Other works for orchestra
w 1925 roku Gershwin został zamówiony przez Symphony Society of New York do napisania koncertu, co skłoniło kompozytora do skomentowania: „to pokazało wielką pewność siebie z ich strony, ponieważ nigdy wcześniej nie pisałem niczego dla symfonii…zacząłem pisać koncert w Londynie, po zakupie czterech lub pięciu książek na temat struktury muzycznej, aby dowiedzieć się, jaka właściwie była forma koncertu!”Powstały utwór, Concerto in F (1925), był najdłuższą kompozycją Gershwina i został podzielony na trzy tradycyjne części koncertowe. Część pierwsza luźno podąża za sonatową strukturą ekspozycji, rozwoju i rekapitulacji, zawłaszcza tematy i rytmy z popularnego „Charlestona.”Część druga—” high water mark of talent”, według dyrygenta Waltera Damroscha, który dyrygował premierowym wykonaniem utworu—jest powolną, medytacyjną adaptacją bluesowych progresji, a część trzecia—” Orgia rytmów ” według Gershwina-wprowadza nowe tematy i powraca, podobnie jak rondo, do tematów pierwszej. Choć nie tak dobrze przyjęty w tym czasie jak Rhapsody In Blue, Koncert F ostatecznie został uznany za jedno z najważniejszych dzieł Gershwina, a także być może najpopularniejszy Amerykański Koncert fortepianowy.
an American in Paris (1928), druga najbardziej znana kompozycja orkiestrowa Gershwina, została zainspirowana podróżami kompozytora do Paryża w latach 20. jego intencją było „ukazanie wrażeń amerykańskiego gościa w Paryżu, który przechadza się po mieście, słucha ulicznych odgłosów i chłonie francuską atmosferę”; w tym celu Gershwin zastosował takie akcenty verisimilitude jak prawdziwe francuskie rogi taksówek. To właśnie ten utwór najlepiej reprezentuje twórczość Gershwina zarówno jazzową, jak i klasyczną. Struktura harmoniczna Amerykanina w Paryżu jest zakorzeniona w tradycji bluesowej (szczególnie w środkowej części „Homesick Blues”), a soliści często muszą wyginać, przesuwać i warczeć pewne nuty i pasaże, w stylu muzyków jazzowych z lat 20. XX wieku.melodie, które są powtarzane i upiększane w całym utworze, nigdy jednak nie podlegają zmianom—antytezie filozofii jazzowej, która traktuje melodię jako zwykły luźny zarys dla pomysłowej dekoracji. Dzięki zróżnicowanym rytmom i swobodnej strukturze („pięć sekcji trzymanych mniej więcej przez intuicję”, według jednego z krytyków) Amerykanin w Paryżu wydawał się bardziej baletowy niż symfoniczny i rzeczywiście utwór zyskał największą sławę 23 lata po premierze, kiedy został wykorzystany przez Gene 'a Kelly’ ego do zamykającej sekwencji baletowej klasycznego, tytułowego musicalu Filmowego w 1951 roku.
inne ważniejsze kompozycje orkiestrowe Gershwina zyskały na popularności i popularności na przestrzeni lat. Jego druga Rapsodia (1931) rozpoczęła życie pod roboczymi tytułami „Manhattan Rhapsody” i „Rhapsody in Rivets” i została przedstawiona, w formie embrionalnej, jako muzyka towarzysząca w filmie Delicious (1931). Być może najbardziej eksperymentalny z głównych dzieł Gershwina, chwalono go za najdoskonalszą kompozycję pod względem struktury i orkiestracji. Uwertura Kubańska Gershwina (1932), o której mówił, była inspirowana „dwoma histerycznymi tygodniami na Kubie, gdzie nie było snu”, wykorzystywała rytmy rhumby i takie instrumenty perkusyjne, jak Klawy, marakasy, Bębny bongo i tykwy, z których wszystkie były ogólnie nieznane w Stanach Zjednoczonych. Jest to utwór często ożywiany przez dyrygentów symfonicznych, dla których jego zuchwały, Festiwalowy nastrój jest porywającym otwierającym koncerty.