Meine Ausbildung zur Porträtfotografie fand nicht in einem Klassenzimmer, einer Bibliothek oder einer Werkstatt statt. Das meiste, was ich gelernt habe, kam aus dem Studium der Arbeit meiner Helden, versuchte herauszufinden, warum ich ihre Bilder liebte, und dann meine eigene Wendung auf sie setzen.
Tatsächlich kann ich sehen, dass mein Porträtstil aus einem nie endenden Zyklus von:
1 stammt. Der Versuch, große Fotografen wie Albert Watson und Richard Avedon zu kopieren.
2. Kläglich scheitern, aber dabei etwas lernen.Und in diesem Artikel werde ich Ihnen 21 Tipps, Techniken, Tricks und Hacks geben, die ich von 21 von ihnen genommen habe — Männer und Frauen, die ich für die größten Porträtfotografen aller Zeiten halte.
Ich habe diese Punkte durch eine Mischung aus Videos, Instagram-Posts und meinen eigenen Fotos veranschaulicht.
Verstanden? Gut?
Springen wir ein:
#1. Richard Avedon: Alle Porträts sagen die Wahrheit… Und lügen
Der große Richard Avedon hat einmal gesagt:
Ein Porträt ist kein Abbild. In dem Moment, in dem eine Emotion oder Tatsache in ein Foto umgewandelt wird, ist es keine Tatsache mehr, sondern eine Meinung. Es gibt keine Ungenauigkeit in einem Foto. Alle Fotos sind genau. Keiner von ihnen ist die Wahrheit.
Das ist vielleicht die wahrste Aussage, die jemals über Porträtfotografie gemacht wurde.
Wir würden gerne denken, dass ein Porträt wirklich die Wahrheit über das Thema sagt. Aber im besten Fall können wir nur eine Seite einer Person erwarten.
Sie können nicht die gesamte Essenz einer Person in 1/250 Sekunde erfassen — vor allem, weil die Leute immer für die Kamera auftreten.
Avedon selbst sagte:
Wir alle treten auf. Es ist das, was wir die ganze Zeit füreinander tun, absichtlich oder unabsichtlich. Es ist eine Art, über uns selbst zu erzählen, in der Hoffnung, als das anerkannt zu werden, was wir gerne wären.
Denken Sie nur an Instagram. Wie viele Menschen sind wirklich glücklich und fröhlich? Und wie viele treten gerade für dich auf?
#2. Irving Penn: Mach kein ‚gutes‘ Porträt, mach ein ‚effektives‘ Porträt
Ich hasse es, Wörter wie gut oder schlecht zu verwenden, um Porträts zu beschreiben.
Ich bevorzuge das Wort „effektiv“ — wie ich in diesem Video erkläre:
Irving Penn sagte einmal:
Ein gutes Foto ist eines, das eine Tatsache kommuniziert, das Herz berührt und dem Betrachter eine veränderte Person hinterlässt, weil er sie gesehen hat. Es ist, mit einem Wort, effektiv.
Ich messe die Qualität eines Porträts daran, wie ich mich fühle, wenn ich es betrachte. Möchte ich mehr über die Person auf dem Bild wissen? Wenn ja, ist es ein effektives Porträt für mich.
#3. Joe McNally: Ihre Kamera ist ein Pass
Ich habe Joe einmal live sprechen hören und er sagte etwas in der Art von „Ihre Kamera ist ein Pass zum Abenteuer.“ Und das hat mich wirklich gepackt.
Joes Abenteuer beinhalteten große Aufträge auf der ganzen Welt für National Geographic und LIFE. Meine waren etwas zahmer.
Ich habe Kampfsportveranstaltungen (das Bild oben ist aus dem Backstage-Bereich bei einem Kickbox-Event) und Übungen gedreht. Ich würde Anzeigen auf Craigslist schalten und Leute zu Porträts in mein Haus einladen. Und ich habe alle meine Ferien in Fotoabenteuer verwandelt.
#4. Martin Schoeller: Konsistenz führt zu Aufmerksamkeit
Martin Schoeller ist ein führender redaktioneller und kommerzieller Porträtfotograf.
Und während er ein vielfältiges Werk hat, ist er bekannt für seine engen, intensiven Kopfschüsse:
Ich besuchte einmal einen Vortrag mit Martin und erfuhr, dass seine Headshot-Fotos tatsächlich von den deutschen Fotografen Bernd und Hilla Becher inspiriert sind. Interessanterweise fotografierten die Bechers Wassertürme auf die gleiche konsistente Weise.
