Mon éducation en photographie de portrait ne s’est pas faite dans une salle de classe, une bibliothèque ou un atelier. La plupart de ce que j’ai appris est venu d’étudier le travail de mes héros, d’essayer de comprendre pourquoi j’aimais leurs photos, puis de leur donner ma propre tournure.
En fait, je peux voir que mon style de portrait est issu d’un cycle sans fin de:
1. Essayer de copier de grands photographes comme Albert Watson et Richard Avedon.
2. Échouer lamentablement, mais apprendre quelque chose dans le processus.
Et dans cet article, je vais vous donner 21 conseils, techniques, astuces et hacks que j’ai pris auprès de 21 d’entre eux — des hommes et des femmes que je considère comme les plus grands photographes de portrait de tous les temps.
J’ai illustré ces points à travers un mélange de vidéos, de publications Instagram et de mes propres photos.
Vous l’avez ? Bien ?
Sautons dans:
#1. Richard Avedon: Tous les Portraits Disent la Vérité And Et Mentent
Le grand Richard Avedon a dit une fois ceci :
Un portrait n’est pas une ressemblance. Au moment où une émotion ou un fait se transforme en photographie, ce n’est plus un fait mais une opinion. Il n’y a pas d’inexactitude dans une photographie. Toutes les photographies sont exactes. Aucun d’eux n’est la vérité.
C’est peut-être la déclaration la plus vraie jamais faite sur la photographie de portrait.
Nous aimerions penser qu’un portrait dit vraiment la vérité sur le sujet. Mais au mieux, nous ne pouvons nous attendre qu’à un seul côté d’une personne.
Vous ne pouvez pas capturer toute l’essence d’une personne en 1 / 250e de seconde — surtout parce que les gens jouent toujours pour la caméra.
Avedon lui-même a dit:
Nous effectuons tous. C’est ce que nous faisons l’un pour l’autre tout le temps, délibérément ou involontairement. C’est une façon de parler de nous-mêmes dans l’espoir d’être reconnus comme ce que nous aimerions être.
Pensez simplement à Instagram. Combien de personnes sont vraiment heureuses et joyeuses? Et combien jouent juste pour vous?
#2. Irving Penn: Ne faites pas un « Bon » Portrait, Faites un Portrait « Efficace »
Je déteste utiliser des mots comme bon ou mauvais pour décrire des portraits.
Je préfère le mot « efficace” — comme je l’explique dans cette vidéo:
Irving Penn a dit un jour:
Une bonne photographie est celle qui communique un fait, touche le cœur, laisse au spectateur une personne changée pour l’avoir vue. C’est, en un mot, efficace.
Je mesure la qualité d’un portrait par ce que je ressens quand je le regarde. Est-ce que je veux en savoir plus sur la personne sur la photo? Si oui, c’est un portrait efficace pour moi.
#3. Jean-Pierre: Votre Appareil Photo Est un Passeport
J’ai entendu une fois Joe parler en direct et il a dit quelque chose du genre « votre appareil photo est un passeport pour l’aventure. » Et cela m’a vraiment marqué.
Maintenant, les aventures de Joe impliquaient de tourner de grandes missions partout dans le monde pour National Geographic et LIFE. Les miens étaient un peu plus apprivoisés.
J’ai tourné des événements d’arts martiaux (la photo ci-dessus provient des coulisses d’un événement de kickboxing) et des pratiques. Je mettais des annonces sur Craigslist et invitais des gens chez moi pour des portraits. Et j’ai transformé toutes mes vacances en aventures photo.
#4. Martin Schoeller : La cohérence attire l’attention
Martin Schoeller est un photographe de portrait éditorial et commercial de premier plan.
Et bien qu’il ait un travail diversifié, il est connu pour ses tirs à la tête serrés et intenses:
J’ai assisté une fois à une conférence avec Martin et j’ai appris que ses photos de tête sont en fait inspirées par les photographes allemands Bernd et Hilla Becher. Fait intéressant, les Bechers ont photographié les châteaux d’eau de la même manière cohérente.
