Autres œuvres pour orchestre
En 1925, Gershwin fut chargé par la Symphony Society of New York d’écrire un concerto, ce qui incita le compositeur à commenter: « Cela montrait une grande confiance de leur part car je n’avais jamais rien écrit pour symphonie auparavant… J’ai commencé à écrire le concerto à Londres, après avoir acheté quatre ou cinq livres sur la structure musicale pour savoir quelle était réellement la forme du concerto! » L’œuvre résultante, Concerto en fa (1925), était la composition la plus longue de Gershwin et était divisée en trois mouvements de concerto traditionnels. Le premier mouvement suit vaguement une structure sonate d’exposition, de développement et de récapitulation, et il s’approprie des thèmes et des rythmes du populaire « Charleston.”Le deuxième mouvement – la « marque de talent « , selon le chef d’orchestre Walter Damrosch, qui a dirigé la première représentation de l’œuvre — est une adaptation lente et méditative des progressions du blues, et le troisième mouvement — « une orgie de rythmes”, selon Gershwin — introduit de nouveaux thèmes et revient, comme un rondo, aux thèmes du premier. Bien que moins bien reçu à l’époque que Rhapsody in Blue, le Concerto en fa finit par être considéré comme l’une des œuvres les plus importantes de Gershwin ainsi que peut-être le concerto pour piano américain le plus populaire.
An American in Paris (1928), la deuxième composition orchestrale la plus célèbre de Gershwin, a été inspirée par les voyages du compositeur à Paris tout au long des années 1920. Son intention déclarée avec l’œuvre était de « représenter les impressions d’un visiteur américain à Paris alors qu’il se promène dans la ville, écoute divers bruits de rue et absorbe l’atmosphère française”; à cette fin, Gershwin a incorporé de telles touches de vraisemblance comme de véritables klaxons de taxi français. C’est peut-être cette pièce qui représente le mieux l’emploi par Gershwin de formes jazz et classiques. La structure harmonique d’un Américain à Paris est ancrée dans les traditions du blues (en particulier la section centrale du « Blues du mal du pays”), et les solistes sont souvent tenus de plier, de glisser et de grogner certaines notes et certains passages, dans le style des musiciens de jazz des années 1920. Les mélodies qui sont répétées et embellies tout au long de l’œuvre ne sont cependant jamais sujettes à altération — l’antithèse de la philosophie du jazz qui considère la mélodie comme un simple contour lâche pour une décoration imaginative. Avec ses rythmes variés et sa structure libre (« Cinq sections réunies plus ou moins par intuition », selon un critique), An American in Paris semblait plus ballétique que symphonique et, en effet, la pièce a acquis sa renommée la plus durable 23 ans après sa création, lorsqu’elle a été utilisée par Gene Kelly pour la séquence de ballet de clôture du film musical classique éponyme en 1951.
Les autres compositions orchestrales majeures de Gershwin ont gagné en stature et en popularité au fil des ans. Sa deuxième Rhapsodie (1931) a commencé sa vie sous les titres de travail « Manhattan Rhapsody” et « Rhapsody in Rivets” et a été présentée, sous une forme embryonnaire, comme musique de scène dans le film Delicious (1931). Peut-être la plus expérimentale des œuvres majeures de Gershwin, elle a été saluée comme sa composition la plus parfaite en termes de structure et d’orchestration. L’Ouverture cubaine de Gershwin (1932), qu’il déclara inspirée par » deux semaines hystériques à Cuba où on ne dormait pas ”, employait des rythmes de rhumba et des instruments de percussion tels que des claves, des maracas, des tambours bongo et des gourdes, qui étaient généralement inconnus à l’époque aux États-Unis. Il s’agit d’une œuvre fréquemment reprise par les chefs d’orchestre symphoniques, qui trouvent que son ambiance impétueuse et festivalière est une ouverture de concert entraînante.