Wenn Sie eine konsistente Arbeit haben, ist es einfacher, sich einen Namen zu machen und die Leute wissen zu lassen, was Sie tun. Diese Konsistenz bietet Ihnen eine großartige Plattform, auf der Sie aufbauen können. Und das ist ein Grund, warum ich meinen Instagram-Feed mit Sepia-getönten Porträts fülle.
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#5. Kurt Markus: Verwenden Sie eine langsame Verschlusszeit für einen verträumten Look
Ich mag es generell, wenn meine Porträts scharf sind. Aber manchmal, Ich mag etwas ein bisschen weicher und verträumter. Also nehme ich meine Verschlusszeit auf 1/10 Sekunde oder noch langsamer.
Dies ist etwas, das ich von mehreren Fotografen, darunter Sante D’Orazio, Paolo Roversi, aber vor allem, Montana native Kurt Markus nahm. Kurt ist berühmt für seine ätherischen Schwarz-Weiß-Porträts von Cowboys und Supermodels.
Bei der Recherche zu Kurts Arbeit stieß ich auf ein großartiges Interview mit einem Bildbearbeiter, in dem er Folgendes sagte:
Ich retuschiere nicht. Ich versuche nicht, das Bild in etwas zu manipulieren, das mir danach gefällt. 6 × 7 ist ein sehr verzeihendes Medium. Schwarz-Weiß-Film, diese Objektive, eine langsame Verschlusszeit. Ich werde Frauen fotografieren und viel Zeit sehen sie makellos aus, aber echt.
Und während ich in der Vergangenheit mit langsamen Verschlusszeiten experimentiert hatte, mache ich es jetzt zu einer regelmäßigen Praxis. Es ist eine schöne Abkehr von meinem typischen Fokus auf Echtheit und Klarheit.
#6. Zack Arias: Lege den Kopf an einen sauberen Ort
Zack Arias ‚CreativeLive-Klasse „Grundlagen eines arbeitenden Fotografen“ hatte einen großen Einfluss auf mich, als ich erste Schritte. Zack hat mir unzählige wichtige Konzepte über Beleuchtung beigebracht, Fachinteraktion, und Geschäft.
Aber das Wichtigste, was ich gelernt habe, war „Kopf an einem sauberen Ort.“ Versuchen Sie wie in, Ihre Fotos so zusammenzustellen, dass der Kopf frei ist. Diese Idee nutze ich bei jedem Shooting.
#7. Albert Watson: Fürchte dich nicht vor hartem Licht!
Als ich anfing, Porträtfotograf zu sein, hatte ich eine kindische Einstellung zum Licht. Ich dachte, weiches Licht sei gut und hartes Licht sei schlecht. Warum? Denn das ist es, was jeder Blogger und Lehrer, dem ich gefolgt bin, gesagt hat.
Alles musste mit einem großen Regenschirm oder einer Softbox beleuchtet werden. Aber als ich Albert Watsons bahnbrechendes Buch Cyclops entdeckte, schlug mein Standpunkt um. Ich sah, dass hartes Licht gleichzeitig hart und schön sein konnte.
Also fing ich an, mit bloßen Blitzen, Gittern, Snoots und gutem, altmodischem direktem Sonnenlicht zu experimentieren. Und jetzt verwende ich bei fast allen meinen Shootings eine Mischung aus weichem und hartem Licht.
Am wichtigsten ist, dass Albert mir beigebracht hat, alle Ratschläge, die ich zur Porträtfotografie erhalten habe, in Frage zu stellen. Und meine Einstellung ist, zuzuhören, was die Leute mir sagen, aber für mich selbst zu testen, um zu sehen, was ich wirklich mag.
#8. Gregory Heisler: Grundsätzlich gibt es zwei Arten von Licht
Wenn ich an Lichtarten denke, denke ich normalerweise an hartes und weiches Licht.
In diesem Video, das sein Porträt des Schwimmers Michael Phelps aufschlüsselt, bricht Gregory Heisler die Beleuchtung auf eine andere Weise auf:
Es gibt eine Art von Beleuchtung, mit der Sie die Umgebungsbeleuchtungssituation simulieren, so dass es aussieht, als käme Licht von einer Lampe oder Licht von einem Pool. Und es gibt eine andere Art Beleuchtung, die Sie tun, weil es cool aussieht und wen interessiert das?
Diese Idee stellte meine Herangehensweise an die Beleuchtung auf den Kopf. Mir wurde klar, dass Sie künstliches Licht verwenden können, um jede Art von natürlichem Licht zu emulieren – von der untergehenden Sonne bis zum Licht, das vom Poolwasser abprallt.
