min porträttfotografiutbildning skedde inte i ett klassrum, bibliotek eller verkstad. Det mesta av det jag lärde mig kom från att studera mina hjältars arbete, försöka lista ut varför jag älskade deras bilder och sedan sätta min egen twist på dem.
faktum är att jag kan se att min Porträttstil har kommit från en oändlig cykel av:
1. Försöker kopiera stora fotografer som Albert Watson och Richard Avedon.
2. Misslyckas kapitalt, men lära sig något i processen.
och i den här artikeln kommer jag att ge dig 21 tips, tekniker, tricks och hackar som jag tog från 21 av dem — män och kvinnor som jag anser vara de största porträttfotograferna genom tiderna.
jag illustrerade dessa punkter genom en blandning av videor, Instagram-inlägg och mina egna foton.
har du det? Bra?
Låt oss hoppa in:
# 1. Richard Avedon: Alla porträtt säger sanningen… och ljuger
den stora Richard Avedon sa en gång detta:
ett porträtt är inte en likhet. I samma ögonblick som en känsla eller ett faktum omvandlas till ett fotografi är det inte längre ett faktum utan en åsikt. Det finns inget sådant som felaktighet i ett fotografi. Alla fotografier är korrekta. Ingen av dem är sanningen.
det kan vara det sannaste uttalandet som någonsin gjorts om porträttfotografering.
Vi skulle vilja tro att ett porträtt verkligen säger sanningen om ämnet. Men i bästa fall kan vi bara förvänta oss en sida av en person.
Du kan inte fånga en persons hela väsen i 1/250th av en sekund — särskilt eftersom människor alltid utför för kameran.
Avedon själv sa:
Vi utför alla. Det är vad vi gör för varandra hela tiden, medvetet eller oavsiktligt. Det är ett sätt att berätta om oss själva i hopp om att bli erkända som vad vi skulle vilja vara.
tänk bara på Instagram. Hur många människor är verkligen glada och glada? Och hur många presterar bara för dig?
#2. Irving Penn: gör inte ett bra porträtt, gör ett effektivt porträtt
Jag hatar att använda ord som bra eller dåliga för att beskriva porträtt.
Jag föredrar ordet ”effektiv” — som jag förklarar i den här videon:
Irving Penn sa en gång:
ett bra fotografi är ett som kommunicerar ett faktum, berör hjärtat, lämnar tittaren en förändrad person för att ha sett det. Det är i ett ord effektivt.
jag mäter kvaliteten på ett porträtt efter hur jag känner när jag tittar på det. Vill jag veta mer om personen på bilden? I så fall är det ett effektivt porträtt för mig.
#3. Joe McNally: Din kamera är ett pass
Jag hörde en gång Joe tala live och han sa något i linje med ” din kamera är ett pass till äventyr.”Och det fastnade verkligen med mig.nu involverade Joes äventyr att skjuta stora uppdrag över hela världen för National Geographic och LIFE. Min var lite mer tam.
Jag sköt kampsporthändelser (bilden ovan är från backstage-området vid en kickboxning-händelse) och praxis. Jag skulle sätta annonser på Craigslist och bjuda in människor till mitt hus för porträtt. Och jag förvandlade alla mina semester till fotoäventyr.
# 4. Martin Schoeller: konsistens leder till uppmärksamhet
Martin Schoeller är en toppredaktionell och kommersiell porträttfotograf.
och medan han har en mångsidig kropp av arbete, är han känd för sina snäva, intensiva headshots:
Jag deltog en gång i en föreläsning med Martin och lärde mig att hans headshot-bilder faktiskt är inspirerade av de tyska fotograferna Bernd och Hilla Becher. Intressant nog fotograferade Bechers vattentorn på samma konsekventa sätt.
När du har en konsekvent arbetsgrupp är det lättare att bygga ett namn för dig själv och låta folk veta vad du gör. Den konsistensen ger dig en bra plattform att bygga från. Och det är en anledning till att jag fyller mitt Instagram-flöde med sepia-tonade porträtt.
View this post on Instagram
#5. Kurt Markus: Använd en långsam slutartid för en drömmande Look
Jag gillar i allmänhet att mina porträtt är skarpa. Men ibland gillar jag något lite mjukare och drömmare. Så jag tar min slutartid ner till 1 / 10th av en sekund eller ännu långsammare.
detta är något jag tog från flera fotografer inklusive Sante D ’ Orazio, Paolo Roversi, men mestadels, Montana infödda Kurt Markus. Kurt är känd för sina eteriska svartvita porträtt av både cowboys och supermodeller.
