝트 영화에서 더 큰니다. 종종 projectionists 받은 일반적인 지침에서 유통 업체에서 음악적 감독의 큐시트로 얼마나 빨리 특 릴 또는 장면이 있어야 예상된다. 드문 경우에,일반적으로 더 큰 생산,큐시트를 위해 특별히 생산된 영사 제공에 대한 자세한 안내를 제시하는 영화. 극장한 이익을 극대화 하기 위해—때때로 다양한 프로젝션 속도의 시간에 따라 날이나의 인기 영화,또는 맞는 영화로 규정된 시간 슬롯이 있습니다.
모든 모션 픽쳐 필름 프로젝터가 필요 움직이는 셔 빛을 차단하는 동안에 영화는 이동,그렇지 않으면 이미지를 발랐는 방향으로의 움직임입니다. 그러나이 셔터로 인해 이미지가 깜박이며 깜박임 비율이 낮은 이미지는 시청하기가 매우 불쾌합니다. 그의 Kinetoscope 기계에 대한 Thomas Edison 의 초기 연구는 초당 46 이미지 이하의 모든 속도가”눈을 긴장시킬 것”이라고 결정했습니다. 그리고 이것은 정상적인 영화 조건 하에서 투사 된 이미지에 대해서도 마찬가지입니다. Kinetoscope 에 채택 된 솔루션은 40 프레임/초 이상으로 필름을 실행하는 것이었지만 필름의 경우 비용이 많이 들었습니다. 그러나 사용하여,프로젝터와 이중과 트리플 셔터 블레이드 흔들림 속도는 곱한 두 개 또는 세 번의 수보다 더 높은 필름 프레임의 각 프레임 플래시되는 두 개 또는 세 개의 시간에 화면입니다. 16fps 필름을 투사하는 3 블레이드 셔터는 Edison 의 그림을 약간 능가하여 관객에게 초당 48 개의 이미지를 제공합니다. 사일런트 시대 프로젝터에는 일반적으로 3 블레이드 셔터가 장착되었습니다. 이후 소리의 소개와 해당 24 프레임/sec 표준 속도 2-bladed 셔터는 표준이 35mm 시네마 프로젝터,비록 세 개의 블레이드 셔터 남아 있는 표준에 16mm,8mm 프로젝터,이는 자주 사용하여 프로젝트 아마추어 영상 촬영에서 16 18frames/sec. 35 밀리미터 필름 프레임 속도의 24fps 로 변환하여 영화의 속도 456 밀리미터(18.0 에)당 두 번째입니다. 한 1,000 피트(300m)릴이 필요합 11 분 7 초에 투사하는 24fps,동 16fps 프로젝션의 릴이 걸릴 것이 16 분 40 초,또는 304 밀리미터(12.0 에서)초당.
1950 년대에,많은 텔레시네 변환 침묵의 영화에 크게 잘못된 구조에 대한 요금 텔레비전 방송 수 있 소외 시청자입니다. 영화 속도가 자주 가는 문제 중에서 학자들과 영화 매니아에서 프레젠테이션의 무성 오늘날,특히 때 DVD 버전의 복원한 영화 같은 사건의 2002 의 회복시오.
TintingEdit
부족과 자연의 색을 처리용의 침묵의 시대가 있었 담근에서 염료 및 염색된 다양한 색상 및 색조를 기분이 나를 나타냅니다. 핸드 틴팅은 에디슨이 나비 댄스의 엄선 된 핸드 틴티드 프린트를 출시하면서 미국에서 1895 년으로 거슬러 올라갑니다. 또한,실험에서 컬러 필름으로 시작하는 초기 1909 년에 있지만,그것은 더 이상 시간이한 색깔에 의하여 채택된 업계와 효과적인 프로세스를 개발할 수 있습니다. 파란색은 야간 장면을 나타내었고 노란색 또는 호박색은 하루를 의미했습니다. 빨간색은 불을 나타내고 녹색은 신비한 분위기를 나타냅니다. 마찬가지로 조율의 필름(일반적인 자동 필름을 일반화의 세피아-조율)특별한 솔루션으로 대체 은 입자 영화에서 주식으로 염 또는 염색의 다양한 색상이 있습니다. 틴팅과 토닝의 조합이 눈에 띄는 효과로 사용될 수 있습니다.
