La mia educazione alla fotografia di ritratto non è avvenuta in un’aula, in una biblioteca o in un laboratorio. La maggior parte di ciò che ho imparato è venuto da studiare il lavoro dei miei eroi, cercando di capire perché ho amato le loro immagini, e poi mettere il mio tocco su di loro.
In effetti, posso vedere che il mio stile di ritratto è venuto da un ciclo senza fine di:
1. Il tentativo di copiare grandi fotografi come Albert Watson e Richard Avedon.
2. Fallendo miseramente, ma imparando qualcosa nel processo.
E in questo articolo, ho intenzione di darvi 21 consigli, tecniche, trucchi e hack che ho preso da 21 di loro — uomini e donne che considero i più grandi fotografi di ritratti di tutti i tempi.
Ho illustrato questi punti attraverso un mix di video, post di Instagram e le mie foto.
Capito? Bene?
Saltiamo dentro:
#1. Richard Avedon: Tutti i Ritratti Dire la Verità… E la Menzogna
Il grande Richard Avedon una volta ha detto questo:
Un ritratto non è una somiglianza. Nel momento in cui un’emozione o un fatto si trasforma in una fotografia non è più un fatto ma un’opinione. Non esiste una cosa come inesattezza in una fotografia. Tutte le fotografie sono accurate. Nessuno di loro è la verità.
Questa potrebbe essere la dichiarazione più vera mai fatta sulla fotografia di ritratto.
Ci piacerebbe pensare che un ritratto dica davvero la verità sul soggetto. Ma nella migliore delle ipotesi, possiamo aspettarci solo un lato di una persona.
Non è possibile catturare l’intera essenza di una persona in 1/250 di secondo, soprattutto perché le persone si esibiscono sempre per la fotocamera.
Avedon stesso ha detto:
Eseguiamo tutti. E ‘ quello che facciamo l’uno per l’altro tutto il tempo, deliberatamente o involontariamente. È un modo di raccontare noi stessi nella speranza di essere riconosciuti come ciò che vorremmo essere.
Pensa a Instagram. Quante persone sono veramente felici e gioiose? E quanti si esibiscono per te?
#2. Irving Penn: Non fare un ritratto’ buono‘, fai un ritratto’ efficace ‘
Odio usare parole come buono o cattivo per descrivere i ritratti.
io preferisco la parola “efficace”, come spiego in questo video:
Irving Penn ha detto una volta:
Una buona fotografia è quella che comunica un fatto, tocca il cuore, lascia allo spettatore una persona cambiata per averlo visto. È, in una parola, efficace.
Misuro la qualità di un ritratto da come mi sento quando lo guardo. Voglio sapere di più sulla persona nella foto? Se è così, è un ritratto efficace per me.
#3. Joe McNally: La Fotocamera È un Passaporto
una volta ho sentito Joe parlare dal vivo e lui ha detto qualcosa sulla falsariga di “fotocamera è un passaporto per l’avventura.” E questo mi ha davvero bloccato.
Ora, le avventure di Joe hanno coinvolto le riprese di grandi incarichi in tutto il mondo per National Geographic e LIFE. I miei erano un po ‘ più docili.
Ho girato eventi di arti marziali (l’immagine sopra è dall’area del backstage in un evento di kickboxing) e pratiche. Vorrei mettere annunci su Craigslist e invitare le persone a casa mia per i ritratti. E ho trasformato tutte le mie vacanze in avventure fotografiche.
#4. Martin Schoeller: La coerenza porta all’attenzione
Martin Schoeller è un fotografo di ritratti editoriale e commerciale.
E mentre ha un corpo di lavoro diverso, è noto per i suoi colpi alla testa stretti e intensi:
Una volta ho partecipato a una conferenza con Martin e ho appreso che le sue foto di headshot sono in realtà ispirate i fotografi tedeschi Bernd e Hilla Becher. È interessante notare che i Bechers hanno fotografato le torri d’acqua nello stesso modo coerente.
