Otras obras para orquesta
En 1925, Gershwin recibió el encargo de la Sociedad Sinfónica de Nueva York de escribir un concierto, lo que llevó al compositor a comentar: «Esto mostró una gran confianza de su parte, ya que nunca había escrito nada para sinfonía antes started Comencé a escribir el concierto en Londres, después de comprar cuatro o cinco libros sobre estructura musical para averiguar cuál era la forma del concierto en realidad. La obra resultante, Concerto in F (1925), fue la composición más larga de Gershwin y se dividió en tres movimientos de concierto tradicionales. El primer movimiento sigue libremente una estructura sonata de exposición, desarrollo y recapitulación, y se apropia de temas y ritmos del popular «Charleston». El segundo movimiento, la «marca de talento de agua alta», según el director Walter Damrosch, quien dirigió la presentación de estreno de la obra, es una adaptación lenta y meditativa de progresiones de blues, y el tercer movimiento,» una orgía de ritmos», según Gershwin, introduce nuevos temas y regresa, al estilo rondó, a los temas del primero. Aunque no fue tan bien recibido en ese momento como la Rapsodia en Azul, el Concierto en Fa finalmente llegó a ser considerado como una de las obras más importantes de Gershwin, así como quizás el concierto para piano estadounidense más popular.
An American in Paris (1928), la segunda composición orquestal más famosa de Gershwin, se inspiró en los viajes del compositor a París a lo largo de la década de 1920. Su intención declarada con la obra era «retratar las impresiones de un visitante estadounidense en París mientras pasea por la ciudad, escucha varios ruidos callejeros y absorbe la atmósfera francesa»; para este propósito, Gershwin incorporó toques de verosimilitud como verdaderas bocinas de taxi francesas. Es esta pieza la que quizás mejor representa el empleo de Gershwin de formas clásicas y de jazz. La estructura armónica de Un estadounidense en París tiene sus raíces en las tradiciones del blues (particularmente en la sección central del «Blues nostálgico»), y los solistas a menudo deben doblar, deslizar y gruñir ciertas notas y pasajes, al estilo de los músicos de jazz de la década de 1920. Las melodías que se repiten y embellecen a lo largo de la obra, sin embargo, nunca están sujetas a alteración, la antítesis de la filosofía del jazz que considera la melodía como un mero contorno suelto para una decoración imaginativa. Con sus variados ritmos y su estructura libre («Cinco secciones unidas más o menos por intuición», según un crítico), Un estadounidense en París parecía más ballético que sinfónico y, de hecho, la pieza ganó su fama más duradera 23 años después de su estreno, cuando fue utilizada por Gene Kelly para la secuencia de ballet de cierre de la clásica película musical del mismo nombre en 1951.
Otras composiciones orquestales importantes de Gershwin han crecido en estatura y popularidad a lo largo de los años. Su segunda Rapsodia (1931) comenzó su vida bajo los títulos provisionales «Manhattan Rhapsody» y «Rhapsody in Rivets» y apareció, en forma embrionaria, como música incidental en la película Delicious (1931). Quizás la más experimental de las principales obras de Gershwin, ha sido elogiada como su composición más perfecta en términos de estructura y orquestación. La Obertura cubana de Gershwin (1932), que según él estaba inspirada en «dos semanas histéricas en Cuba donde no se dormía», empleaba ritmos de rumba e instrumentos de percusión como claves, maracas, tambores de bongó y calabazas, todos los cuales eran generalmente desconocidos en ese momento en los Estados Unidos. Es una obra frecuentemente revivida por directores de orquesta sinfónica, que encuentran su ambiente descarado, similar a un festival, para ser un abridor de conciertos conmovedor.