#9. Herb Ritts: Natürliches Licht kann perfekt sein, aber Ihr Timing ist wichtig
Ein häufiger Fehler, den Anfänger machen, ist die Annahme, dass alles natürliche Licht gleich ist. Das Licht um 9 Uhr morgens unterscheidet sich jedoch aufgrund des Sonnenwinkels erheblich vom Licht um 12 Uhr. Wenn die Sonne tiefer wird, wird das Licht wärmer und schmeichelhafter. Ihr Timing ist also wichtig.
Herb Ritts ist vor allem für seine Verwendung von Golden Hour Light bekannt. Allerdings hat Herb nicht nur in Golden Hour gedreht. Er konnte sogar hartes Mittagslicht schön machen, indem er die Gesichter seines Subjekts sorgfältig angelte.
Sie können dies tun, indem Sie den Schattenwurf der Nase Ihres Motivs beobachten. Wenn der Schatten von der Nase kurz ist, sind Sie in der Regel in ziemlich gutem Licht!
#10. Steve McCurry: Open Shade Lighting funktioniert einfach
Ich habe Steve McCurrys Porträtarbeit bewundert, seit ich als kleines Kind National Geographic in der Bibliothek gelesen habe.
Nun, du kannst Steves Arbeit nicht kopieren. Aber Sie können seine natürliche Lichttechnik kopieren. Die meisten Porträts von Steve McCurry – einschließlich des ikonischen Porträts ‚Afghan Girl‘ – wurden mit Open Shade Lighting erstellt.
Open shade ist eine natürliche Lichttechnik, bei der Sie das Motiv so positionieren:
1. Sonnenlicht von gerade oben ist blockiert, und
2. Pralles Sonnenlicht füllt das Gesicht des Subjekts aus
Hier ist mein Open Shade-Beleuchtungsdiagramm:
Open shade eliminiert unschmeichelhafte Schatten, die durch Oberlicht erzeugt werden, sodass das Gesicht mit weichem, gleichmäßigem Licht beleuchtet wird. Und das Beste ist, Sie können es für fast jeden verwenden.
#11. Dean Collins: Beleuchtung ist alles über die Grundlagen (auch die fortgeschrittenen Sachen!)
Dean Collins war vielleicht der effektivste Lichtpädagoge der Geschichte. Ich habe ungefähr 250 Dollar für seine DVDs ausgegeben. Und es war das beste verdammte Geld, das ich je für meine fotografische Ausbildung ausgegeben habe. Er war ein technischer Assistent, der in einfachem Englisch sprechen konnte. Und er hat verdammt gute Bilder gemacht.
Dean zeigte mir, dass die Beherrschung nur einiger grundlegender Konzepte (wie die Steuerung der Größe der Lichtquelle) es mir ermöglichen würde, die Bilder zu erstellen, die ich in meinem Kopf sah — auch wenn ich nicht die neueste und beste Ausrüstung hatte.
Und in seinen Lehrvideos verwendete Dean keine ausgefallenen Lichtmodifikatoren. Er klemmte buchstäblich Stoff an ein PVC-Rohr und machte damit alle Arten von Licht mit einem Blitz.
Das war meine Inspiration für die Verwendung eines Diffusionstuch auf meiner Lage schießt anstelle von Regenschirmen und Softboxen. Es ist nicht so sexy, aber es funktioniert.
#12. Greg Gorman: Schatten und Geheimnis sind wichtig
Greg sagte einmal: „Für mich ist ein Foto am erfolgreichsten, wenn es nicht alle Fragen beantwortet und etwas zu wünschen übrig lässt.“ gewünscht.“
Wie ich bereits erwähnt habe, wird Anfängern von Porträtfotografen oft beigebracht, hartes Licht und infolgedessen Schatten zu vermeiden.
Schatten sind mächtiger als Sie sich vorstellen können. Sie verleihen Ihren Porträts Geheimnis, 3-Dimensionalität und ein Gefühl von Zeit und Ort. All diese Faktoren laden zur Neugierde ein, die ein Schlüsselfaktor dafür ist, dass Ihre Bilder lebendig werden.Und ein Grund, warum ich Greg Gormans Porträts liebe, ist seine schöne Verwendung von tiefen Schatten, vor allem in seinen bahnbrechenden Werbekampagnen für l.a. Eyeworks.Tatsächlich fühlen sich seine Porträts aus den 80er und 90er Jahren immer noch frisch an, weil er sich dem Trend widersetzte, langweiliges, flaches Licht zu verwenden.