Quando hai un corpo di lavoro coerente, è più facile costruire un nome per te stesso e far sapere alle persone cosa fai. Quella coerenza ti dà una grande piattaforma da cui partire per costruire. Ed è uno dei motivi per cui sto popolando il mio feed Instagram con ritratti color seppia.
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#5. Kurt Markus: Utilizzare un tempo di posa lento per un look da sogno
Generalmente mi piace che i miei ritratti siano nitidi. Ma a volte, mi piace qualcosa di un po ‘ più morbido e sognante. Quindi prenderò la mia velocità dell’otturatore fino a 1/10 di secondo o anche più lentamente.
Questo è qualcosa che ho preso da diversi fotografi tra cui Sante D’Orazio, Paolo Roversi, ma soprattutto, Montana nativo Kurt Markus. Kurt è famoso per i suoi eterei ritratti in bianco e nero di cowboy e top model.
Nella ricerca del lavoro di Kurt, mi sono imbattuto in una grande intervista con un editor di foto in cui ha detto questo:
Non ritocco. Non cerco di manipolare l’immagine in qualcosa che mi piace dopo. 6×7 è un mezzo molto indulgente. Pellicola in bianco e nero, queste lenti, un tempo di posa lento. Fotograferò le donne e un sacco di tempo sembrano impeccabili, ma reali.
E mentre in passato avevo sperimentato tempi di posa lenti, ora ne faccio una pratica regolare. È una bella partenza dalla mia tipica attenzione alla realtà e alla chiarezza.
#6. Zack Arias: Mettere la Testa In un Posto Pulito
Zack Arias’ CreativeLive classe “Fondamenti di un Fotografo che Lavora” ha avuto un enorme impatto su di me quando avevo iniziato. Zack mi ha insegnato innumerevoli concetti importanti sull’illuminazione, l’interazione con i soggetti e il business.
Ma la cosa più importante che ho imparato è stata “testa in un punto pulito.”Come in, prova a comporre le tue foto in modo che la testa non sia ostruita. Io uso questa idea su ogni tiro.
#7. Albert Watson: Non temere la luce dura!
Quando ero un fotografo di ritratti, avevo un atteggiamento infantile nei confronti della luce. Pensavo che la luce morbida fosse buona e la luce dura fosse cattiva. Perché? Perché è quello che ogni blogger e istruttore che ho seguito ha detto.
Tutto doveva essere illuminato con un grande ombrello o softbox. Ma quando ho scoperto l’innovativo libro di Albert Watson, Cyclops, il mio punto di vista ha fatto flop. Ho visto che la luce dura poteva essere dura e bella allo stesso tempo.
Così ho iniziato a sperimentare con lampi nudi, griglie, snoots e buona luce solare diretta vecchio stile. E ora uso un mix di luce morbida e dura su quasi tutti i miei scatti.
Soprattutto, Albert mi ha insegnato a mettere in discussione tutti i consigli che mi sono stati dati sulla fotografia di ritratto. E il mio atteggiamento è quello di ascoltare ciò che la gente mi dice, ma prova per me stesso per vedere cosa mi piace davvero.
#8. Gregory Heisler: Ci sono fondamentalmente due tipi di luce
Quando penso ai tipi di luce, normalmente pensa alla luce dura e morbida.
In questo video abbattere il suo ritratto di nuotatore Michael Phelps, Gregorio Heisler rompe illuminazione in un modo diverso:
C’è un tipo di illuminazione che si fa per simulare l’illuminazione ambiente situazione così sembra che la luce proveniente da una lampada o la luce proveniente da una piscina. E c’è un altro tipo di illuminazione che si fa perché sembra fresco e chi se ne frega?
Quell’idea ha trasformato il mio approccio all’illuminazione in testa. Mi sono reso conto che puoi usare la luce artificiale per emulare qualsiasi tipo di condizione di luce naturale, dal sole al tramonto alla luce che rimbalza sull’acqua della piscina.
