Other works for orchestra
1925 wurde Gershwin von der Symphony Society of New York beauftragt, ein Konzert zu schreiben, woraufhin der Komponist kommentierte: „Dies zeigte großes Vertrauen von ihrer Seite, da ich noch nie zuvor etwas für Symphony geschrieben hatte… Ich begann das Konzert in London zu schreiben, nachdem ich vier oder fünf Bücher über musikalische Struktur gekauft hatte, um herauszufinden, was die Konzertform tatsächlich war!“ Das resultierende Werk, Concerto in F (1925), war Gershwins längste Komposition und war in drei traditionelle Konzertsätze unterteilt. Der erste Satz folgt lose einer Sonatenstruktur der Exposition, Entwicklung, und Rekapitulation, und es eignet sich Themen und Rhythmen aus dem beliebten „Charleston.“ Der zweite Satz — laut Dirigent Walter Damrosch, der die Uraufführung des Werks dirigierte, das „High Water Mark of Talent“ — ist eine langsame, meditative Adaption von Blues—Progressionen, und der dritte Satz — laut Gershwin“eine Orgie von Rhythmen“- führt neue Themen ein und kehrt rondoartig zu den Themen des ersten zurück. Obwohl es zu dieser Zeit nicht so gut ankam wie Rhapsody in Blue, wurde das Konzert in F schließlich als eines der wichtigsten Werke Gershwins und vielleicht als das beliebteste amerikanische Klavierkonzert angesehen.
An American in Paris (1928), Gershwins zweitbekannteste Orchesterkomposition, wurde von den Reisen des Komponisten nach Paris in den 1920er Jahren inspiriert. Seine erklärte Absicht mit dem Werk war es, „die Eindrücke eines amerikanischen Besuchers in Paris darzustellen, der durch die Stadt schlendert, verschiedene Straßengeräusche hört und die französische Atmosphäre aufnimmt“; Zu diesem Zweck integrierte Gershwin solche Berührungen von Wahrhaftigkeit wie echte französische Taxihörner. Es ist dieses Stück, das vielleicht am besten Gershwins Beschäftigung mit Jazz und klassischen Formen darstellt. Die harmonische Struktur eines Amerikaners in Paris ist in Blues-Traditionen verwurzelt (insbesondere im „Homesick Blues“ -Mittelteil), und Solisten müssen häufig bestimmte Noten und Passagen im Stil von Jazzmusikern der 1920er Jahre biegen, gleiten und knurren. Die Melodien, die im gesamten Werk wiederholt und verschönert werden, unterliegen jedoch niemals einer Veränderung — das Gegenteil der Jazzphilosophie, die Melodie als bloßen losen Umriss für fantasievolle Dekoration betrachtet. Mit seinen abwechslungsreichen Rhythmen und seiner freien Struktur („Fünf Abschnitte, die mehr oder weniger durch Intuition zusammengehalten werden“, so ein Kritiker) wirkte An American in Paris eher balletisch als symphonisch, und tatsächlich erlangte das Stück 23 Jahre nach seiner Premiere seinen nachhaltigsten Ruhm, als es 1951 von Gene Kelly für die abschließende Ballettsequenz des klassischen, gleichnamigen Filmmusicals verwendet wurde.
Gershwins andere große Orchesterwerke haben im Laufe der Jahre an Statur und Popularität gewonnen. Seine zweite Rhapsodie (1931) begann unter den Arbeitstiteln „Manhattan Rhapsody“ und „Rhapsody in Rivets“ und wurde in embryonaler Form als Bühnenmusik im Film Delicious (1931) gezeigt. Vielleicht das experimentellste von Gershwins Hauptwerken, wurde es als seine perfekteste Komposition in Bezug auf Struktur und Orchestrierung gelobt. Gershwins kubanische Ouvertüre (1932), von der er sagte, sie sei inspiriert von „zwei hysterischen Wochen in Kuba, in denen kein Schlaf war“, verwendete Rhumba-Rhythmen und Schlaginstrumente wie Claves, Maracas, Bongotrommeln und Kürbisse, die zu dieser Zeit in den Vereinigten Staaten im Allgemeinen unbekannt waren. Es ist ein Werk, das häufig von Symphoniedirigenten wiederbelebt wird, die seine dreiste, festivalartige Stimmung als mitreißenden Konzertauftakt empfinden.