När jag undersökte Kurts arbete kom jag över en bra intervju med en fotoredigerare där han sa detta:
Jag retuscherar inte. Jag försöker inte manipulera bilden till något jag gillar efteråt. 6 7 är ett mycket förlåtande medium. Svartvit film, dessa linser, en långsam slutartid. Jag fotograferar kvinnor och mycket tid de ser felfria ut, men riktiga.
och medan jag hade experimenterat med långsamma slutartider tidigare, gör jag det nu en regelbunden övning. Det är en trevlig avvikelse från mitt typiska fokus på verklighet och klarhet.
# 6. Zack Arias: sätt huvudet på en ren plats
Zack Arias CreativeLive klass ”grunden för en fungerande fotograf” hade en enorm påverkan på mig när jag började. Zack lärde mig otaliga viktiga begrepp om belysning, ämnesinteraktion och affärer.
men det viktigaste jag lärde mig var ” huvudet på en ren plats.”Som i, försök att komponera dina foton på ett sätt så att huvudet är fritt. Jag använder den här tanken på varje skott.
# 7. Albert Watson: Frukta inte Hårt ljus!
När jag var porträttfotograf hade jag en barnslig inställning till ljus. Jag tyckte att mjukt ljus var bra och hårt ljus var dåligt. Varför? För det är vad varje bloggare och instruktör jag följde sa.
allt måste tändas med ett stort paraply eller softbox. Men när jag upptäckte Albert Watsons banbrytande bok Cyclops, min synvinkel flip-floppade. Jag såg att Hårt ljus kunde vara hårt och vackert samtidigt.
så jag började experimentera med bara blixtar, galler, snoots och bra gammaldags direkt solljus. Och nu använder jag en blandning av mjukt och hårt ljus på nästan alla mina skott.
viktigast av allt, Albert lärde mig att ifrågasätta alla råd jag fick om porträttfotografering. Och min inställning är att lyssna på vad folk säger till mig, men testa själv för att se vad jag verkligen gillar.
#8. Gregory Heisler: Det finns i princip två typer av ljus
När jag tänker på typer av ljus, jag normalt tänk på hårt och mjukt ljus.i den här videon bryter han ner sitt porträtt av simmaren Michael Phelps, Gregory Heisler bryter ner belysningen på ett annat sätt:
det finns en typ av belysning som du gör för att simulera omgivande ljussituation så det ser ut som ljus som kommer från en lampa eller ljus som kommer från en pool. Och det finns en annan typ belysning som du gör eftersom det ser cool och vem bryr sig?
den tanken vände min inställning till belysning på huvudet. Jag insåg att du kan använda konstgjort ljus för att efterlikna alla typer av naturligt ljusförhållande — från solnedgången till ljuset som studsar av poolvatten.
# 9. Herb Ritts: Naturligt ljus kan vara perfekt, men din Timing frågor
ett vanligt misstag nybörjare gör antar att allt naturligt ljus är detsamma. Ljuset vid 9 am är dock annorlunda än ljuset vid 12 pm på grund av solens vinkel. När solen blir lägre blir ljuset varmare och smickrare. Så din timing betyder stor tid.
Herb Ritts är mest känd för sin användning av golden hour light. Men Herb sköt inte bara i golden hour. Han kunde göra även hårda middagsljus vackert genom att noggrant fiska motivets ansikten.
Du kan göra detta genom att observera skuggan som kastas av motivets näsa. När skuggan av näsan är kort är du i allmänhet i ganska bra ljus!
#10. Steve McCurry: Open Shade Lighting fungerar bara
Jag har beundrat Steve Mccurrys porträttarbete sedan jag var ett litet barn som läste National Geographic i biblioteket.
Nu kan du inte kopiera Steves arbete. Men du kan kopiera hans naturliga ljusteknik. De flesta av Steve Mccurrys porträtt — inklusive det ikoniska afghanska Tjejporträttet — skapades med öppen skuggbelysning.
Open shade är en naturlig ljusteknik där du placerar motivet på ett sätt som:
1. Solljus från rakt ovan är blockerat och
2. Bounced sunlight fyller i motivets ansikte
här är mitt öppna skuggljusdiagram:
Open shade eliminerar smickrande skuggor skapade av toppljus, så ansiktet är upplyst med mjukt, jämnt ljus. Och bäst av allt, du kan använda den för nästan alla.
#11. Dean Collins: belysning handlar om grunderna (även de avancerade grejerna!)
