Mi educación en fotografía de retratos no ocurrió en un aula, biblioteca o taller. La mayor parte de lo que aprendí vino de estudiar el trabajo de mis héroes, tratando de averiguar por qué me encantaban sus fotos, y luego poniéndoles mi propio toque.De hecho, puedo ver que mi estilo de retrato proviene de un ciclo interminable de:
1. Intentando copiar a grandes fotógrafos como Albert Watson y Richard Avedon.
2. Fracasando miserablemente, pero aprendiendo algo en el proceso.
Y en este artículo, voy a darte 21 consejos, técnicas, trucos y hacks que tomé de 21 de ellos, hombres y mujeres a quienes considero los mejores fotógrafos de retratos de todos los tiempos.
Ilustré estos puntos a través de una mezcla de videos, publicaciones de Instagram y mis propias fotos.
¿lo Tienes? ¿Bien?
Vamos a entrar:
#1. Richard Avedon: Todos los Retratos de Decir la Verdad… Y la Mentira
El gran Richard Avedon una vez dicho esto:
Un retrato no es una semejanza. El momento en que una emoción o un hecho se transforma en una fotografía no es un hecho sino una opinión. No existe la inexactitud en una fotografía. Todas las fotografías son precisas. Ninguna de ellas es la verdad.
Esa puede ser la declaración más verdadera jamás hecha sobre la fotografía de retratos.
Nos gustaría pensar que un retrato realmente dice la verdad sobre el tema. Pero en el mejor de los casos, solo podemos esperar un lado de una persona.
No puedes capturar la esencia completa de una persona en 1/250 de segundo, especialmente porque las personas siempre actúan para la cámara.
Avedon mismo dijo:
todos realizamos. Es lo que hacemos el uno por el otro todo el tiempo, deliberada o involuntariamente. Es una forma de hablar de nosotros mismos con la esperanza de ser reconocidos como lo que nos gustaría ser.
Solo piensa en Instagram. ¿Cuántas personas son genuinamente felices y alegres? ¿Y cuántos están actuando para ti?
# 2. Irving Penn: No hagas un Retrato «Bueno», Haz un Retrato «Efectivo»
Odio usar palabras como bueno o malo para describir retratos.
yo prefiero la palabra «eficaz» — tal y como explico en este vídeo:
Irving Penn dijo una vez::
Una buena fotografía es aquella que comunica un hecho, toca el corazón, deja al espectador una persona cambiada por haberlo visto. Es, en una palabra, eficaz.
Mido la calidad de un retrato por cómo me siento cuando lo miro. ¿Quiero saber más sobre la persona de la foto? Si es así, es un retrato efectivo para mí.
#3. Joe McNally: Tu cámara es un Pasaporte
Una vez escuché a Joe hablar en vivo y dijo algo parecido a «tu cámara es un pasaporte a la aventura.»Y eso realmente se quedó conmigo.
Ahora, las aventuras de Joe implicaban realizar grandes tareas en todo el mundo para National Geographic y LIFE. Los míos eran un poco más mansos.
Rodé eventos de artes marciales (la imagen de arriba es del área de backstage en un evento de kickboxing) y prácticas. Ponía anuncios en Craigslist e invitaba a la gente a mi casa para hacer retratos. Y convertí todas mis vacaciones en aventuras fotográficas.
# 4. Martin Schoeller: La coherencia lleva a la atención
Martin Schoeller es un destacado fotógrafo de retratos editoriales y comerciales.
Y aunque tiene un cuerpo de trabajo diverso, es conocido por sus apretados e intensos disparos a la cabeza:
Una vez asistí a una conferencia con Martin y aprendí que sus fotos en la cabeza están realmente inspiradas en los fotógrafos alemanes Bernd y Hilla Becher. Curiosamente, los Bechers fotografiaron torres de agua de la misma manera consistente.
Cuando tienes un cuerpo de trabajo consistente, es más fácil construir un nombre para ti mismo y dejar que la gente sepa lo que haces. Esa consistencia te da una gran plataforma desde la que construir. Y es una de las razones por las que estoy llenando mi feed de Instagram con retratos en tonos sepia.
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#5. Kurt Markus: Use una velocidad de obturación lenta para un aspecto soñador
Generalmente me gusta que mis retratos sean nítidos. Pero a veces, me gusta algo un poco más suave y soñador. Así que bajaré mi velocidad de obturación a 1/10 de segundo o incluso más lento.
Esto es algo que tomé de varios fotógrafos, incluidos Sante D’Orazio, Paolo Roversi, pero sobre todo, Kurt Markus, nativo de Montana. Kurt es famoso por sus etéreos retratos en blanco y negro de vaqueros y supermodelos.