Lorsque vous avez un travail cohérent, il est plus facile de vous faire un nom et de faire savoir aux gens ce que vous faites. Cette cohérence vous donne une excellente plate-forme à partir de laquelle construire. Et c’est l’une des raisons pour lesquelles je remplis mon flux Instagram de portraits aux tons sépia.
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#5. Kurt Markus: Utilisez une Vitesse d’obturation Lente pour un Look de rêve
J’aime généralement que mes portraits soient nets. Mais parfois, j’aime quelque chose d’un peu plus doux et de plus rêveur. Je vais donc réduire ma vitesse d’obturation à 1 / 10ème de seconde, voire plus lentement.
C’est quelque chose que j’ai pris de plusieurs photographes dont Sante D’Orazio, Paolo Roversi, mais surtout, Kurt Markus, originaire du Montana. Kurt est célèbre pour ses portraits éthérés en noir et blanc de cow-boys et de mannequins.
En recherchant le travail de Kurt, je suis tombé sur une excellente interview avec un éditeur de photos dans laquelle il disait ceci:
Je ne retouche pas. Je n’essaie pas de manipuler l’image en quelque chose que j’aime par la suite. 6×7 est un médium très indulgent. Film noir et blanc, ces objectifs, une vitesse d’obturation lente. Je vais photographier des femmes et beaucoup de temps, elles ont l’air impeccables, mais réelles.
Et alors que j’avais expérimenté des vitesses d’obturation lentes dans le passé, j’en fais maintenant une pratique régulière. C’est un bon départ de mon accent typique sur la réalité et la clarté.
#6. Zack Arias: Mettez la Tête Dans un Endroit Propre
La classe CreativeLive de Zack Arias « Foundations of a Working Photographer” avait un énorme impact sur le travail de Michael Comeau impact sur moi quand je commençais. Zack m’a appris d’innombrables concepts importants sur l’éclairage, l’interaction avec le sujet et les affaires.
Mais la chose la plus importante que j’ai apprise était « la tête dans un endroit propre. »Comme dans, essayez de composer vos photos de manière à ce que la tête soit dégagée. J’utilise cette idée à chaque tournage.
#7. Albert Watson : Ne Craignez Pas La Lumière Dure!
Quand j’étais portraitiste débutant, j’avais une attitude enfantine envers la lumière. Je pensais que la lumière douce était bonne et que la lumière dure était mauvaise. Pourquoi? Parce que c’est ce que tous les blogueurs et instructeurs que j’ai suivis ont dit.
Tout devait être éclairé avec un grand parapluie ou une boîte à lumière. Mais quand j’ai découvert le livre révolutionnaire d’Albert Watson, Cyclope, mon point de vue a basculé. J’ai vu que la lumière dure pouvait être dure et belle à la fois.
J’ai donc commencé à expérimenter avec des flashs nus, des grilles, des snoots et de la bonne vieille lumière directe du soleil. Et maintenant, j’utilise un mélange de lumière douce et dure sur presque toutes mes pousses.
Plus important encore, Albert m’a appris à remettre en question tous les conseils qu’on me donnait sur la photographie de portrait. Et mon attitude est d’écouter ce que les gens me disent, mais de tester pour moi-même pour voir ce que j’aime vraiment.
#8. Jean-Pierre Bouvier: Il existe Essentiellement Deux Types de Lumière
Lorsque je pense aux types de lumière, je normalement pensez à la lumière dure et douce.
Dans cette vidéo présentant son portrait du nageur Michael Phelps, Gregory Heisler décompose l’éclairage d’une manière différente:
Il existe un type d’éclairage que vous faites pour simuler la situation d’éclairage ambiant afin qu’il ressemble à la lumière provenant d’une lampe ou à la lumière provenant d’une piscine. Et il y a un autre type d’éclairage que vous faites parce qu’il a l’air cool et qui s’en soucie?
Cette idée a bouleversé mon approche de l’éclairage. J’ai réalisé que vous pouvez utiliser la lumière artificielle pour imiter tout type de condition de lumière naturelle — du soleil couchant à la lumière qui rebondit sur l’eau de la piscine.
