Die Vorgeschichte von die Op-Art lässt sich in Bezug auf Grafik- und Farbeffekte auf Neoimpressionismus, Kubismus, Futurismus, Konstruktivismus und Dada zurückführen. László Moholy-Nagy produzierte fotografische Op Art und lehrte das Thema am Bauhaus. Eine seiner Lektionen bestand darin, seine Schüler dazu zu bringen, Löcher in Karten zu bohren und sie dann zu fotografieren.Das Time Magazine prägte den Begriff Op Art 1964 als Reaktion auf Julian Stanczaks Ausstellung Optical Paintings in der Martha Jackson Gallery, um eine Form der abstrakten Kunst (insbesondere nicht-objektive Kunst) zu bezeichnen, die optische Täuschungen verwendet. Werke, die jetzt als „Op Art“ bezeichnet werden, wurden mehrere Jahre vor dem Time-Artikel von 1964 produziert. So besteht Victor Vasarelys Gemälde Zebras (1938) vollständig aus krummlinigen schwarzen und weißen Streifen, die nicht durch Konturlinien begrenzt sind. Folglich scheinen die Streifen sowohl in den umgebenden Hintergrund zu verschmelzen als auch aus ihm herauszubrechen. Auch die frühen schwarz-weißen „Dazzle“ -Panels, die John McHale 1956 in der This Is Tomorrow-Ausstellung und 1962 in seiner Pandora-Serie am Institute of Contemporary Arts installierte, zeigen Proto-Op-Art-Tendenzen. Martin Gardner vorgestellten Op-Art und ihre Beziehung zur Mathematik in seinem Juli 1965 Mathematische Spiele Spalte in Scientific American. In Italien wurde Franco Grignani, der ursprünglich als Architekt ausgebildet wurde, zu einer führenden Kraft des Grafikdesigns, wo Op Art oder kinetische Kunst im Mittelpunkt standen. Sein Woolmark-Logo (1964 in Großbritannien eingeführt) ist wahrscheinlich das berühmteste aller seiner Entwürfe.
Die Op Art leitet sich vielleicht enger von den konstruktivistischen Praktiken des Bauhauses ab. Diese von Walter Gropius gegründete deutsche Schule betonte das Verhältnis von Form und Funktion im Rahmen von Analyse und Rationalität. Die Schüler lernten, sich auf das Gesamtdesign oder die gesamte Komposition zu konzentrieren, um einheitliche Werke zu präsentieren. Op Art stammt auch aus Trompe-l’œil und Anamorphose. Es wurden auch Verbindungen zur psychologischen Forschung hergestellt, insbesondere zur Gestalttheorie und Psychophysiologie. Als das Bauhaus 1933 schließen musste, flohen viele seiner Lehrer in die USA. Dort wurzelte die Bewegung in Chicago und schließlich am Black Mountain College in Asheville, North Carolina, wo Anni und Josef Albers schließlich lehrten.
Op-Künstler haben es so geschafft, verschiedene Phänomene auszunutzen“, schreibt Popper, „das Nachbild und die aufeinanderfolgende Bewegung; Linieninterferenz; die Wirkung von Blendung; mehrdeutige Figuren und reversible Perspektive; aufeinanderfolgende Farbkontraste und chromatische Vibrationen; und in dreidimensionalen Arbeiten verschiedene Standpunkte und die Überlagerung von Elementen im Raum.
1955 förderten Victor Vasarely und Pontus Hulten für die Ausstellung Mouvements in der Galerie Denise René in Paris in ihrem „Gelben Manifest“ einige neue kinetische Ausdrucksformen, die auf optischen und leuchtenden Phänomenen sowie Malillusionismus basieren. Der Ausdruck kinetische Kunst in dieser modernen Form tauchte erstmals 1960 im Museum für Gestaltung Zürich auf und fand in den 1960er Jahren seine wichtigsten Entwicklungen. In den meisten europäischen Ländern umfasst es im Allgemeinen die Form der optischen Kunst, die sich hauptsächlich optischer Täuschungen bedient, wie Op Art, sowie Bewegungskunst von Yacov Agam, Carlos Cruz-Diez, Jesús Rafael Soto, Gregorio Vardanega oder Nicolas Schöffer. Von 1961 bis 1968 war die von François Morellet, Julio Le Parc, Francisco Sobrino, Horacio Garcia Rossi, Yvaral, Joël Stein und Vera Molnár gegründete Groupe de Recherche d’Art Visuel (GRAV) eine kollektive Gruppe opto-kinetischer Künstler, die — gemäß ihrem Manifest von 1963 — an die direkte Beteiligung der Öffentlichkeit appellierte, die ihr Verhalten beeinflusste, insbesondere durch den Einsatz interaktiver Labyrinthe.
Einige Mitglieder der Gruppe Nouvelle tendance (1961-1965) in Europa beschäftigten sich auch mit Op Art wie Almir Mavignier und Gerhard von Graevenitz, hauptsächlich mit ihren Serigraphien. Sie studierten optische Täuschungen. Der Begriff op irritierte viele der darunter bezeichneten Künstler, insbesondere Albers und Stanczak. Sie hatten bei der Geburt des Begriffs eine bessere Bezeichnung diskutiert, nämlich Wahrnehmungskunst. Ab 1964 hatte Arnold Schmidt (Arnold Alfred Schmidt) mehrere Einzelausstellungen seiner großen, schwarz-weiß geformten optischen Gemälde in der Terrain Gallery in New York ausgestellt.
The Responsive Eye
1965, zwischen dem 23.Februar und dem 25. April, wurde eine Ausstellung namens The Responsive Eye von William C. Seitz, wurde im Museum of Modern Art in New York City statt und tourte nach St. Louis, Seattle, Pasadena und Baltimore. Die gezeigten Arbeiten waren breit gefächert und umfassten den Minimalismus von Frank Stella und Ellsworth Kelly, die sanfte Plastizität von Alexander Liberman, die Zusammenarbeit der Anonima-Gruppe mit den bekannten Künstlern Victor Vasarely, Richard Anuszkiewicz, Wen-Ying Tsai, Bridget Riley und Getulio Alviani. Die Ausstellung konzentrierte sich auf die Wahrnehmungsaspekte der Kunst, die sich sowohl aus der Illusion von Bewegung als auch aus dem Zusammenspiel von Farbbeziehungen ergeben.
Die Ausstellung war ein Publikumserfolg (über 180.000 Besucher), aber weniger bei den Kritikern. Kritiker wiesen die Op-Art als Darstellung von nichts weiter als Trompe-l’œil oder Tricks ab, die das Auge täuschen. Unabhängig davon stieg die Akzeptanz der Op-Art in der Öffentlichkeit, und Op-Art-Bilder wurden in einer Reihe von kommerziellen Kontexten verwendet. Eines der frühen Werke von Brian de Palma war ein Dokumentarfilm zur Ausstellung.