Al investigar el trabajo de Kurt, me encontré con una gran entrevista con un Editor de fotos en la que dijo esto:
No retoco. No intento manipular la imagen para convertirla en algo que me guste después. 6×7 es un medio muy indulgente. Película en blanco y negro, estas lentes, una velocidad de obturación lenta. Fotografiaré mujeres y muchas veces se ven impecables, pero reales.
Y aunque había experimentado con velocidades de obturación lentas en el pasado, ahora lo hago una práctica regular. Es una buena salida de mi enfoque típico en la realidad y la claridad.
#6. Zack Arias: Poner la Cabeza En un Lugar Limpio
Zack Arias CreativeLive clase de «Fundamentos de un Fotógrafo de Trabajo» ha tenido un gran impacto en mí cuando yo estaba empezando. Zack me enseñó innumerables conceptos importantes sobre iluminación, interacción temática y negocios.
Pero lo más importante que aprendí fue » la cabeza en un lugar limpio.»Como en, trate de componer sus fotos de una manera que la cabeza no esté obstruida. Uso esta idea en cada sesión.
# 7. Albert Watson: ¡No Temas a La Luz Dura!
Cuando era un fotógrafo de retratos principiante, tenía una actitud infantil hacia la luz. Pensé que la luz suave era buena y la luz dura era mala. ¿Por qué? Porque eso es lo que dijeron todos los bloggers e instructores que seguí.
Todo tenía que ser iluminado con un paraguas grande o una softbox. Pero cuando descubrí el innovador libro de Albert Watson, Cyclops, mi punto de vista se revolvió. Vi que la luz dura podía ser dura y hermosa al mismo tiempo.
Así que empecé a experimentar con destellos desnudos, rejillas, snoots y la buena luz solar directa a la antigua. Y ahora uso una mezcla de luz suave y dura en casi todas mis tomas.
Lo más importante es que Albert me enseñó a cuestionar todos los consejos que me daban sobre la fotografía de retratos. Y mi actitud es escuchar lo que la gente me dice, pero probarme para ver lo que realmente me gusta.
# 8. Gregory Heisler: Hay Básicamente Dos Tipos de Luz
Cuando pienso acerca de los tipos de luz, yo normalmente pensamos dura y luz suave.
En este video, desglosando su retrato del nadador Michael Phelps, Gregory Heisler desglosa la iluminación de una manera diferente:
Hay un tipo de iluminación que se hace para simular la situación de iluminación ambiental para que parezca luz proveniente de una lámpara o luz proveniente de una piscina. Y hay otro tipo de iluminación que haces porque se ve genial y a quién le importa?
Esa idea cambió mi enfoque de la iluminación. Me di cuenta de que se puede usar luz artificial para emular cualquier tipo de condición de luz natural, desde el sol poniente hasta la luz que rebota en el agua de la piscina.
# 9. Herb Ritts: La luz natural Puede Ser Perfecta, pero Su Tiempo Importa
Un error común que cometen los principiantes es suponer que toda la luz natural es la misma. Sin embargo, la luz a las 9 am es muy diferente a la luz a las 12 pm debido al ángulo del sol. A medida que el sol se pone más bajo, la luz se vuelve más cálida y favorecedora. Así que el momento es importante.
Herb Ritts es mejor conocido por su uso de la luz de la hora dorada. Sin embargo, Herb no solo filmó en la hora dorada. Podía embellecer incluso la dura luz del mediodía inclinando cuidadosamente las caras de su sujeto.
Puedes hacer esto observando la sombra proyectada por la nariz de tu sujeto. Cuando la sombra de la nariz es corta, ¡generalmente tienes bastante buena luz!
#10. Steve McCurry: La iluminación de sombra abierta Solo funciona
He admirado el trabajo de retratos de Steve McCurry desde que era un niño pequeño leyendo National Geographic en la biblioteca.
Ahora, no puedes copiar el trabajo de Steve. Pero puedes copiar su técnica de luz natural. La mayoría de los retratos de Steve McCurry, incluido el emblemático retrato de «Niña Afgana», se crearon con iluminación de sombra abierta.
Sombra abierta es una técnica de luz natural en la que se posiciona el sujeto de una manera así:
1. La luz solar desde arriba está bloqueada, y
2. La luz solar rebotada llena la cara del sujeto
Aquí está mi diagrama de iluminación de sombra abierta:
La sombra abierta elimina las sombras poco favorecedoras creadas por la luz superior, por lo que la cara se ilumina con una luz suave y uniforme. Y lo mejor de todo, puedes usarlo para casi todos.
#11. Dean Collins: La Iluminación Tiene Que Ver Con lo Básico (¡Incluso Con Lo Avanzado!)