#9. Pierre Ritts: La lumière naturelle Peut Être Parfaite, mais Votre Timing Compte
Une erreur commune des débutants est de supposer que toute la lumière naturelle est la même. Cependant, la lumière à 9 heures du matin est très différente de la lumière à 12 heures en raison de l’angle du soleil. À mesure que le soleil baisse, la lumière devient plus chaude et plus flatteuse. Donc, votre timing compte beaucoup.
Herb Ritts est surtout connu pour son utilisation de la lumière des heures dorées. Cependant, Herb n’a pas seulement tourné à l’heure d’or. Il pouvait rendre belle la lumière de midi même dure en coupant soigneusement les visages de son sujet.
Vous pouvez le faire en observant l’ombre projetée par le nez de votre sujet. Lorsque l’ombre du nez est courte, vous êtes généralement sous une très bonne lumière!
#10. Steve McCurry: L’éclairage d’ombre ouverte Fonctionne juste
J’admire le travail de portrait de Steve McCurry depuis que je lis le National Geographic dans la bibliothèque.
Maintenant, vous ne pouvez pas copier le travail de Steve. Mais vous pouvez copier sa technique de lumière naturelle. La plupart des portraits de Steve McCurry — y compris le portrait emblématique de la « Fille afghane » — ont été créés à l’aide d’un éclairage à l’ombre ouverte.
L’ombre ouverte est une technique de lumière naturelle dans laquelle vous positionnez le sujet de manière à:
1. La lumière du soleil d’en haut est bloquée, et
2. La lumière du soleil rebondie remplit le visage du sujet
Voici mon diagramme d’éclairage à ombre ouverte:
L’ombre ouverte élimine les ombres peu flatteuses créées par la lumière supérieure, de sorte que le visage est éclairé avec une lumière douce et uniforme. Et le meilleur de tous, vous pouvez l’utiliser pour à peu près tout le monde.
#11. Dean Collins: L’Éclairage Est Tout Au Sujet Des Bases (Même Les Choses Avancées!)
Dean Collins était peut-être l’éducateur d’éclairage le plus efficace de l’histoire. J’ai dépensé environ 250 $ pour ses DVD. Et c’était le meilleur argent que j’ai jamais dépensé pour mes études de photographie. C’était un assistant technique qui pouvait parler en anglais clair. Et il a fait de très bonnes photos.
Dean m’a montré que la maîtrise de quelques concepts de base (comme le contrôle de la taille de la source lumineuse) me permettrait de créer les images que je voyais dans ma tête — même si je n’avais pas le matériel le plus récent et le plus performant.
Et dans ses vidéos pédagogiques, Dean n’utilisait aucun modificateur de lumière de fantaisie. Il a littéralement serré le tissu sur un tuyau en PVC et a fait toutes sortes de lumière avec un stroboscope.
C’est ce qui m’a inspiré d’utiliser un tissu de diffusion sur mes prises de vues au lieu de parapluies et de boîtes à lumière. Ce n’est pas aussi sexy, mais ça marche.
#12. Greg Gorman: L’ombre et le mystère Sont importants
Greg a dit un jour: « pour moi, une photographie est plus réussie quand elle ne répond pas à toutes les questions , et il laisse quelque chose à désirer. »
Comme je l’ai déjà noté, les photographes portraitistes débutants apprennent souvent à éviter la lumière dure et, par conséquent, l’ombre.
Les ombres sont plus puissantes que vous ne l’imaginez. Ils ajoutent du mystère, de la tridimensionnalité et un sens du temps et du lieu à vos portraits. Tous ces facteurs invitent à la curiosité, ce qui est un facteur clé pour donner vie à vos photos.
Et l’une des raisons pour lesquelles j’aime les portraits de Greg Gorman est sa belle utilisation des ombres profondes, notamment dans ses campagnes publicitaires révolutionnaires pour l.a. Eyeworks.
En fait, ses portraits des années 80 et 90 sont toujours frais, car il a résisté à la tendance d’utiliser une lumière plate et ennuyeuse.
