alte lucrări pentru orchestră
În 1925, Gershwin a fost însărcinat de Symphony Society din New York să scrie un concert, determinându-l pe compozitor să comenteze: „acest lucru a arătat o mare încredere din partea lor, deoarece nu mai scrisesem nimic pentru symphony înainte…am început să scriu concertul la Londra, după ce am cumpărat patru sau cinci cărți despre structura muzicală pentru a afla ce formă a fost de fapt concertul!”Lucrarea rezultată, Concerto in F (1925), a fost cea mai lungă compoziție a lui Gershwin și a fost împărțită în trei mișcări tradiționale de concert. Prima mișcare urmează vag o structură sonată de expunere, dezvoltare și recapitulare și își însușește teme și ritmuri din popularul „Charleston.”A doua mișcare—” semnul ridicat al talentului”, potrivit dirijorului Walter Damrosch, care a condus premiera operei—este o adaptare lentă și meditativă a progresiilor blues, iar a treia mișcare—” o orgie a ritmurilor”, potrivit lui Gershwin—introduce noi teme și revine, ca rondo, la temele primului. Deși nu la fel de bine primit la acea vreme ca Rapsodia în albastru, Concertul în F a ajuns în cele din urmă să fie considerat una dintre cele mai importante lucrări ale lui Gershwin, precum și poate cel mai popular concert american pentru pian.
Un American la Paris (1928), a doua cea mai faimoasă compoziție orchestrală a lui Gershwin, a fost inspirată de călătoriile compozitorului la Paris de-a lungul anilor 1920. intenția sa declarată cu lucrarea a fost de a „înfățișa impresiile unui vizitator American la Paris în timp ce se plimba prin oraș, ascultă diverse zgomote de stradă și absoarbe atmosfera franceză”; în acest scop, Gershwin a încorporat astfel de atingeri de verosimilitate ca adevărate coarne de taxi franceze. Această piesă reprezintă poate cel mai bine angajarea lui Gershwin atât a formelor de jazz, cât și a celor clasice. Structura armonică a unui american din Paris își are rădăcinile în tradițiile blues (în special secțiunea de mijloc „Blues dor de casă”), iar soliștilor li se cere adesea să îndoaie, să alunece și să mârâie anumite note și pasaje, în stilul muzicienilor de jazz din anii 1920. melodiile care sunt repetate și înfrumusețate de—a lungul lucrării, totuși, nu sunt niciodată supuse modificării-antiteza filozofiei jazz-ului care privește melodia ca o simplă contur liber pentru decorarea imaginativă. Cu ritmurile sale variate și structura liberă („cinci secțiuni ținute împreună mai mult sau mai puțin de intuiție”, potrivit unui critic), un American din Paris părea mai mult baletic decât simfonic și, într-adevăr, piesa și-a câștigat cea mai durabilă faimă la 23 de ani de la premiera sa, când a fost folosită de Gene Kelly pentru secvența de balet de închidere a clasicului film muzical omonim din 1951.celelalte compoziții orchestrale majore ale lui Gershwin au crescut în statură și popularitate de-a lungul anilor. A doua sa Rapsodie (1931) a început viața sub titlurile de lucru „Manhattan Rhapsody” și „Rhapsody in nits” și a fost prezentat, în formă embrionară, ca muzică incidentală în film delicios (1931). Poate cea mai experimentală dintre lucrările majore ale lui Gershwin, a fost lăudată ca fiind cea mai perfectă compoziție a sa în ceea ce privește structura și orchestrația. Uvertura cubaneză a lui Gershwin (1932), despre care a declarat că a fost inspirată de „două săptămâni isterice în Cuba, unde nu s-a dormit”, a folosit ritmuri de rhumba și instrumente de percuție precum claves, maracas, tobe bongo și tărtăcuțe, toate acestea fiind în general necunoscute la acea vreme în Statele Unite. Este o lucrare frecvent reînviată de dirijorii Simfoniei, care își găsesc starea de spirit obraznică, asemănătoare festivalului, ca un deschizător de concerte.