ucząc współczesnej fotografii cyfrowej często zapominam, że te nowe w ogólnej sztuce fotografii mogą nie być zaznajomieni z klasycznymi terminami i technikami i muszę zrobić krok wstecz. Ten post jest dla tych, którzy zawsze chcieli zapytać: „co ludzie mają na myśli, gdy mówią „palić” i „unik” w przetwarzaniu końcowym?”. Jeśli nadal czujesz zapach oparów ciemni, kiedy przywołuję te warunki, możesz pominąć ten post.
wypalanie i unikanie to dwie techniki ciemni używane podczas drukowania obrazu. Negatyw jest umieszczany w projektorze, a następnie skierowany na kawałek papieru fotograficznego (podobnie jak rzutnik slajdów wyświetla obraz na ekranie). Ten papier fotograficzny nie jest taki, jak papier, na którym można drukować w domu. Jest światłoczuły, podobnie jak film, i to jest cały powód tworzenia ciemni; aby kontrolować ilość światła uderzającego w papier, który go wyeksponuje.
teraz światło z projektora przechodzi przez negatyw, a następnie uderza w papier. Czas ekspozycji na światło jest kontrolowany z pewnymi tolerancjami, tak jak pierwotna ekspozycja sceny na negatyw była kontrolowana. Światło równomiernie uderza w negatyw, a następnie równomiernie uderza w papier. Działa to dobrze, jeśli scena jest nawet zrównoważona. Ale co, jeśli są obszary, które muszą być jaśniejsze lub ciemniejsze? W tym miejscu pojawia się palenie i unikanie i są one proste.
kluczem do tych terminów i ich zrozumienia jest pamiętanie, że papier jest biały. Unikanie to proces pokrywania części światła uderzającego w papier, tworząc zacieniony obszar, który nie otrzymuje takiej samej ekspozycji światła jak reszta sceny. Ponieważ zmniejsza to ilość światła uderzającego w papier (pamiętaj; światło uderzające w papier = ciemniejsza ekspozycja), pozwala na wyświetlenie większej ilości białego papieru, skutecznie rozjaśniając obraz w tym obszarze. Wypalanie jest odwrotne, pozwala tylko na światło w jednym obszarze obrazu, aby wydłużyć czas ekspozycji w tym obszarze i utworzyć ciemniejszy obraz dla tego obszaru.
oba wykorzystują różne metody pokrywania, od zwykłego użycia ręki lub kartki papieru po tworzenie niestandardowych szablonów. Ponadto krawędź dodge lub burn można zmiękczyć, przesuwając lekko pokrycie, gdy papier jest odsłonięty.
wszystko to pozwala fotografowi na tworzenie różnych ekspozycji w jednej klatce, które mogą bardziej naśladować scenę, jak to było podczas fotografowania, lub użyć ekspresji artystycznej, aby zmienić obraz do własnych upodobań.
teraz, jak możesz używać tych technik dla własnych korzyści we współczesnych czasach?
zamierzam pokazać te techniki używane w Adobe Lightroom, ale można je ćwiczyć na każdym programie, który pozwala na selektywne maskowanie i zmiany ekspozycji.
Po pierwsze, obraz z niedawnej recenzji obiektywu Sigma 50-500mm (kliknij na dowolny obraz, Aby uzyskać większą wersję).
zdjęcie zostało zrobione iPhonem i wyeksponowane na obiektyw z szarym, zachmurzonym niebem. Chcę podkreślić obiektyw i zmniejszyć tło. Pierwszą rzeczą, którą robię, jest wybór pędzla regulacji i Funkcji Nagrywania jako takiej:
dla tego zdjęcia ustawienie nagrywania nie jest dla mnie wystarczająco ciemne. Biorę ekspozycję dla tej maski do -1.17 i oto wynik:
aparat i obiektyw są teraz ciemniejsze, dzięki czemu lepiej wyróżniają się na tle. Teraz chcę zrobić odwrotnie z tłem. Chcę go unik, aby go rozjaśnić, dodatkowo podkreślając obiektyw. Zaczynam od malowania maski tła:
ponownie Dodge nie podoba mi się i zamiast tego zmieniam ekspozycję na tę maskę, aby była lżejsza.
dzięki tym maskom mogę również zmienić kontrast lub jasność (zrobione w Lightroom 4), aby jeszcze bardziej podkreślić mój temat, jeśli mi się podoba. W tym przykładzie trzymam rzeczy proste.
wynik jest niewielki, ale w razie potrzeby może być bardziej dramatyczny.
przed:
Po:
Techniki te są nadal bardzo istotne w dzisiejszej nowoczesnej, cyfrowej erze i mam nadzieję, że teraz lepiej rozumiesz, skąd pochodzą te terminy i jak najlepiej z nich korzystać.
dziękuję za przeczytanie.