« Je n’ai rien créé de vraiment beau, de vraiment durable, mais si je peux inspirer l’un de ces jeunes à développer le talent que je sais qu’ils possèdent, alors mon monument sera dans leur travail. » – T. R. Poston, « Augusta Savage « , Metropolitan Magazine, jan. 1935, n.p.
La carrière d’Augusta Savage a été favorisée par le climat de la Renaissance de Harlem. Au cours des années 1930, elle était bien connue à Harlem en tant que sculptrice, professeur d’art et directrice de programme d’art communautaire. Née Augusta Christine Fells à Green Cove Springs, en Floride, le 29 février 1892, elle est la septième des quatorze enfants de Cornelia et Edward Fells. Son père était un pauvre pasteur méthodiste qui s’opposait fortement à l’intérêt précoce de sa fille pour l’art. Mon père me léchait quatre ou cinq fois par semaine ”, se rappela un jour Savage, » et me fouettait presque tout l’art. »
En 1907, Savage épousa John T. Moore, et l’année suivante son unique enfant, Irene, naquit. Moore est décédé plusieurs années après la naissance de leur fille. Vers 1915, l’artiste veuve a épousé James Savage, un menuisier dont elle a conservé le nom de famille après leur divorce au début des années 1920.En 1923, Savage a épousé Robert L. Poston, son troisième et dernier mari, qui était un associé de Marcus Garvey. Poston est décédé en 1924.
Le père de Savage a déménagé sa famille de Green Cove Springs à West Palm Beach, en Floride, en 1915. Le manque d’encouragement de sa famille et la rareté de l’argile locale ont fait que Savage n’a pas sculpté pendant près de quatre ans. En 1919, un potier local lui a donné de l’argile à partir de laquelle elle a modélisé un groupe de figures qu’elle a entrées à la foire du comté de West Palm Beach. Les figurines ont reçu un prix spécial et un ruban d’honneur. Encouragée par son succès, Savage déménage à Jacksonville, en Floride, où elle espère subvenir à ses besoins en sculptant des bustes de portraits de noirs éminents de la communauté. Lorsque ce patronage ne s’est pas matérialisé, Savage a laissé sa fille aux soins de ses parents et a déménagé à New York.
Savage est arrivé à New York avec 4 $.60 ans, a trouvé un emploi de gardien d’appartement et s’est inscrite à la Cooper Union School of Art où elle a terminé le cours de quatre ans en trois ans. Au milieu des années 1920, alors que la Renaissance de Harlem était à son apogée, Savage a vécu et travaillé dans un petit studio où elle a acquis une réputation de sculptrice de portraits, complétant des bustes de personnalités éminentes telles que W. E. B. Du Bois et Marcus Garvey. Savage a été l’un des premiers artistes à traiter systématiquement de la physionomie noire. Son œuvre la plus connue des années 1920 est Gamin, un portrait informel en buste de son neveu, pour lequel elle reçoit une bourse Julius Rosenwald pour étudier à Paris en 1929. Elle y étudie brièvement avec Félix Benneteau à l’Académie de la Grande Chaumière. Elle fait accepter deux œuvres au Salon d’Automne et expose au Grand Palais à Paris. En 1931, Savage remporte une deuxième bourse Rosenwald, ce qui lui permet de rester à Paris pour une année supplémentaire. Elle a également reçu une bourse de la Fondation Carnegie pour huit mois de voyage en France, en Belgique et en Allemagne.
Après son retour à New York en 1932, Savage fonde le Savage Studio of Arts and Crafts et devient une enseignante influente à Harlem. En 1934, elle devient la première Afro-américaine membre de la National Association of Women Painters and Sculptors. En 1937, la carrière de Savage prend un tournant décisif. Elle est nommée première directrice du Centre d’art communautaire de Harlem et est chargée par l’Exposition universelle de New York de 1939 de créer une sculpture symbolisant les contributions musicales des Afro-Américains. Les Negro spirituals et les hymnes étaient les formes que Savage a décidé de symboliser dans La Harpe. Inspirée des paroles du poème Lift Every Voice and Sing de James Weldon Johnson, La Harpe est la plus grande œuvre de Savage et sa dernière commande majeure. Elle a pris un congé de son poste au Centre d’art communautaire de Harlem et a passé près de deux ans à terminer la sculpture de seize pieds. Coulée en plâtre et finie pour ressembler à du basalte noir, La harpe a été exposée dans la cour du bâtiment des Arts contemporains où elle a été très acclamée. La sculpture représentait un groupe de douze chanteurs noirs stylisés en hauteurs graduées qui symbolisaient les cordes de la harpe. La caisse de résonance était formée par la main et le bras de Dieu, et un homme agenouillé tenant de la musique représentait la pédale. Aucun fonds n’était disponible pour lancer la Harpe, et il n’y avait pas d’installations pour l’entreposer. Après la fermeture de la foire, il a été démoli comme tout l’art.
De retour au Centre d’art communautaire de Harlem, Savage a découvert que sa position avait été assumée par quelqu’un d’autre. Cela a déclenché une série de frustrations qui ont pratiquement forcé Savage à mettre fin à sa carrière. Le Centre d’art communautaire de Harlem a fermé ses portes pendant la Seconde Guerre mondiale lorsque les fonds fédéraux ont été coupés. En 1939, Savage tenta de rétablir un centre d’art à Harlem avec l’ouverture du Salon of Contemporary Negro Art. Elle a été fondatrice-directrice de la petite galerie qui était la première du genre à Harlem. Cette entreprise a fermé peu de temps après son ouverture en raison du manque d’argent. Au printemps 1939, Savage organise une petite exposition individuelle aux Galeries Argent à New York.
Déprimée par la perte de son emploi et l’effondrement de ses deux tentatives d’établir des centres d’art, Savage se retire dans la petite ville de Saugerties, dans l’état de New York, dans les montagnes de Catskill en 1945 et rétablit des relations avec sa fille et la famille de sa fille. Bien que sa production artistique ait diminué, elle a trouvé la paix et l’isolement à Saugerties. Savage visita New York à l’occasion, enseigna aux enfants dans des camps d’été locaux et produisit quelques sculptures de portraits de touristes. Au cours de ses années à Saugerties, Savage a également exploré son intérêt pour l’écriture d’histoires pour enfants, de mystères de meurtres et de vignettes, bien qu’aucune n’ait été publiée. En 1962, Savage retourne à New York et vit avec sa fille. Elle est décédée dans une relative obscurité le 26 mars 1962, à la suite d’un long combat contre le cancer.
Savage saisit efficacement l’essence de la personnalité de son sujet dans ce buste diminutif. Coiffé d’une casquette ”be-bop » à large bord, le personnage incline la tête dans la même direction et regarde au-delà de l’observateur avec une expression légèrement maussade de défi typique de l’enfance. La sculpture a été modelée en argile, coulée en plâtre et peinte pour ressembler à la version primée. La facilité de Savage à manipuler le milieu argileux est clairement démontrée dans sa modélisation sensible des traits larges du garçon, des yeux profondément fixés et des oreilles proéminentes. De plus, le col ouvert de sa chemise froissée et sa casquette froissée contribuent à l’informalité et à l’attrait immédiat de la sculpture.
Regenia A. Perry Free within Ourselves: Artistes afro-américains dans la Collection du Musée National d’Art Américain (Washington, D.C.: Musée National d’Art Américain en association avec les Livres d’Art de Grenade, 1992)