Dean Collins fue quizás el más eficaz de la iluminación de los educadores de la historia. He gastado unos 250 dólares en sus DVDs. Y fue el mejor maldito dinero que he gastado en mi educación fotográfica. Era un mago técnico que podía hablar en un inglés sencillo. E hizo buenas fotos.
Dean me mostró que dominar solo algunos conceptos básicos (como controlar el tamaño de la fuente de luz) me permitiría crear las imágenes que vi en mi cabeza, incluso si no tenía el mejor y más reciente equipo.
Y en sus videos instructivos, Dean no usó ningún modificador de luz elegante. Literalmente sujetó tela a una tubería de PVC e hizo todo tipo de luz con ella con una luz estroboscópica.
Esa fue mi inspiración para usar un paño de difusión en mis tomas de ubicación en lugar de paraguas y cajas suaves. No es tan sexy, pero funciona.
#12. Greg Gorman: la Sombra y el Misterio Son Importantes
Greg dijo una vez: «para mí, la fotografía es más exitosa cuando no responda a todas las preguntas, y deja algo que desear.»
Como señalé antes, a los fotógrafos de retratos principiantes a menudo se les enseña a evitar la luz dura y, como resultado, la sombra.
Las sombras son más poderosas de lo que imaginas. Añaden misterio, tridimensionalidad y un sentido del tiempo y el lugar a tus retratos. Todos estos factores invitan a la curiosidad, que es un factor clave para hacer que sus imágenes cobren vida.
Y una de las razones por las que amo los retratos de Greg Gorman es su hermoso uso de las sombras profundas, sobre todo en sus innovadoras campañas publicitarias para l. a. Eyeworks.
De hecho, sus retratos de los años 80 y 90 todavía se sienten frescos, porque se resistió a la tendencia de usar luz aburrida y plana.
Creo que es porque las sombras te atraen y te hacen pensar más sobre lo que está pasando en la imagen.
#13. Annie Leibovitz: Fotografíe A Su Familia (¡o A Cualquier Familia Que Encuentre!)
Me decepcionó la clase magistral de Annie Leibovitz, pero una cosa se me quedó grabada: lo apasionada que es por la fotografía familiar. Y si lees su increíble libro en el trabajo, ves que algunos de sus mejores retratos son los de los miembros de su familia.
De hecho, el retrato de Annie de su hija Sarah Cameron Leibovitz es una de las imágenes más bellas de una niña que he visto.
A medida que adquiera más experiencia como fotógrafo de retratos, descubrirá que valora las imágenes familiares más que cualquier otra cosa, incluso si son de la familia de otra persona.
La experiencia más gratificante de mi propio viaje de fotografía de retratos fue fotografiar a un bebé recién nacido en su primer día en casa.
Pruébalo, te encantará.
#14. ¡Cortadles La Cabeza! (Bueno, Parte de Ellos)
David Bailey es uno de los mejores fotógrafos de retratos y moda que han salido del Reino Unido.
Y Bailey me enseñó una lección sencilla sobre composición: no tengas miedo de cortarle la cabeza a alguien.
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Si estudias el trabajo de David, en particular sus fotos ajustadas a la cabeza y sus fotos de belleza, verás que a veces corta la parte superior de la cabeza de su sujeto.
Es una técnica de composición efectiva por dos razones simples. Primero, es inusual. Pocos fotógrafos lo hacen.
Y en segundo lugar, añade una sensación de cercanía e intimidad. Si estás de pie tan cerca de alguien que no puedes ver por encima de sus cabezas, estás en su espacio personal.
Curiosamente, David dijo una vez: «No me importa la composición ni nada de eso. Solo quiero que la emoción de la persona en la foto se vea.»
¡Así que es divertido que obtenga las emociones que busca a través de esta simple técnica de composición!
#15. Mary Ellen Mark: Un Toque Suave Puede Ser el Más Poderoso
Solo me interesan las personas en los bordes. Siento afinidad por las personas que no han tenido las mejores oportunidades en la sociedad. Lo que quiero hacer más que nada es reconocer su existencia.
durante mucho tiempo he admirado a finales de la década de Mary Ellen Mark documental retratos. Mary se distingue por su tacto suave pero intenso. La mayoría de los fotógrafos de retratos no pueden montar una línea tan delicada, sin embargo, lo hizo constantemente.
Se tiene la sensación de que sus súbditos, incluso extraños, tenían total confianza en ella. Y aunque no puedo saberlo con certeza, probablemente sea el resultado de su naturaleza amable y amistosa, así como de su ojo para la selección de temas. Parece que era gente deliberada que tenía un aura de vulnerabilidad. Y, lo que es más importante, los fotografió con respeto y dignidad.