#9. Herb Ritts: La luce naturale può essere perfetta, ma il tuo tempismo conta
Un errore comune che i principianti fanno è assumere che tutta la luce naturale sia la stessa. Tuttavia, la luce alle 9 del mattino è molto diversa dalla luce alle 12 del pomeriggio a causa dell’angolo del sole. Quando il sole si abbassa, la luce diventa più calda e più lusinghiera. Quindi il tuo tempismo conta alla grande.
Herb Ritts è meglio conosciuto per il suo uso di golden hour light. Tuttavia, Herb non ha sparato solo nell’ora d’oro. Poteva rendere bella anche la dura luce di mezzogiorno pescando attentamente i volti del suo soggetto.
Puoi farlo osservando l’ombra proiettata dal naso del tuo soggetto. Quando l’ombra del naso è breve, sei generalmente in buona luce!
#10. Steve McCurry: Aperto ombra di illuminazione Funziona solo
Ho ammirato il ritratto di Steve McCurry fin da quando ero un ragazzino che leggeva National Geographic in biblioteca.
Ora, non puoi copiare il lavoro di Steve. Ma puoi copiare la sua tecnica di luce naturale. La maggior parte dei ritratti di Steve McCurry, tra cui l’iconico ritratto della “ragazza afghana”, sono stati creati utilizzando l’illuminazione a tonalità aperta.
L’ombra aperta è una tecnica di luce naturale in cui si posiziona il soggetto in un modo così:
1. La luce solare dall’alto è bloccata e
2. La luce solare rimbalzata riempie il volto del soggetto
Ecco il mio schema di illuminazione a tonalità aperta:
La tonalità aperta elimina le ombre poco lusinghiere create dalla luce superiore, quindi il viso è illuminato con luce morbida e uniforme. E meglio di tutti, è possibile utilizzarlo per quasi tutti.
#11. Dean Collins: L’illuminazione è tutto sulle basi (anche le cose avanzate!)
Dean Collins è stato forse il più efficace educatore di illuminazione della storia. Ho speso circa 250 dollari per i suoi DVD. Ed è stato il miglior dannato denaro che abbia mai speso per la mia educazione fotografica. Era un mago tecnico che poteva parlare in un inglese semplice. E, ha fatto dannatamente buone foto.
Dean mi ha mostrato che padroneggiare solo alcuni concetti di base (come il controllo delle dimensioni della sorgente luminosa) mi avrebbe permesso di creare le immagini che ho visto nella mia testa — anche se non avevo l’attrezzatura più recente e più grande.
E nei suoi video didattici, Dean non ha usato alcun modificatore di luce di fantasia. Ha letteralmente bloccato il tessuto a un tubo in PVC e ha fatto tutti i tipi di luce con esso con uno strobo.
Questa è stata la mia ispirazione per l’utilizzo di un panno di diffusione sui miei scatti di posizione invece di ombrelli e softbox. Non è così sexy, ma funziona.
#12. Greg Gorman: Ombre e Mistero Sono Importanti
Greg ha detto una volta, “per me, la fotografia è più successo quando non di rispondere a tutte le domande, e lascia qualcosa a desiderare.”
Come ho notato prima, ai ritrattisti principianti viene spesso insegnato a evitare la luce dura e, di conseguenza, l’ombra.
Le ombre sono più potenti di quanto tu possa immaginare. Aggiungono mistero, 3-dimensionalità e un senso del tempo e del luogo ai tuoi ritratti. Tutti questi fattori invitano alla curiosità, che è un fattore chiave nel rendere le immagini prendono vita.
E uno dei motivi per cui amo i ritratti di Greg Gorman è il suo bellissimo uso delle ombre profonde, in particolare nelle sue campagne pubblicitarie rivoluzionarie per l.a. Eyeworks.
In effetti, i suoi ritratti degli anni ’80 e ’90 si sentono ancora freschi, perché ha contrastato la tendenza di usare la luce noiosa e piatta.