Ich denke, es liegt daran, dass die Schatten dich hineinziehen und dich mehr darüber nachdenken lassen, was auf dem Bild vor sich geht.
#13. Annie Leibovitz: Fotografiere deine Familie (oder jede Familie, der du begegnest!)
Ich war enttäuscht von Annie Leibovitz ‚Meisterklasse, aber eines blieb mir erhalten: Wie leidenschaftlich sie über Familienfotografie ist. Und wenn Sie ihr unglaubliches Buch bei der Arbeit lesen, sehen Sie, dass einige ihrer besten Porträts die ihrer Familienmitglieder sind.Tatsächlich ist Annies Porträt ihrer Tochter Sarah Cameron Leibovitz eines der schönsten Bilder eines Kindes, das ich je gesehen habe.Wenn Sie mehr Erfahrung als Porträtfotograf sammeln, werden Sie feststellen, dass Sie Familienbilder mehr als alles andere schätzen — auch wenn sie von der Familie eines anderen stammen.
Die lohnendste Erfahrung meiner eigenen Porträtfotografie-Reise war das Fotografieren eines neugeborenen Babys an seinem ersten Tag zu Hause.
Probieren Sie es aus — Sie werden es lieben.
#14. David Bailey: Weg mit den Köpfen! (Nun, ein Teil von ihnen)
David Bailey gehört zu den größten Porträt- und Modefotografen, die aus Großbritannien gekommen sind.
Und Bailey hat mir eine einfache Lektion über Komposition beigebracht: Hab keine Angst, jemandem den Kopf abzuschneiden.
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Wenn Sie Davids Arbeit studieren, insbesondere seine engen Kopfschüsse und Schönheitsbilder, werden Sie sehen, dass er manchmal die Oberseite des Kopfes seines Subjekts abschneidet.
Es ist eine effektive Kompositionstechnik aus zwei einfachen Gründen. Erstens ist es ungewöhnlich. Nur wenige Fotografen machen das.
Und zweitens fügt es ein Gefühl der Nähe und Intimität hinzu. Wenn Sie jemandem so nahe stehen, dass Sie nicht über seinen Kopf sehen können, befinden Sie sich in seinem persönlichen Raum. Interessanterweise sagte David einmal: „Ich interessiere mich nicht für Komposition oder ähnliches. Ich möchte nur, dass die Emotionen der Person auf dem Bild rüberkommen.“
Es ist also lustig, dass er durch diese einfache Kompositionstechnik die Emotionen bekommt, die er sucht!
#15. Mary Ellen Mark: Eine weiche Berührung kann die stärkste sein
Ich interessiere mich nur für Leute an den Rändern. Ich fühle eine Affinität zu Menschen, die nicht die besten Pausen in der Gesellschaft hatten. Was ich mehr als alles andere tun möchte, ist ihre Existenz anzuerkennen.
Ich bewundere schon lange die verstorbene Mary Ellen Marks dokumentarische Porträts. Mary zeichnet sich durch ihre sanfte, aber intensive Berührung aus. Die meisten Porträtfotografen können eine so empfindliche Linie nicht fahren, aber sie hat es konsequent getan.
Man hat das Gefühl, dass ihre Untertanen, selbst völlig Fremde, volles Vertrauen in sie hatten. Und obwohl ich es nicht genau wissen kann, ist das wahrscheinlich das Ergebnis ihrer freundlichen, freundlichen Art sowie ihres Auges für die Themenauswahl. Es scheint, als hätte sie Menschen getroffen, die eine Aura der Verletzlichkeit hatten. Und vor allem fotografierte sie sie mit Respekt und Würde.
Die Tragödie sorgt für interessante Fotos. Denken Sie nur daran, dass die Tragödie, die Sie erleben, die Realität eines anderen ist — etwas, das ich zuvor vergessen habe.
#16. Frank W. Ockenfels III: Nicht vergessen zu spielen!
Frank Ockenfels ist einer der besten redaktionellen Werbefotografen der Welt. Er ist vielleicht am besten in diesen Tagen für seine ikonischen Film- und TV-Plakate bekannt. Er hat Bilder für alles erstellt, von Breaking Bad über Mad Men und Daredevil bis hin zu Thor, Men in Black 3 und … Sie verstehen den Punkt.
Aber was an Frank wirklich unglaublich ist, ist sein Sinn für Spiel. Blättern Sie durch seine Instagram, und Sie werden einen verrückten Wissenschaftler bei der Arbeit sehen, mit allen Arten von Film spielen, Kameras, Farbe, Lichttechniken, und sogar Collagen und Mixed Media. Und ich habe noch nie eine so große Bandbreite experimenteller Fotografie gesehen, die sich immer noch als Teil eines zusammenhängenden Körpers anfühlt.