La tragedia crea fotografías interesantes. Solo tenga en cuenta que la tragedia que fotografió es la realidad de otra persona, algo que he olvidado antes.
#16. Frank W. Ockenfels III: ¡No te olvides de jugar!
Frank Ockenfels es uno de los mejores fotógrafos comerciales editoriales del mundo. Es quizás más conocido en estos días por sus icónicos carteles de películas y televisión. Ha creado imágenes para todo, desde Breaking Bad hasta Mad Men, Daredevil, Thor, Men in Black 3 y get ya entiendes.
Pero lo realmente increíble de Frank es su sentido del juego. Desplázate por su Instagram y verás a un científico loco trabajando, jugando con todo tipo de películas, cámaras, color, técnicas de iluminación e incluso collages y técnicas mixtas. Y nunca había visto que una gama tan amplia de fotografía experimental siguiera sintiéndose como parte de un cuerpo cohesionado.
Me enseñó a probar cosas nuevas por la razón más importante de todas: ver qué pasa.
#17. Matthew Rolson: Agregue un poco de Color a Su Negro & Blanco
Junto con Herb Ritts y Greg Gorman, cubiertos anteriormente en este artículo, Matthew Rolston es uno de los 3 Reyes de la Fotografía de Retratos de California.
Me encantan los clásicos de Matthew de los años 1980 y 1990 negro & retratos blancos de celebridades, que a menudo tonificaba cálido o fresco.
Un blanco y negro en tonos te hace parar y mirar fijamente un poco más, sobre todo porque están muy pasados de moda.
Sin embargo, si hay una cosa que me encanta hacer, es hacer lo contrario de las tendencias populares de fotografía de retratos.
#18. Diane Arbus: Sé Valiente Al Elegir Tus Sujetos de Retrato
No estoy realmente influenciada por Diane Arbus (al menos no directamente, sin embargo, fue una gran influencia en Richard Avedon, que es mi inspiración #1). Pero me encantaba su audacia como fotógrafa, especialmente cuando se trataba de sus retratos callejeros. Diane se sintió muy atraída por los oprimidos, y su trabajo tiene una sensación triste y comprensiva.
Mis retratos callejeros siempre han estado en el lado seguro, desafortunadamente. Me gustaría ser más como Diane Arbus, y un poco más valiente en la elección de mis temas.
#19. Max Vadukul: Haz volar la Imaginación de tu Sujeto
Amo tanto el retrato y el trabajo de moda de Max Vaduku que nombré un Truco Mental Jedi con su nombre: «El Vadukul.»
En este video clásico del programa House of Style de MTV, Max me enseñó que es vital obtener la imaginación de tu sujeto haciendo preguntas interesantes (y a veces ridículas).
no esperar que la gente palmada en las expresiones faciales como máscaras. Haz que sientan algo. Después de todo, la mejor manera de hacer sonreír a alguien es hacerlos reír.
Cuando la imaginación de tu sujeto se está volviendo loca, cobrará vida de una manera natural que simplemente no se puede falsificar.
#20. Arnold Newman: ¡Sé Gráfico with con Tus Antecedentes!
Arnold Newman había muchos regalos como fotógrafo de retratos. Pero lo que me llamó la atención fue su habilidad para colocar a sus sujetos en fondos gráficos complejos, sin hacer que se sintieran forzados.
Newman fue fuertemente influenciado por el pintor holandés Piet Mondrian, que tenía una forma poco convencional, casi matemática de componer pinturas abstractas. Casi parecían rompecabezas cuidadosamente elaborados. Los retratos de Newman tuvieron el mismo efecto. Se sentían un poco poco convencionales, pero de alguna manera perfectamente lógicos
#21. Phil Borges: Su estudio Puede Estar En Cualquier lugar del Planeta Tierra
Phil Borges es un fotógrafo de retratos documentales especializado en culturas indígenas y tribales. Pero Phil no es el fotógrafo promedio.
En realidad, llevaba una configuración de iluminación completa para poder crear iluminación de estilo de estudio en cualquier parte del mundo, especialmente en el Tíbet.
Al pasar por la molestia de llevar equipos de iluminación en el campo, fue capaz de capturar retratos verdaderamente únicos. Y Phil es una de las principales inspiraciones detrás de un proyecto de retratos en el que estoy trabajando, donde crearé estudios en las calles de la ciudad de Nueva York.
Sobre el autor: Michael Comeau es el Editor de OnPortraits.com, una nueva comunidad en línea dedicada a la fotografía de retratos clásica y sencilla. Haga clic aquí para obtener más información. Las opiniones expresadas en este artículo son únicamente las del autor. Este artículo también fue publicado aquí.