Penso che sia perché le ombre ti tirano dentro e ti fanno pensare di più a quello che sta succedendo nella foto.
#13. Annie Leibovitz: Fotografa la tua famiglia (o qualsiasi famiglia che incontri!)
Sono rimasto deluso dalla MasterClass di Annie Leibovitz, ma una cosa mi è rimasta impressa: la sua passione per la fotografia di famiglia. E se leggi il suo incredibile libro Al lavoro, vedi che alcuni dei suoi migliori ritratti sono quelli dei suoi familiari.
Infatti, il ritratto di Annie di sua figlia Sarah Cameron Leibovitz è una delle più belle immagini di un bambino che abbia mai visto.
Man mano che acquisisci più esperienza come fotografo di ritratti, scoprirai che apprezzi le foto di famiglia più di ogni altra cosa, anche se appartengono alla famiglia di qualcun altro.
L’esperienza più gratificante del mio viaggio di fotografia di ritratto è stata fotografare un neonato nel suo primo giorno di casa.
Provalo — ti piacerà.
#14. David Bailey: Fuori con le loro teste! (Beh, parte di loro)
David Bailey è tra i più grandi fotografi di ritratti e di moda ad essere uscito dal Regno Unito.L’ho sempre considerato un Avedon quasi punk rock.
E Bailey mi ha insegnato una semplice lezione sulla composizione: non aver paura di tagliare la testa di qualcuno.
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Se studi il lavoro di David, in particolare i suoi colpi alla testa stretti e le sue foto di bellezza, vedrai che a volte taglia la parte superiore della testa del suo soggetto.
È una tecnica di composizione efficace per due semplici motivi. Innanzitutto, è insolito. Pochi fotografi lo fanno.
E in secondo luogo, aggiunge una sensazione di vicinanza e intimità. Se sei così vicino a qualcuno che non puoi vedere sopra le loro teste, sei nel loro spazio personale.
È interessante notare che David una volta ha detto “Non mi interessa la composizione o qualcosa del genere. Voglio solo l’emozione della persona nella foto a venire attraverso.”
Quindi è divertente che ottenga le emozioni che cerca attraverso questa semplice tecnica compositiva!
#15. Mary Ellen Mark: Un tocco morbido può essere il più potente
Sono solo interessato alle persone ai bordi. Sento un’affinità per le persone che non hanno avuto le migliori pause nella società. Quello che voglio fare più di ogni altra cosa è riconoscere la loro esistenza.
ho sempre ammirato la fine Mary Ellen Mark, il documentario ritratti. Maria si distingue per il suo tocco delicato ma intenso. La maggior parte dei fotografi di ritratti non può guidare una linea così delicata, eppure lo ha fatto in modo coerente.
Hai la sensazione che i suoi sudditi, anche sconosciuti, avessero completa fiducia in lei. E anche se non posso saperlo con certezza, questo è probabilmente il risultato della sua natura gentile e amichevole, così come il suo occhio per la selezione dei soggetti. Sembra che abbia deliberato persone che avevano un’aura di vulnerabilità. E, soprattutto, li ha fotografati con rispetto e dignità.
La tragedia crea fotografie interessanti. Basta tenere a mente che la tragedia si fotografia è la realtà di qualcun altro — qualcosa che ho dimenticato prima.
#16. Frank W. Ockenfels III: Non dimenticare di giocare!
Frank Ockenfels è uno dei migliori fotografi commerciali editoriali al mondo. È forse più conosciuto in questi giorni per i suoi iconici poster di film e TV. Ha creato immagini per tutto, da Breaking Bad a Mad Men a Daredevil a Thor a Men in Black 3 a… ottieni il punto.
Ma ciò che è veramente incredibile di Frank è il suo senso del gioco. Scorrere il suo Instagram, e vedrete uno scienziato pazzo al lavoro, giocando con tutti i tipi di film, macchine fotografiche, colore, tecniche di illuminazione, e anche collage e tecnica mista. E non ho mai visto una così vasta gamma di fotografia sperimentale ancora sentire come se fosse parte di un corpo coeso.