Je pense que c’est parce que les ombres vous attirent et vous font réfléchir davantage sur ce qui se passe dans l’image.
#13. Annie Leibovitz : Photographiez Votre Famille (ou Toute Famille Que Vous Croisez!)
J’ai été déçu par la MasterClass d’Annie Leibovitz, mais une chose m’est restée: à quel point elle est passionnée par la photographie de famille. Et si vous lisez son livre incroyable Au travail, vous voyez que certains de ses meilleurs portraits sont ceux des membres de sa famille.
En fait, le portrait d’Annie de sa fille Sarah Cameron Leibovitz est l’une des plus belles images d’enfant que j’aie jamais vues.
Au fur et à mesure que vous acquérez de l’expérience en tant que photographe portraitiste, vous constaterez que vous accordez plus d’importance aux photos de famille qu’à toute autre chose, même si elles appartiennent à la famille de quelqu’un d’autre.
L’expérience la plus enrichissante de mon propre voyage en photographie de portrait a été de photographier un nouveau-né le premier jour de son retour à la maison.
Essayez—le – vous allez adorer.
#14. David Bailey : Partez Avec Leurs Têtes ! (Enfin, une partie d’entre eux)
David Bailey est parmi les plus grands photographes de portrait et de mode à être sortis du Royaume-Uni. Je l’ai toujours considéré comme un Avedon presque punk rock.
Et Bailey m’a donné une leçon simple sur la composition: n’ayez pas peur de couper la tête de quelqu’un.
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Si vous étudiez le travail de David, en particulier ses headshots serrés et ses photos de beauté, vous verrez qu’il coupe parfois le haut de la tête de son sujet.
C’est une technique de composition efficace pour deux raisons simples. D’abord, c’est inhabituel. Peu de photographes le font.
Et deuxièmement, cela ajoute un sentiment de proximité et d’intimité. Si vous vous tenez si près de quelqu’un que vous ne pouvez pas voir au-dessus de sa tête, vous êtes dans son espace personnel.
Fait intéressant, David a dit un jour: « Je ne me soucie pas de la composition ou de quelque chose comme ça. Je veux juste que l’émotion de la personne sur la photo se manifeste. »
C’est donc drôle qu’il obtienne les émotions qu’il recherche grâce à cette technique de composition simple !
#15. Mary Ellen Mark: Un Toucher Doux Peut Être le Plus Puissant
Je m’intéresse juste aux gens sur les bords. Je ressens une affinité pour les gens qui n’ont pas eu les meilleures pauses de la société. Ce que je veux faire plus que tout, c’est reconnaître leur existence.
J’admire depuis longtemps les portraits documentaires de feu Mary Ellen Mark. Marie se distingue par son toucher doux mais intense. La plupart des photographes de portrait ne peuvent pas chevaucher une ligne aussi délicate, mais elle l’a fait de manière cohérente.
On a l’impression que ses sujets, même de parfaits inconnus, avaient une confiance totale en elle. Et bien que je ne sache pas avec certitude, c’est probablement le résultat de sa nature aimable et amicale, ainsi que de son œil pour la sélection des sujets. On dirait qu’elle a délibéré sur des gens qui avaient une aura de vulnérabilité. Et surtout, elle les a photographiés avec respect et dignité.
La tragédie fait des photographies intéressantes. Gardez simplement à l’esprit que la tragédie que vous photographiez est la réalité de quelqu’un d’autre — quelque chose que j’ai oublié auparavant.
#16. Frank W. Ockenfels III : N’oubliez pas de jouer!
Frank Ockenfels est l’un des meilleurs photographes commerciaux éditoriaux au monde. Il est peut-être mieux connu de nos jours pour ses affiches de cinéma et de télévision emblématiques. Il a créé des images pour tout, de Breaking Bad à Mad Men en passant par Daredevil, Thor, Men in Black 3 et you vous comprenez.