에디슨 스튜디오(Edison Studios)의 Annabelle Serpentine Dance(1894)와 같은 일부 영화는 손으로 색을 칠했습니다. 그것에서는,애너벨 Whitford,젊은 댄서 뉴욕에서는 하얀 옷을 입고 베일에 나타나는 색상을 변경으로 그녀는 춤. 이 기술은 설계를 캡처하의 효과 라이브 공연의 Loie 풀러,처음에는 1891 년,에서는 무대 조명으로 착색한 젤 그녀는 흰색이 흐르는 드레스 그리고 소매로 예술적인 움직임. 핸드 컬러링은 유럽의 초기”트릭”과 판타지 영화,특히 조르주 멜리에스의 영화에서 자주 사용되었습니다. Méliès 기 시작했다 손으로 그의 작품은 색조 초와 같은 1897 년 그리고 1899 년 Cendrillion(신데렐라)및 1900Jeanne d’Arc(Joan of Arc)공기의 예로는 손을 칠한 영화에서는 색깔 있는지 여부도 중요하게 고려되었의 공간연출 또는 미장센;이러한 정확한 색조에 사용 작업장의 엘리자베스 Thuillier 파리에서 여 팀의 여성 아티스트 레이어 추가 색상의 각 프레임에 의해 손으로 사용하는 것보다 더 많은 일반적인(덜 비싼)프로세스의 stenciling. 원래 1902 년에 출시 된 Méliès’A Trip to The Moon 의 새로 복원 된 버전은 이미지에 질감과 흥미를 더하기 위해 고안된 색상의 풍부한 사용을 보여줍니다.
코멘트에 의하여 미국 대리점에서 1908 년 영화-공급 카탈로그에 추가 밑줄 프랑스의 지속적인 지배력 분야에서의 손으로 색칠 영화가 초 동안 침묵의 시대입니다. 디스트리뷰터는 Pathé,Urban-Eclipse,Gaumont,Kalem,Itala Film,Ambrosio Film 및 Selig 의”고급”모션 사진을 다양한 가격으로 판매합니다. 카탈로그에있는 더 길고 권위있는 영화 중 몇 가지는 표준 흑백”일반 재고”뿐만 아니라”손으로 그린”색상으로 제공됩니다. 일반 주식 복사,예를 들어,의 1907 릴리스 벤는 제공을 위해$120($3,415KRW 오늘),동의 컬러 버전은 같은 1000-,도보 15 분 거리에 영화는$270($7,683)을 포함하여 여분$150 색칠 공부 책임에 달했다이 15 센트 더 발 당. 이유가 있지만 인용 추가 요금이었 가능성이 명백한 고객에게 배포자는 이유를 설명하는 그의 카탈로그의 컬러 영화는 명령을 크게 높이는 가격과 더 많은 시간을 필요로 합니다. 그의 설명은 또한 1908 년까지 미국에서 영화 착색 서비스의 일반적인 상태에 대한 통찰력을 제공합니다:
색상의 사진 필름의 라인을 작동할 수 없는 만족스럽게 수행되는 미국에 있습니다. 의 관점에서 엄청난 양의 노동 관여되는 통화에 대한 개별 손으로 그림의 모든 하나의 여섯 사진을 발 또는 16,000 별도의 사진을 각각 1,000 발의 영화 매우 몇 가지 미국의 컬러리스트가 수행 할 작업에 모든 가격입니다.
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의 시작 부분의 1910,의 시작과 함께 장편 영화,착색되었으로 사용되는 또 다른 분위기 setter,그냥 평범으로 음악이다. 감독 D.W. 그리피스는 색상에 대한 끊임없는 관심과 우려를 표시했으며 많은 영화에서 특수 효과로 색조를 사용했습니다. 그 1915 사,한 국가의 탄생을 목격할 때 사용되는 색상의 수를 포함하여,황색,파란색,라벤더,그리고 눈에 띄는 붉은 색조한 장면 같은”불타의 애틀랜타”와 타라구요 깔깔에서의 절정이다. 그리피스는 나중에 색상을 달성하기 위해 화면의 영역에 컬러 라이트가 번쩍 이는 컬러 시스템을 발명했습니다.
의 발달과 함께 사운드에 영화 기술과 산업의 수용,그 염색되었 모두 포기하기 때문에,염료로 사용하는 염색 과정에서 방과 사운드 트랙에 존재하는 영화 스트립입니다.