Dean Collins var kanske den mest effektiva belysningsutbildaren i historien. Jag har spenderat ungefär 250 dollar på hans DVD-skivor. Och det var den bästa jävla pengar jag någonsin spenderat på min fotografering utbildning. Han var en teknisk trollkarl som kunde tala på vanlig engelska. Och han gjorde jävligt bra bilder.
Dean visade mig att mastering av några grundläggande begrepp (som att kontrollera ljuskällans storlek) skulle göra det möjligt för mig att skapa bilderna jag såg i mitt huvud — även om jag inte hade det senaste och bästa redskapet.
och i hans instruktionsvideor använde Dean inga fina ljusmodifierare. Han klämde bokstavligen tyg till ett PVC-rör och gjorde alla slags ljus med det med en strobe.
det var min inspiration för att använda en diffusionsduk på mina platsskott istället för paraplyer och softboxar. Det är inte så sexigt, men det fungerar.
#12. Greg Gorman: skugga och mysterium är viktiga
Greg sa en gång, ”för mig är ett fotografi mest framgångsrikt när det inte svarar på alla frågor, och det lämnar något att önska.”
som jag noterade tidigare lärs ofta porträttfotografer att undvika hårt ljus och som ett resultat skugga.
skuggor är kraftfullare än du kanske tror. De lägger till mysterium, 3-dimensionalitet och en känsla av tid och plats för dina porträtt. Alla dessa faktorer inbjuder nyfikenhet, vilket är en nyckelfaktor för att få dina bilder att leva.
och en anledning till att jag älskar Greg Gormans porträtt är hans vackra användning av djupa skuggor, framför allt i hans banbrytande reklamkampanjer för L.a. Eyeworks.faktum är att hans porträtt från 80-och 90-talet fortfarande känns fräscha, för han böjde trenden att använda tråkigt, platt ljus.
Jag tror att det beror på att skuggorna drar in dig och får dig att tänka mer om vad som händer på bilden.
#13. Annie Leibovitz: fotografera din familj (eller någon familj du stöter på!)
Jag blev besviken över Annie Leibovitz MasterClass, men en sak fastnade med mig: hur passionerad hon handlar om familjefotografering. Och om du läser hennes otroliga bok på jobbet ser du att några av hennes allra bästa porträtt är hennes familjemedlemmar.faktum är att Annies porträtt av hennes dotter Sarah Cameron Leibovitz är en av de vackraste bilderna av ett barn jag någonsin sett.
När du får mer erfarenhet som porträttfotograf kommer du att upptäcka att du värdesätter familjebilder mer än någonting annat — även om de är av någon annans familj.
den enskilt mest givande upplevelsen av min egen porträttfotograferingsresa var att fotografera ett nyfött barn på sitt första daghem.
prova det-du kommer att älska det.
#14. David Bailey: Av Med Huvudet! (Tja, en del av dem)
David Bailey är bland de största porträtt-och modefotograferna som har kommit ut ur Storbritannien.
och Bailey lärde mig en enkel lektion om komposition: var inte rädd för att skära av någons huvud.
View this post on Instagram
om du studerar Davids arbete, särskilt hans snäva headshots och skönhetsbilder, ser du att han ibland skär av toppen av motivets Huvud.
det är en effektiv kompositionsteknik av två enkla skäl. För det första är det ovanligt. Få fotografer gör det.
och för det andra lägger det till en känsla av närhet och intimitet. Om du står så nära någon som du inte kan se över huvudet, är du i deras personliga utrymme. intressant nog sa David en gång ” jag bryr mig inte om komposition eller något liknande. Jag vill bara att känslorna hos personen på bilden ska komma över.”
så det är roligt att han får de känslor han söker genom denna enkla kompositionsteknik!
#15. Mary Ellen Mark: en mjuk Touch kan vara den mest kraftfulla
Jag är bara intresserad av människor på kanterna. Jag känner en affinitet för människor som inte har haft de bästa rasterna i samhället. Vad jag vill göra mer än någonting är att erkänna deras existens.
Jag har länge beundrat den sena Mary Ellen Marks dokumentärporträtt. Mary står ifrån varandra på grund av sin milda men intensiva touch. De flesta porträttfotografer kan inte rida en så känslig linje, men hon gjorde det konsekvent.
du får känslan av att hennes ämnen, även totala främlingar, hade fullständigt förtroende för henne. Och medan jag inte kan veta säkert, är det förmodligen resultatet av hennes snälla, vänliga natur, liksom hennes öga för Ämnesval. Det verkar som om hon avsiktliga människor som hade en aura av sårbarhet. Och viktigare, hon fotograferade dem med respekt och värdighet.
tragedi ger intressanta fotografier. Tänk bara på att tragedin du fotograferar är någon annans verklighet — något jag har glömt tidigare.