Mi ha insegnato a provare cose nuove per la ragione più importante di tutte — per vedere cosa succede.
#17. Matteo Rolson: Aggiungere un Po ‘ di Colore Nero & Bianco
Insieme con la Herb Ritts e Greg Gorman, ricoperto in precedenza in questo articolo, Matthew Rolston è uno dei 3 Re di California Fotografia di Ritratto.
Adoro i classici ritratti di celebrità di Matthew del 1980 e del 1990 nero & bianco, che spesso tonica caldo o freddo.
Un bianco e nero tonica ti fa fermare e guardare solo un po ‘ di più, soprattutto perché sono così fuori moda.
Tuttavia, se c’è una cosa che amo fare, è fare l’opposto delle tendenze popolari della fotografia di ritratto!
#18. Diane Arbus: Sii coraggioso quando scegli i tuoi soggetti di ritratto
Non sono davvero influenzato da Diane Arbus (almeno non direttamente — è stata una grande influenza su Richard Avedon, che è la mia ispirazione #1). Ma ho amato il suo coraggio come fotografo, soprattutto quando si trattava di suoi ritratti di strada. Diane era molto attratta dagli oppressi, e il suo lavoro ha una sensazione triste e comprensiva.
I miei ritratti di strada sono sempre stati al sicuro, sfortunatamente. Vorrei essere piu ‘come Diane Arbus, e un po’ piu ‘ coraggiosa nella scelta dei miei soggetti.
#19. Max Vadukul: Ottieni l’immaginazione del tuo soggetto
Amo il ritratto e il lavoro di moda di Max Vaduku così tanto che ho chiamato a Jedi Mind Trick dopo di lui: “Il Vadukul.”
In questo classico video dello show House of Style di MTV, Max mi ha insegnato che è fondamentale ottenere l’immaginazione del soggetto facendo domande interessanti (e talvolta ridicole).
Non aspettarti che la gente schiaffeggi le espressioni facciali come le maschere. Fagli sentire qualcosa. Dopotutto, il modo migliore per far sorridere qualcuno è farli ridere.
Quando l’immaginazione del tuo soggetto è selvaggia, si animeranno in un modo naturale che non può essere simulato.
#20. Arnold Newman: Sii grafico with con il tuo sfondo!
Arnold Newman aveva molti doni come fotografo ritrattista. Ma ciò che mi ha colpito è stata la sua capacità di collocare i suoi soggetti in sfondi grafici complessi, senza farlo sentire forzato.
Newman fu fortemente influenzato dal pittore olandese Piet Mondrian, che aveva un modo insolito, quasi matematico di comporre dipinti astratti. Sembravano quasi puzzle con cura artigianale. I ritratti di Newman hanno avuto lo stesso effetto. Si sentivano un po ‘ insoliti, ma in qualche modo perfettamente logico
#21. Phil Borges: Il vostro Studio Può Essere Ovunque sul Pianeta Terra
Phil Borges è un documentario ritratto fotografo specializzato in indigeni e tribali culture. Ma Phil non e ‘ un fotografo qualunque.
In realtà portava una configurazione di illuminazione completa in modo da poter creare illuminazione in stile studio in qualsiasi parte del mondo, in particolare il Tibet.
Passando attraverso la fatica di trasportare apparecchi di illuminazione sul campo, è stato in grado di catturare ritratti veramente unici nel loro genere. E Phil è una delle principali ispirazioni dietro un progetto di ritratto a cui sto lavorando, dove creerò studi per le strade di New York City.
Circa l’autore: Michael Comeau è l’editore di OnPortraits.com, una comunità on-line tutta nuova dedicata a semplice, fotografia di ritratto classica. Clicca qui per maggiori informazioni. Le opinioni espresse in questo articolo sono esclusivamente quelle dell’autore. Questo articolo è stato pubblicato anche qui.