Er hat mich gelehrt, neue Dinge auszuprobieren, aus dem wichtigsten Grund von allen — um zu sehen, was passiert.
#17. Matthew Rolson: Fügen Sie Ihrem Schwarz etwas Farbe hinzu & Weiß
Zusammen mit Herb Ritts und Greg Gorman, Matthew Rolston, der früher in diesem Artikel behandelt wurde, ist einer der 3 Könige der kalifornischen Porträtfotografie.
Ich liebe Matthews klassische 1980er und 1990er Jahre schwarz & weiße Promi-Porträts, die er oft warm oder kühl getönt hat.
Ein getöntes Schwarz-Weiß lässt Sie innehalten und nur ein wenig länger starren, vor allem, weil sie so aus der Mode sind.
Wenn es jedoch eine Sache gibt, die ich gerne mache, dann das Gegenteil der beliebten Porträtfotografie-Trends!
#18. Diane von Furstenberg: Sei mutig bei der Auswahl deiner Porträtmotive
Ich bin nicht wirklich von Diane Arbus beeinflusst (zumindest nicht direkt — sie hatte einen großen Einfluss auf Richard Avedon, der meine # 1 Inspiration ist). Aber ich liebte ihre Kühnheit als Fotografin, besonders wenn es um ihre Straßenporträts ging. Diane fühlte sich sehr zu den Unterdrückten hingezogen, und ihre Arbeit hat ein trauriges, sympathisches Gefühl.
Meine Straßenporträts waren leider immer auf der sicheren Seite. Ich wünschte, ich wäre mehr wie Diane Arbus und ein bisschen mutiger bei der Auswahl meiner Themen.
#19. Max Vadukul: Hol die Fantasie deines Motivs in Schwung
Ich liebe Max Vadukus Porträt- und Modearbeiten so sehr, dass ich einen Jedi-Gedankentrick nach ihm benannt habe: „Der Vadukul.“In diesem klassischen Video aus MTVS House of Style Show hat Max mir beigebracht, dass es wichtig ist, die Vorstellungskraft deines Subjekts zu wecken, indem du interessante (und manchmal lächerliche) Fragen stellst.
Erwarten Sie nicht, dass die Leute wie Masken auf Mimik schlagen. Lass sie etwas fühlen. Schließlich ist der beste Weg, jemanden zum Lächeln zu bringen, ihn zum Lachen zu bringen.
Wenn die Fantasie Ihres Motivs freien Lauf lässt, werden sie auf natürliche Weise lebendig, die einfach nicht vorgetäuscht werden kann.
#20. Arnold Newman: Sei grafisch … mit deinem Hintergrund!
Arnold Newman hatte viele Geschenke als Porträtfotograf. Aber was mir auffällt, war seine Fähigkeit, seine Motive in komplexen, grafischen Hintergründen zu platzieren, ohne dass es sich gezwungen anfühlt.Newman wurde stark vom niederländischen Maler Piet Mondrian beeinflusst, der eine unkonventionelle, fast mathematische Art hatte, abstrakte Gemälde zu komponieren. Sie sahen fast aus wie sorgfältig gestaltete Rätsel. Newmans Porträts hatten die gleiche Wirkung. Sie fühlten sich ein bisschen unkonventionell an, aber irgendwie vollkommen logisch
#21. Phil Borges: Ihr Studio kann überall auf dem Planeten Erde sein
Phil Borges ist ein dokumentarischer Porträtfotograf, der sich auf indigene und Stammeskulturen spezialisiert hat. Aber Phil ist kein durchschnittlicher Fotograf.
Er führte tatsächlich ein komplettes Beleuchtungssetup mit sich, so dass er überall auf der Welt, vor allem in Tibet, eine Beleuchtung im Studiostil schaffen konnte.
Indem er sich die Mühe machte, Beleuchtungsgeräte auf dem Feld zu tragen, konnte er wirklich einzigartige Porträts aufnehmen. Und Phil ist eine der Hauptinspirationen hinter einem Porträtprojekt, an dem ich arbeite, wo ich Studios auf den Straßen von New York City schaffen werde.
Über den Autor: Michael Comeau ist der Herausgeber von OnPortraits.com , eine brandneue Online-Community, die sich der einfachen, klassischen Porträtfotografie widmet. Klicken Sie hier für weitere Informationen. Die in diesem Artikel geäußerten Meinungen sind ausschließlich die des Autors. Dieser Artikel wurde ebenfalls hier veröffentlicht.