Mais ce qui est vraiment incroyable chez Frank, c’est son sens du jeu. Parcourez son Instagram et vous verrez un scientifique fou au travail, jouant avec toutes sortes de films, de caméras, de couleurs, de techniques d’éclairage et même de collages et de techniques mixtes. Et je n’ai jamais vu un si large éventail de photographies expérimentales avoir l’impression de faire partie d’un corps cohérent.
Il m’a appris à essayer de nouvelles choses pour la raison la plus importante de toutes : voir ce qui se passe.
#17. Matthew Rolson: Ajoutez de la couleur à Votre Noir &Blanc
Avec de l’herbe Ritts et Greg Gorman, abordés plus tôt dans cet article, Matthew Rolston est l’un des 3 Rois de la photographie de portrait en Californie.
J’adore les portraits classiques de célébrités noires des années 1980 et 1990 de Matthew&, qu’il tonifiait souvent chauds ou froids.
Un noir et blanc tonique vous fait vous arrêter et regarder un peu plus longtemps, surtout parce qu’ils sont tellement démodés.
Cependant, s’il y a une chose que j’aime faire, c’est de faire le contraire des tendances populaires de la photographie de portrait!
#18. Jean-Baptiste: Soyez Courageux Lorsque Vous Choisissez vos Sujets de portrait
Je ne suis pas vraiment influencée par Diane Arbus (du moins pas directement — elle a eu une grande influence sur Richard Avedon, qui est mon inspiration #1). Mais j’ai adoré son audace de photographe, surtout quand il s’agissait de ses portraits de rue. Diane était très attirée par les opprimés, et son travail a un sentiment triste et sympathique.
Mes portraits de rue ont toujours été du bon côté, malheureusement. J’aimerais être plus comme Diane Arbus, et un peu plus courageuse dans le choix de mes sujets.
#19. Max Vadukul: Faites tourner l’Imagination de votre Sujet
J’aime tellement le portrait et le travail de mode de Max Vaduku que j’ai nommé un Truc Mental Jedi d’après lui: « Le Vadukul. »
Dans cette vidéo classique de l’émission House of Style de MTV, Max m’a appris qu’il est essentiel d’avoir l’imagination de votre sujet en posant des questions intéressantes (et parfois ridicules).
Ne vous attendez pas à ce que les gens giflent des expressions faciales comme des masques. Faites-leur sentir quelque chose. Après tout, la meilleure façon de faire sourire quelqu’un est de le faire rire.
Lorsque l’imagination de votre sujet se déchaîne, ils s’animent d’une manière naturelle qui ne peut tout simplement pas être truquée.
#20. Arnold Newman : Soyez Graphique… avec Votre Arrière-plan!
Arnold Newman avait de nombreux cadeaux en tant que photographe de portrait. Mais ce qui me ressort, c’est sa capacité à placer ses sujets dans des arrière-plans graphiques complexes, sans le forcer.
Newman a été fortement influencé par le peintre néerlandais Piet Mondrian, qui avait une manière décalée, presque mathématique de composer des peintures abstraites. Ils ressemblaient presque à des puzzles soigneusement conçus. Les portraits de Newman ont eu le même effet. Ils se sentaient un peu décalés, mais en quelque sorte parfaitement logiques
#21. Jean-Pierre: Votre Studio Peut Être N’Importe Où sur la Planète Terre
Phil Borges est un photographe de portrait documentaire spécialisé dans les cultures autochtones et tribales. Mais Phil n’est pas votre photographe ordinaire.
Il avait en fait une configuration d’éclairage complète pour pouvoir créer un éclairage de style studio partout dans le monde, notamment au Tibet.
En prenant la peine de transporter du matériel d’éclairage sur le terrain, il a pu capturer des portraits vraiment uniques en leur genre. Et Phil est l’une des principales inspirations d’un projet de portrait sur lequel je travaille, où je vais créer des studios dans les rues de New York.
À propos de l’auteur : Michael Comeau est le rédacteur en chef de OnPortraits.com , une toute nouvelle communauté en ligne dédiée à la photographie de portrait simple et classique. Cliquez ici pour plus d’informations. Les opinions exprimées dans cet article sont uniquement celles de l’auteur. Cet article a également été publié ici.