#16. Frank W. Ockenfels III: glöm inte att spela!
Frank Ockenfels är en av de bästa redaktionella kommersiella fotograferna i världen. Han är kanske mest känd idag för sina ikoniska film-och TV-affischer. Han har skapat bilder för allt från Breaking Bad Till Mad Men till Daredevil till Thor till Men in Black 3 till… du får poängen.
men det som verkligen är otroligt med Frank är hans känsla av spel. Bläddra igenom hans Instagram, så ser du en galen forskare på jobbet, leker med alla typer av film, kameror, färg, belysningstekniker och till och med collage och blandade medier. Och jag har aldrig sett ett så brett spektrum av experimentell fotografering fortfarande känns som det är en del av en sammanhängande kropp.
han lärde mig att prova nya saker av den viktigaste orsaken till allt — för att se vad som händer.
#17. Matthew Rolson: Lägg till lite färg till din svarta & Vit
tillsammans med Herb Ritts och Greg Gorman, omfattas tidigare i denna artikel, Matthew Rolston är en av de 3 Kings of California porträttfotografering.
Jag älskar Matteus klassiska 1980-talet och 1990-talet Svart & vita kändisporträtt, som han ofta tonade varmt eller kallt.
en tonad svartvitt gör att du stannar och stirrar bara lite längre, mest för att de är så ur stil.
men om det finns en sak jag älskar att göra, är det att göra motsatsen till populära porträttfotograferingstrender!
#18. Diane Arbus: Var modig när du väljer dina Porträttämnen
Jag påverkas inte riktigt av Diane Arbus (åtminstone inte direkt — hon var dock ett stort inflytande på Richard Avedon, vem är min #1 inspiration). Men jag älskade hennes djärvhet som fotograf, särskilt när det gällde hennes gatuporträtt. Diane var mycket attraherad av förtryckta, och hennes arbete har en sorglig, sympatisk känsla.
mina gatuporträtt har tyvärr alltid varit på den säkra sidan. Jag önskar att jag var mer som Diane Arbus, och lite modigare när jag valde mina ämnen.
#19. Max Vadukul: Få ditt ämnes Fantasi att gå
Jag älskar Max Vadukus porträtt och modearbete så mycket att jag namngav ett Jedi Mind-Trick efter honom: ”Vadukul.”i den här klassiska videon från MTV: s House of Style show lärde Max mig att det är viktigt att få ditt ämnes fantasi genom att ställa intressanta (och ibland löjliga) frågor.
förvänta dig inte att folk slår på ansiktsuttryck som masker. Få dem att känna något. Det bästa sättet att få någon att le är att få dem att skratta.
När ditt ämnes fantasi löper vild, kommer de att leva på ett naturligt sätt som bara inte kan förfalskas.
#20. Arnold Newman: var grafisk … med din bakgrund!
Arnold Newman hade många gåvor som porträttfotograf. Men det som sticker ut för mig var hans förmåga att placera sina ämnen i komplexa, grafiska bakgrunder, utan att få det att känna sig tvingat.
Newman påverkades starkt av den holländska målaren Piet Mondrian, som hade ett udda, nästan matematiskt sätt att komponera abstrakta målningar. De såg nästan ut som noggrant utformade pussel. Newmans porträtt hade samma effekt. De kände sig lite udda, men på något sätt helt logiska
#21. Phil Borges: Din Studio kan vara var som helst på planeten jorden
Phil Borges är en dokumentär porträttfotograf som specialiserat sig på inhemska och stamkulturer. Men Phil är inte din genomsnittliga fotograf.
Han bar faktiskt en full belysningsinstallation så att han kunde skapa studio-stilbelysning var som helst i världen, särskilt Tibet.
genom att gå igenom besväret med att bära belysningsutrustning i fältet kunde han fånga verkligen enstaka porträtt. Och Phil är en av de viktigaste inspirationerna bakom ett porträttprojekt jag jobbar med, Där jag ska skapa studior på gatorna i New York City.
Om författaren: Michael Comeau är redaktör för OnPortraits.com, en helt ny online-community tillägnad enkel, klassisk porträttfotografering. Klicka här för mer information. De åsikter som uttrycks i denna artikel är enbart författarens. Denna artikel publicerades också här.